Actriz de raza, Nicole Kidman

Nicole Kidman

Nombre real
Nicole Mary Kidman
Nacimiento
20 de junio de 1967 (43 años)
Honolulú, Hawái, Estados Unidos[1]
Pareja
Tom Cruise (1990-2001)
Keith Urban (2006-)
Hijo/s
Issabella Jane
Anthony Connor
Sunday Rose.



Nicole Mary Kidman (n. 20 de junio de 1967) es una actriz australiana-estadounidense.[2] Es ganadora del Óscar, tres Globo de Oro y un Bafta. Tiene una hermana menor, Antonia Kidman, que también es actriz. En 2006, se convirtió en la actriz mejor pagada de la industria cinematográfica.[3]
Después de hacer varias apariciones en cine y televisión, Kidman obtuvo su papel que la precipitó a la fama en el thriller de 1989 Calma total. Sus actuaciones en varias películas, tales como Todo por un sueño (1995), Moulin Rouge! (2001), y Las horas (2002), han recibido alabanzas por parte de la crítica. En 2003, Kidman recibió su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en Hollywood, California. Kidman es también embajadora de buena voluntad de Fondo de las Naciones Unidas para las Mujeres (UNIFEM) y UNICEF, y cantante. En 21 de octubre de 2009 la actriz pidió una respuesta integral a la violencia que padecen las mujeres ante el Congreso de los Estados Unidos.[4]
En 2006, Kidman recibió el honor civil más importante de Australia, siendo condecorada con la Orden de Australia.[5]
Contenido

• 1 Biografía
• 2 Vida privada
• 3 Filmografía
• 4 Premios
o 4.1 Premios Oscar
o 4.2 Globos de Oro
o 4.3 Premios BAFTA
o 4.4 Premios del Sindicato de Actores
o 4.5 Premios Goya
o 4.6 Satellite Awards[13]
o 4.7 Golden Raspberry
o 4.8 Premio Oso de Plata
o 4.9 Premio Empire
o 4.10 Festival de Cannes
o 4.11 MTV Movie Awards
o 4.12 Premios Bodil
o 4.13 Premios Saturn
o 4.14 Australian Film Institute Awards
o 4.15 Premios Gotham
o 4.16 Teen Choice Awards
o 4.17 Russian Guild of Film Critics Golden Aries Awards
o 4.18 London Film Critics Circle Awards
o 4.19 Broadcast Film Critics Association Awards
o 4.20 Las Vegas Film Critics Society Awards
o 4.21 Kansas City Film Critics Circle Award
• 5 Embajadora de Buena Voluntad de UNIFEM
• 6 Referencias
• 7 Enlaces externos
Biografía
Nació en Honolulu, Hawái. Hasta los cuatro años vivió en Estados Unidos, cuando su familia se trasladó a Australia. Su padre Anthony Kidman, un bioquímico, investigaba sobre el cáncer de mama en la ciudad de Washington y era al mismo tiempo profesor universitario en Sídney, Australia.
Kidman había comenzado a tomar clases de ballet a la edad de tres años y en Australia ingresó en una escuela de teatro para jóvenes. Su padre se preocupaba de que ella y su hermana menor tuviesen una buena condición física, por lo que les hacía realizar cada mañana ejercicios de gimnasia.
A los 16 años (en 1983) Kidman inició su carrera de actriz cuando intervino en una película ambientada en Navidad, Bush Christmas, que sigue proyectándose frecuentemente en la época navideña. Al enfermar su madre de cáncer de mama, Nicole Kidman abandonó sus estudios escolares, pero una vez que su madre se recuperó, reanudó su carrera de actriz. A lo largo de los años ochenta apareció en numerosas películas y series de televisión australianas.
En 1988 se dio a conocer en Europa y en Estados Unidos con la película Calma total, rodada todavía en Australia, y co-protagonizada por el actor Sam Neill, también australiano y con su siguiente película, ya estadounidense, Días de trueno, en la que interpretó un papel junto a Tom Cruise. Al año siguiente se casó con Tom Cruise en la noche de Navidad, en un lugar de las Montañas Rocosas, en el estado de Colorado. Inicialmente la boda se mantuvo en secreto. La pareja adoptó dos hijos, Isabella Jane y Anthony Connor, y vivió entre Los Ángeles, Nueva York y Colorado.
Kidman había alcanzado ya fama, y demostró sus dotes de interpretación y su elegancia en las siguientes películas, en las que actuó con actores tan populares como Bruce Willis y Dustin Hoffman. En 1998 protagonizó junto con Sandra Bullock la cinta Prácticamente magia, basada en la novela de Alice Hoffman. En 1999 hizo junto con su marido Eyes Wide Shut (Ojos bien cerrados), la que sería la última película del director Stanley Kubrick, y que tuvo una gran resonancia.
Unos años después, en 2001, Nicole Kidman se divorció de Tom Cruise de manera amistosa. Según algunas fuentes la razón principal fue que Cruise insistió en educar a sus hijos según las creencias de la Cienciología (creada por Ron Hubbard), mientras que Kidman quería que fuesen educados según la tradición católica. También en 2001 participó a dúo con el cantante británico Robbie Williams en cover de la cancíón Something Stupid de Frank Sinatra. La canción tuvo un enorme éxito en Europa siendo nº1 en varios países.
El mayor reconocimiento profesional hasta entonces lo obtuvo Kidman en 2002, cuando fue nominada al Óscar como mejor actriz principal por su papel en Moulin Rouge!. Con la película de suspense Los otros, dirigida por el director español Alejandro Amenábar, rodada en ese mismo año, también cosechó un éxito importante. Tuvo que renunciar a intervenir en la película La habitación del pánico debido a una lesión en la rodilla contraída durante el rodaje de Moulin Rouge, pero en el año 2002 ganó el Óscar como mejor actriz principal por su interpretación del personaje de la escritora Virginia Woolf en Las horas (The Hours).
Vida privada
El 25 de junio de 2006 contrae matrimonio con el cantante de música country, Keith Urban.
El 8 de enero de 2008 comunica a la prensa que espera su primer hijo biológico para el próximo mes de julio. El día 7 de julio de 2008, en Nashville, da a luz a una niña, Sunday Rose Kidman-Urban.
Es gran amiga del actor Hugh Jackman, de las actrices Naomi Watts[6] y Deborra-Lee Furness[7] y del director Baz Luhrmann.[8]
También es amiga de los actores Ewan McGregor,[9] Adrien Brody,[10] Sarah Jessica Parker y Renée Zellweger.[11]
Antes del rodaje de "Dogville", Nicole Kidman quedó fascinada con "Bailando en la oscuridad" y tras comentar en diversas entrevistas que le encantaría trabajar con Lars Von Trier, éste se enteró y se puso en contacto con ella, para protagonizar su película.
Es conversa al catolicismo.[12]
Filmografía
• Monte Carlo (2011)
• Just Go With It (2011)
• The Rabbit Hole (2010)
• The Danish Girl (2010)
• Nine (2009)
• Australia (2008)
• La brújula dorada (2007)
• Margot y la boda (2007)
• Invasión (2007)
• Retrato de una obsesión (2006)
• Happy Feet (2006)
• Embrujada (2005)
• La intérprete (The interpreter) (2005)
• Las mujeres perfectas (The Stepford Wives) (2004)
• Reencarnación (Birth) (2004)
• Dogville (2003)
• La mancha humana (The human Stain) (2003)
• Cold Mountain (2003)
• Las horas (The Hours) (2002)
• Oscura seducción (Birthday Girl) (2001)
• Los otros (The Others) (2001)
• Moulin Rouge! (2001)
• Eyes Wide Shut (1999)
• Prácticamente magia (Practical Magic) (1998)
• El pacificador (The Peacemaker) (1997)
• Retrato de una dama (The Portrait of a Lady) (1996)
• The Leading Man (1996)
• Todo por un sueño (To Die For) (1995)
• Batman Forever (1995)
• Mi vida (My life)(1993)
• Malicia (Malice)(1993)
• Un horizonte muy lejano (Far and Away) (1992)
• Billy Bathgate (1991)
• Flirting (1991)
• Días de trueno (Days Of Thunder) (1990)
• Calma total (Dead Calm) (1988)
• Emerald City (1988)
• The Bit Part (1987)
• Watch the Shadows (1986)
• Windrider (1986)
• Archer's Adventure (1985)
• Wills & Burke (1985)
• Los bicivoladores (BMX Bandits) (1983)
• Bush Christmas (1983)
Premios
Premios Oscar
Año
Categoría
Película
Resultado
2002
Mejor actriz
Las horas
Ganadora
2001
Mejor actriz
Moulin Rouge!
Nominada
Globos de Oro
Año
Categoría
Película
Resultado
2004
Mejor actriz - Drama
Birth
Nominada
2003
Mejor actriz - Drama
Cold Mountain
Nominada
2002
Mejor actriz - Drama
Las horas
Ganadora
2001
Mejor actriz - Drama
Los otros
Nominada
2001
Mejor actriz - Comedia o musical
Moulin Rouge!
Ganadora
1995
Mejor actriz - Comedia o musical
Todo por un sueño
Ganadora
1991
Mejor actriz de reparto
Billy Bathgate
Nominada
Premios BAFTA
Año
Categoría
Película
Resultado
2002
Mejor actriz
Las horas
Ganadora
2001
Mejor actriz
Los otros
Nominada
1995
Mejor actriz
Todo por un sueño
Nominada
Premios del Sindicato de Actores
Año
Categoría
Película
Resultado
2009
Mejor reparto
Nine
Candidata
2002
Mejor reparto
Las horas
Candidata
2002
Mejor actriz
Las horas
Candidata
2001
Mejor reparto
Moulin Rouge!
Candidata
Premios Goya
Año
Categoría
Película
Resultado
2001
Mejor interpretación femenina protagonista
Los otros
Nominada
Satellite Awards[13]
Año
Categoría
Película
Resultado
1999
Mejor Actriz - Drama
Eyes Wide Shut
Candidata
2001
Mejor Actriz - Drama
Los Otros
Candidata
2001
Mejor Actriz - Comedia/Musical
Moulin Rouge!
Ganadora
2002
Mejor Actriz - Drama
Las Horas
Candidata
2007
Mejor Actriz - Comedia/Musical
Margot y la boda
Candidata
2009
Mejor Reparto
NINE
Ganadora
Golden Raspberry
Año
Categoría
Película
Resultado
2005
Peor pareja fílmica (con Will Ferrell)
Bewitched
Ganadora
Premio Oso de Plata
Año
Categoría
Película
Resultado
2003
Mejor Actriz
Las Horas
Ganadora
Premio Empire
Año
Categoría
Película
Resultado
1995
Mejor Actriz
Todo Por Un Sueño
Ganadora
2001
Mejor Actriz
Moulin Rouge
Ganadora
2003
Mejor Actriz
Cold Mountain
Candidata
Festival de Cannes
Año
Categoría
Película
Resultado
2003
Mejor Actriz
Dogville
Candidata
MTV Movie Awards
Año
Categoría
Película
Resultado
2001
Mejor Interpretacion Femenina
Moulin Rouge
Ganadora
2001
Mejor Secuencia Musical
Moulin Rouge
Ganadora

Premios Bodil
Año
Categoría
Película
Resultado
2003
Mejor Actriz
Dogville
Ganadora
Premios Saturn
Año
Categoría
Película
Resultado
1989
Mejor actriz
Calma Total
Nominada
1995
Mejor actriz
Todo Por Un Sueño
Nominada
2001
Mejor actriz
Los Otros
Ganadora
2004
Mejor actriz
Birth
Nominada

Australian Film Institute Awards
Año
Categoría
Película
Resultado
1987
Mejor actriz - Miniserie o telefilme
Vietman
Ganadora
1988
Mejor actriz de Raparto - Miniserie o telefilme
Emeral City
Nominada
1989
Mejor Actriz de TV
Bangkok Hilton
Nominada
2001
Mejor Actriz
Moulin Rouge!
Nominada
2007
Mejor Actriz
La Brujula Dorada
Nominada
Premios Gotham
Año
Categoría
Película
Resultado
2007
Mejor Reparto
Margot y la boda
Nominada

Teen Choice Awards
Año
Categoría
Película
Resultado
2008
Mejor actriz
Australia
Nominada

Russian Guild of Film Critics Golden Aries Awards
Año
Categoría
Película
Resultado
2003
Mejor actriz Extranjera
Dogville
Ganadora
London Film Critics Circle Awards
Año
Categoría
Película
Resultado
2001
Mejor actriz
Moulin Rouge
Ganadora
2003
Mejor actriz
Cold Mountain
Candidata
2004
Mejor actriz
Birth
Nominada
Broadcast Film Critics Association Awards
Año
Categoría
Película
Resultado
1995
Mejor actriz
Todo Por Un Sueño
Ganadora
2001
Mejor actriz
Moulin Rouge
Nominada
2002
Mejor actriz
Las Horas
Nominada
2003
Mejor actriz
Cold Mountain
Nominada
2009
Mejor Reparto
NINE
Nominada
Las Vegas Film Critics Society Awards
Año
Categoría
Película
Resultado
2003
Mejor actriz
Cold Mountain
Nominada
2002
Mejor actriz
Las Horas
Ganadora

Kansas City Film Critics Circle Award
Año
Categoría
Película
Resultado
2002
Mejor actriz
Las Horas
Ganadora
Embajadora de Buena Voluntad de UNIFEM
El mes de enero del 2006, Nicole Kidman fue nombrada embajadora de buena voluntad del Fondo de las Naciones Unidas para las Mujeres (UNIFEM). En este organismo de las Naciones Unidas, Nicole Kidman trabaja para dar a conocer la situación en la que viven muchas mujeres en el mundo y, sobre todo, denunciar todos los tipos de violencia que padecen las mujeres.
Nicole Kidman realizó un viaje a Bosnia en octubre del 2006 para conocer de primera mano los proyectos de UNIFEM en la zona.
Referencias
1. ↑ IMBD. «Nicole Kidman».
2. ↑ «Nicole Kidman: 'Back to my core', 'Birthday Girl' is 'about the "unlikeness" of two people'». CNN. 18 de enero de 2002. http://archives.cnn.com/2002/SHOWBIZ/Movies/01/18/sun.kidman.intv/. Consultado el 3-7-2008.
3. ↑ msnbc (30 de noviembre de 2006). «Nicole Kidman highest paid female actor in film industry.».
4. ↑ La lucha de Nicole Kidman en el Congreso de EEUU
5. ↑ Stafford, Annabel: Kidman and the Kennedys honoured for their service, The Age, 14 de abril de 2007.
6. ↑ Celebrity Best Friends - Nicole Kidmand & Naomi Watts
7. ↑ Hugh Jackman Deborra-Lee Furness is good friends with Nicole
8. ↑ Luhrmann's inventive career
9. ↑ Nicole Kidman and Ewan McGregor share a joke
10. ↑ Nicole Kidman
11. ↑ Nicole Kidman Good Friends
12. ↑ Cf. Peraire Ferrer, Jacinto - Martínez Puche, José Antonio, Edith Stein y convertidos de los siglos XX y XXI, Madrid, Edibesa, 2009 (col. "El camino de Damasco, 7), pp. 304-310.
13. ↑ Satellite Awards
Enlaces externos
• Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Nicole Kidman.Commons
• Nicole Kidman en Cinearchivo.com (español)
• Ficha y filmografía de Nicole Kidman
• Nicole es mágica (en inglés)
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Nicole_Kidman"

Fotografiando a celebrities

Mark Liddell

Mark Liddell jamaicano de nacimiento, es uno de los fotógrafos más buscados por músicos, supermodelos y medios de comunicación en Hollywood. Liddell comenzó a retratar moda y digo retratando, porque la fotografía es una cosa, pero el retrato es un concepto que requiere de un alto estándar en términos de arte y eso es lo que él logra en sus imagenes. Su estilo reúne lo que él considera cuatro elementos esenciales: la fuerza, la sensualidad, la seducción y el soul.
Gracias a una exposición de la Fundación de la Princesa de Gales se convirtió en el fotógrafo más buscado por actrices y supermodelos.
Sobre su apasionante trabajo Liddell opina “He visto la mejor y la peor cara de las grandes celebridades. Los he visto vulnerables, derramando lágrimas de verdad. He tenido que convertirme en un terapeuta y el mejor amigo por un día . Las celebridades confían en mí, y yo aprendí rápidamente que esta confianza es el elemento más importante para una sesión exitosa “.
Exposed: 10 Years In Hollywood es un libro muy interesante, por un lado, las imágenes son realmente una obra de arte. Puedes fácilmente comprender por qué Mark Liddell se ha convertido en uno de los más buscados fotógrafos de Hollywood.
Uno de los apartados que más me gusto en el libro fue el photoshoot de Avril Lavigne y la muñeca, Mark Liddell explica cómo surgió la idea de Avril y cómo la llevaron a cabo.



Las imágenes están impresas en papel brillante de espesor grueso. La calidad de impresión es alta y las dimensiones son de 11 por 13 pulgadas.
Gracias a su alto nivel, Mark Liddell se da el lujo de seleccionar a las celebridades con las que va a trabajar. Él no es muy técnico, pero si trabaja para hacer que el mundo interior de los retratados aflore.
Otro plus del libro y que le da más valor al proyecto editorial, es que el artista no lucra con esta joya: sus ganancias serán donadas a dos grandes proyectos; uno que se encarga de la prevención de suicidios en personas homosexuales, bisexuales y transgénero y al Proyecto Trevor que ayuda a mujeres víctimas de abuso doméstico.
Definitivamente este libro recoge grandes momentos irrepetibles de celebridades como Beyonce, Charlize Theron, Cindy Crawford, Heath Ledger, John travolta, Kate Moss, Keira Knightley, Nicole Kidman y Monica Bellucci. Liddell es uno de los fotógrafos de mayor renombre internacional y prestigio en el mundo editorial.
http://foco.me/%E2%80%9Cexposed-10-years-in-hollywood%E2%80%9D-de-mark-liddell/
Libro:
“Exposed: 10 Years In Hollywood” de Mark Liddell

La forma sigue a la funcion by W.G.

Walter Gropius

Walter Adolph Georg Gropius


Información personal
Nacimiento
18 de mayo de 1883
Berlín, Imperio alemán
Defunción
5 de julio de 1969 , 86 años
Boston, Estados Unidos
Carrera profesional
Estudio
TAC
Obras representativasDesplegar
Premios
Medalla de Oro del RIBA
Walter Adolph Georg Gropius ( * 18 de mayo de 1883 - 5 de julio de 1969) fue un arquitecto, urbanista y diseñador alemán.
Contenido

• 1 Vida
• 2 La "Das Staatliches Bauhaus"La Bauhaus
• 3 Obra
• 4 Obras representativas
• 5 Enlaces externos
Vida
Walter Gropius nació en Berlín, hijo y nieto de arquitectos. Estudió arquitectura en Múnich y en Berlín. Después de sus estudios trabajó durante tres años en el despacho de Peter Behrens y a continuación se independizó. Entre 1910 y 1915 (año de su matrimonio con Alma Mahler) se dedicó principalmente a la reforma y ampliación de la fábrica de Fagus en Alfeld. Con sus estructuras metálicas finas, sus grandes superficies acristaladas, sus cubiertas planas, y sus formas ortogonales, esta obra se convirtió en pionera de la arquitectura moderna.
Gropius fue el fundador de la famosa escuela de diseño Escuela de la Bauhaus, en la que se enseñaba a los estudiantes a utilizar materiales modernos e innovadores para crear edificios, muebles y objetos originales y funcionales. Ocupó el cargo de esta escuela, primero de Weimar y luego en Dessau, desde 1919 hasta 1928.
A partir de 1926 ,Gropius se dedicó intensamente a los grandes bloques de viviendas, en los que veía la solución a los problemas urbanísticos y sociales. También abogó en favor de la racionalización de la industria de la construcción, para permitir construir de forma más rápida y económica. Diseñó numerosos complejos de viviendas, en los que aplicó sus ideas.
La "Das Staatliches Bauhaus"La Bauhaus
Walter Gropius, en Weimar (Alemania). Funda en 1919 una escuela de diseño, arte y arquitectura.
Antes de la primera guerra mundial, Gropius ya formaba parte de un movimiento de renovación estética, representado por la Deutscher Werkbund, que pretendía unir el arte con el diseño industrial.
Al finalizar la guerra, Gropius en su papel de director de la Sächsischen Kunstgewerbeschule (Escuela de Artes y Oficios) y de la Sächsischen Hochschule für bildene Kunst (Escuela Superior de Bellas Artes), decide fusionarlas en una sola Escuela que combinara los objetivos académicos de cada una y a la cual se le agregaría una sección de arquitectura.
Walter Gropius llamó a la nueva escuela "Das Staatliches Bauhaus".
El mismo edificio construido para la escuela manifiesta, los valores más representativos de La Bauhaus.
Uno de los principios establecidos por La Bauhaus desde su fundación: " La forma sigue a la función"
La construcción completa es el objetivo de todas las artes visuales. Antes, la función más noble de las bellas artes era embellecer los edificios, constituían componentes indispensables de la gran arquitectura. Hoy las artes existen aisladas… Los arquitectos, los pintores y escultores deben estudiar de nuevo el carácter compositivo del edificio como una entidad… El artista es un artesano enaltecido.
Obra
En 1934 Gropius se exilió de Alemania al sufrir agresiones de los Nazis a su trabajo y a la escuela Bauhaus. Vivió y trabajó tres años en Inglaterra y después se trasladó a los Estados Unidos, donde fue profesor de arquitectura en la escuela de diseño de Harvard. En 1946 fundó un grupo de jóvenes arquitectos, que se denominó The Architects Collaborative, Inc., más conocido como TAC. Durante varios años se ocupó personalmente de dirigir y formar el grupo.
Los edificios de Gropius reflejan el más puro estilo de la Bauhaus, ya que están construidos con materiales nuevos, que les confieren un aspecto moderno, desconocido en aquella época. Sus fachadas son lisas y de líneas claras, y carecen de elementos ornamentales innecesarios. Con ello, Gropius ha sido uno de los creadores del llamado "estilo internacional" en la arquitectura.
Gropius murió en Boston a los 86 años de edad.
Obras representativas


Edificio de la Bauhaus, Dessau.
• Fábrica de porcelana Rosenthal (Selb, Alemania)
• Ciudad Gropius (Berlín)
• Torre PanAm (Nueva York)
• Universidad de Bagdad (Bagdad)
• Edificios Packaged House System (Lincoln, Massachusetts)
• Fábrica de zapatos Fagus (Alfeld an der Leine, Alemania)
También trabajo en los siguientes poryectos: 1911-1925 Fábrica Fagus, Alfeld an der Leine, Alemania.
1914 Edificios de oficinas y fábricas en el Werkbund, Colonia, Alemania.
1920-1921 Casa Sommerfeld, Berlín, Alemania
1920-1922 Monumento Memoria Víctimas Golpe Estado de Kapp, Weimar, Alemania.
1922 Proyecto Chicago Tribune Tower, Chicago, EE. UU.
1924 Casa Auerbach, Jena, Alemania.
1925-1926 Edificio de la Bauhaus, Dessau, Alemania.
1925-1926 Casas de los maestros de la Bauhaus, Dessau, Alemania.
1926-1928 Colonia Törten, Dessau, Alemania.
1927 Proyecto Teatro total.
1927-1929 Oficina de empleo, Dessau, Alemania.
1928-1929 Colonia Dammerstock, Karlsruhe, Alemania.
1929-1930 Colonia Siemensstadt, Berlín, Alemania.
1934 Sección de metales no férreos Exposición "Deutsches Volk - Deutsche Arbeit", Berlín, Alemania.
1935-1936 Casa Ben Levy, Londres, Reino Unido.
1938 Casa Gropius, Lincoln, EE. UU.
1948-1950 Graduate Center de la Universidad de Harvard, Cambridge, EE. UU.
1955-1957 Bloque de viviendas en la Interbau, Berlín, Alemania.
1958-1963 Pan Am Airways Building (Met Life Building), Nueva York, EE. UU.
1967-1970 Fábrica de vidrio Thomas, Amberg, Alemania.
1976-1979 Archivos de la Bauhaus, Berlín, Alemania.
Sacado de www.soloarquitectura.com
Enlaces externos
• Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Walter Gropius. Wikiquote
• Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Walter Gropius.Commons
• Biografía de Walter Gropius
• Biografía y proyectos

Cuando el talento es maldito

La expresión tan repandida “poetas malditos” tiene su origen en un libro de Paul Verlaine llamado “Les poetes maudits”, publicado en 1888. El escritor francés escribe ese texto como una suerte de homenaje a su amigo poeta y amante Arthur Rimbaud y en él evoca y elogia a toda una serie de poetas contemporáneos como Tristan Corbiere o Stéphane Mallarmé, realizando una verdadera galería de la poesía francesa de fin de siglo. De más está decir que el libro de Verlaine le sirvió a muchos de esos poetas hasta ahora desconocidos a afirmarse en el terreno literario galo.
El uso de la expresión “poetas malditos”, ante la influencia de la obra de Verlaine, se extendió a todos los dominios nacionales y pasó a designar así a todo aquel escritor talentoso, poco importase su nacionalidad, que presentase un dejo de incomprensión social y una cierta tendencia provocante (léase autodestructiva por el consumo de drogas o alcohol) y cuyos textos, dado su alto nivel de codificación poética, fuesen de oscuros significados.
Podríamos agregar, casi como una extraña coincidencia, que la mayoría de estos poetas padecieron una muerte abrupta y prematura, antes de que su herencia literaria fuese ampliamente reconocida: Arthur Rimbaud, ya es bien sabido, escribió todo lo que tenía que escribir hasta la edad de 21 años para luego partir a Africa y morir a los 37 años;Tristan Corbière muere en 1875 a la temprana edad de 29 años, luego de una vida de soledad y enfermad; Baudelaire muere a los 46 años luego de ser perseguido durante 10 años por “ofensa a la moral religiosa y a las buenas costumbres” luego de la publicación de su obra maestra “Las flores del mal“; Edgan Allan Poe fallece a los 40 años bajo circunstancias oscuras -aparentemente lo habrían emborrachado y drogado. Y la lista podría seguir extendiéndose.


El adjetivo maldito tendría entonces que ver con una temprana actitud de oposición frente a la sociedad, una vida complicada y una difícil interpretación poética. A partir de ésto podemos decir que la noción de “poeta maldito” se focaliza en el concepto de incomprensión: incomprensión social e incomprensión literaria.
La idea de incomprensión lleva consigo toda la estética del movimiento romántico de principios del S XIX que veía en la personalidad del artista a un genio incomprendido. Según Baudelaire, el genio (cuando digo genio lo utilizo en su concepción romántica, es decir como sinónimo de artista) es un reloj que adelanta. La hora del artista va delante de la hora del resto de los mortales. Esta definición implica que el genio está siempre adelantado a su época y que, a causa de ese adelantamiento, no puede ser entendido. Pero “entendido” en el sentido más amplio del vocablo francés “entendu“: comprendido y oído. Desde el punto de vista etimológico, el verbo entendre tiene una particular evolución desde el latín hasta el francés contemporáneo. Entendre comparte su origen con el “entender” español, ambos vienen del latín intendere, “tender algo hacia algún lado”. Pero, como toda lengua es metafórica, pasó a significar primero, en el sentido figurado, “tender, dirigir su mirada o su mente hacia” y más tarde “prestar atención, escuchar, comprender”. En el francés antiguo se podía utilizar bajo tres acepciones:
En el área lingüística de la audición: “tender la oreja”, lo que implicaba una actitud activa del sujeto (sinónimo de “interesarse por” o “prestar atención”) o “recibir por medio de la oreja”, lo que significaba una posición pasiva (sinónimo de “oir”);
En el área del intelecto: “comprender”;
En el área de la voluntad: “tener la intención de” (recordemos la raiz latina “tendere”, “tender”, y su cercanía lingüística con la idea de “tensión” y entonces con “in-tención”- en francés “intention”);
Hoy en día en Francia entendre es utilizado ampliamente como sinónimo de “oir” (ouïr en francés). Todas sus otras acepciones han perdido una buena parte de su uso.
Sin embargo, la pluralidad semántica del verbo francés entendre nos ayuda a comprender mejor la idea de Baudelaire. El poeta maldito no puede ser ni comprendido (el verbo entendre tomado según su acepción intelectual) ni escuchado (entendre en el sentido contemporáneo que le otorga el habla francesa). Esta incomprensión total es la base de la superioridad del artista (su reloj adelanta).
Pero al mismo tiempo, e irónicamente, esta incomprensión de la genialidad del artista es lo que justificó (sigue justificando dirán algunos) todo el trabajo del crítico literario. Esto significa lo siguiente: como el artista adelanta y como ese adelantamiento vuelve difícil su comprensión pública, el rol del crítico sería el de intentar acercar la obra del genio al simple lector mediante la interpretación acertada de la potencia estética de la obra del escritor maldito. El trabajo del crítico consistiría en develar, descubrir, la significación oculta en los oscuros e incomprendidos versos del poeta. Su labor sería entonces la de un relojero que busca poner en hora al reloj del público.
Ahora bien, al principio de este texto afirmé, al pasar, que los poetas malditos se estaban extinguiendo. Antes de que alguno ponga el grito en el cielo explicaré a lo que me refiero: lo que está desapareciendo es la visión del artista como genio cuyo reloj adelanta. Ahora, con la evolución de los sistemas de comunicación y el aumento de la velocidad en la producción-recepción de los mensajes, la hora del público está tendiendo a acercarse a la hora del artista. La producción y la recepción se producen casi simultáneamente y, cada vez más, las esferas cambian de lugar: el receptor se vuelve productor y viceversa. Las producciones literarias interactivas y on line se dirigen hacia una participación activa del lector, que en un abrir y cerrar de ojos se vuelve escritor, proponiendo sus textos y corrigiendo los textos de otros. De esta manera el escritor y el lector comparten ya el mismo tiempo, el mismo horario: el tiempo real.

http://www.leergratis.com/literatura/poetas-malditos.html

Simbolos, arte y espiritualidad

Simbolismo



La mort du fossoyeur ("La muerte del sepulturero") de Carlos Schwabe forma un compendio visual de los principales temas del simbolismo. Muerte, ángeles, nieve y las dramáticas poses de los personajes.
El Simbolismo fue uno de los movimientos artísticos más importantes de finales del siglo XIX, originado en Francia y en Bélgica. En un manifiesto literario, publicado en 1886, Jean Moréas definió este nuevo estilo como «enemigo de la enseñanza, la declamación, la falsa sensibilidad y la descripción objetiva». El movimiento tiene sus orígenes en Las flores del mal, libro emblema de Charles Baudelaire. Los escritos de Edgar Allan Poe, a quien Baudelaire apreciaba en gran medida, fueron también un gran influyente en el movimiento, concediéndole la mayoría imágenes y figuras literarias que utilizaría. La estética del Simbolismo fue desarrollada por Stéphane Mallarmé y Paul Verlaine en la década de 1870. Ya para 1880, el movimiento había atraído toda una generación de jóvenes escritores cansados de los movimientos realistas. Fue definido en su momento como un movimiento oscuro y enigmático debido al uso exagerado de metáforas que buscaban evocar afinidades ocultas por medio de la sinestesia.

Contenido
• 1 Evolución
o 1.1 Orígenes y precursores
o 1.2 La llegada de los poetas malditos
• 2 Movimiento
o 2.1 Definición y estilo
o 2.2 El manifiesto simbolista
o 2.3 Simbolismo literario hispano
• 3 El simbolismo en otras artes
o 3.1 La escultura simbolista
o 3.2 Pintura simbolista
o 3.3 Simbolismo pictórico
 3.3.1 Los representantes
 3.3.2 La escuela de Pont-Aven
 3.3.3 Los nabis
• 4 Referencias
• 5 Enlaces externos

Evolución
Orígenes y precursores


Le Coin de table, retrato colectivo pintado por Henri Fantin-Latour (1872, Museo de Orsay). Paul Verlaine‎ y Arthur Rimbaud sentados a la izquierda.
El Simbolismo fue en sus comienzos la reacción literaria en contra del Naturalismo y Realismo, movimientos anti-idealísticos que exaltaban la realidad cotidiana y la ubicaban por encima del ideal. Estos movimientos provocaron un fuerte rechazo en la juventud parisina, llevándolos a exaltar la espiritualidad, la imaginación y los sueños. El primer escritor en reaccionar fue el poeta francés Charles Baudelaire, hoy considerado padre de la lírica moderna y punto de partida de movimientos como el Parnasianismo, Decadentismo, Modernismo y el Simbolismo. Sus obras, entre las que destacan Las flores del mal, Los pequeños poemas en prosa y Los paraísos artificiales, fueron tan renovadoras, que incluso algunas de ellas fueron prohibidas por considerarse oscuras e inmorales retratando sin tapujos el uso de drogas, sexualidad y satanismo. El primer movimiento descendiente de esta ideología sería el Parnasianismo.
La separación entre simbolistas y parnasianos se provocó al no compartir los primeros el apoyo al verso perfecto de los parnasianos. El Simbolismo se fue dirigiendo más bien al hermetismo, permitiendo versificacion libre, y desdeñando la claridad y objetividad del Parnasianismo. Aunque sin embargo varias características parnasianas fueron acogidas, como su gusto por los juegos de palabras, la musicalidad en los versos y, más que nada, el lema de Théophile Gautier del arte por el arte. Los movimientos quedaron completamente separados cuando Arthur Rimbaud se mofó del estilo perfeccionista parnasiano, publicando varias parodias sobre el modo de escribir de sus más prominentes figuras.[cita requerida]
La llegada de los poetas malditos
Otros dos precursores del simbolismo fueron los franceses Arthur Rimbaud y Paul Verlaine. Estos dos poetas, que para esa época tenían una azarosa relación amorosa, fueron decisivos para el arranque del movimiento. Rimbaud, que contaba con 17 años, fue el más influyente, al buscar lo que llamó su alquimia del verbo en la cual trataba de convertirse en vidente por medio del desarreglo de todos los sentidos. Con este pretexto pasó a sumirse, junto a Verlaine, en toda una ola de excesos. Vagabundeaba día y noche por las calles de París para luego presentarse en las reuniones literarias con la ropa sucia o en estado etílico, hechos que rápidamente le dieron mala fama y el sobrenombre de enfant terrible. Sus obras más representativas y únicas fueron Una temporada en el infierno e Iluminaciones.
En cuanto a Verlaine, su libro de crítica literaria Los poetas malditos se covirtió en el más influyente escrito dentro del Simbolismo hasta esa época, mostrando la verdadera esencia del movimiento. En él se exponían ensayos sobre Tristan Corbière, Arthur Rimbaud, Stéphane Mallarmé, Marceline Desbordes-Valmore, Villiers de L'Isle-Adam, y "Pobre Lelian" (anagrama del propio Verlaine); poetas a los cuales Verlaine bautizó como malditos.
Verlaine expuso que dentro de su individual y única forma, el genio de cada uno de ellos había sido también su maldición, alejándolos del resto de personas y permitiéndoles de esta forma acoger el hermetismo y la idiosincrasia como formas de escritura. También fueron retratados como desiguales respecto a la sociedad, teniendo vidas trágicas y entregados con frecuencia a tendencias autodestructivas; todo esto como consecuencia de sus dones literarios. El concepto de Verlaine del poeta maldito fue en parte tomado del poema de Baudelaire llamado Bendición, que inicia su libro Las flores del mal.
Después de esto, Paul Verlaine se convertió rápidamente en el líder del decadentismo y Stéphane Mallarmé (1842–1898) pasó a ser la figura más representativa del simbolismo, en especial después de publicar su libro Una tirada de dados jamás abolirá el azar, creando un lenguaje hermético cercano al antiguo culteranismo español y a la sintaxis del inglés y reuniendo semana a semana a decenas de escritores en su casa.
Movimiento
Definición y estilo


El pecado por Franz Stuck
La poesía simbolista busca vestir a la idea de una forma sensible, posee intenciones metafísicas, además intenta utilizar el lenguaje literario como instrumento cognoscitivo, por lo cual se encuentra impregnada de misterio y misticismo. En cuanto al estilo, basaban sus esfuerzos en encontrar una musicalidad perfecta en sus rimas, dejando a un segundo plano la belleza del verso. Intentaban encontrar lo que Charles Baudelaire denominó la teoría de las «correspondencias», las secretas afinidades entre el mundo sensible y el mundo espiritual. Para ello utilizaban determinados mecanismos estéticos, como la sinestesia.
El manifiesto simbolista
Los simbolistas creían que el arte debía apuntar a capturar las verdades más absolutas, las cuales sólo podían ser obtenidas por métodos indirectos y ambiguos. De esta forma, escribieron con un estilo altamente metafórico y sugestivo. El manifiesto simbolista, publicado por Jean Moréas, definía al Simbolismo como enemigo de la enseñanza, la declamación, la falsa sensibilidad, la descripción objetiva y señalaba que su objetivo no está en sí mismo, sino en expresar el Ideal:
"Ainsi, dans cet art, les tableaux de la nature, les actions des humains, tous les phénomènes concrets ne sauraient se manifester eux-mêmes ; ce sont là des apparences sensibles destinées à représenter leurs affinités ésotériques avec des Idées primordiales."
(En este arte, las escenas de la naturaleza, las acciones de los seres humanos y todo el resto de fenómenos existentes no serán nombrados para expresarse a sí mismos; serán más bien plataformas sensibles destinadas a mostrar sus afinidades esotéricas con los Ideales primordiales. )
Simbolismo literario hispano
El simbolismo literario hispano, con algunos importantes antecedentes peninsulares como Gustavo Adolfo Bécquer y Salvador Rueda, se subsumió en un movimiento más general conocido como Modernismo, que empezó en Hispanoamérica. Se encuentra Simbolismo ya en los cubanos Julián del Casal y José Martí, en el colombiano José Asunción Silva, en el mexicano Manuel Gutiérrez Nájera y otros autores posrománticos americanos como el argentino Leopoldo Lugones,el uruguayo Julio Herrera y Reissig, José Antonio Ramos Sucre, Ricardo Jaimes Freyre, Amado Nervo, Salvador Díaz Mirón, Guillermo Valencia, o el peruano, José María Eguren; Rubén Darío, gran introductor del Modernismo en España, lo asimiló y difundió. En España lo cultivaron Antonio y Manuel Machado, Juan Ramón Jiménez, Francisco Villaespesa y Ramón Pérez de Ayala entre los más importantes.
El simbolismo en otras artes
Paralelamente a la preocupación del impresionismo por la pintura al aire libre contra el academicismo oficial y a los intentos de construcción científica de la pintura por el llamado puntillismo, se desarrolla una nueva concepción sobre la función y objeto de la pintura. Los simbolistas —cuyos precedentes se encuentran en William Blake, los nazarenos y los prerrafaelitas— propugnan una pintura de contenido poético.
El movimiento simbolista reacciona contra los valores del materialismo y del pragmatismo de la sociedad industrial, reivindicando la búsqueda interior y la verdad universal y para ello se sirven de los sueños que gracias a Freud ya no conciben únicamente como imágenes irreales, sino como un medio de expresión de la realidad.
El Simbolismo no pudo desarrollarse mediante un estilo unitario; por eso, se hace muy difícil definirlo de forma general. Es más bien un conglomerado de encuentros pictóricos individuales.
Necesitó desde un principio de un idioma pictórico abstractivo. En consecuencia, los pintores hicieron uso de un vocabulario de formas lineal y ornamental y de una composición del cuadro antinaturalista. Son especialmente estos elementos abstractivos y acentuados en la linealidad, así como las relaciones composicionales inmanentes al cuadro, los que hacen del Simbolismo el precursor del tan cercano Modernismo. En Gustave Moreau existe una visión particular sobre la belleza, el amor y la muerte. Pierre Puvis de Chavannes parece perpetuar la claridad y el rigor compositivo del clasicismo combinado con colores planos y claros. Sus obras parecen vacías de movimiento y de luz. Odilon Redon encamina sus esfuerzos hacia la representación de ideas, de tal manera que su obra se aproxima a lo que más tarde será la estética surrealista.
El Simbolismo es una tendencia que supera nacionalidades, límites cronológicos y estilos personales. Podemos encontrar figuras tan dispares como Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, Gustav Klimt, Edvard Munch, etc. Para complicar más la cuestión, el Simbolismo derivará en una aplicación bella y cotidiana de honda raigambre en el arte europeo de fines del siglo XIX y principios del XX: el Art Nouveau. El Simbolismo pretende restaurar significado al arte, que había quedado desprovisto de éste con la revolución impresionista. Mientras que otros neoimpresionistas se inclinan por ramas científicas o políticas, el Simbolismo se decanta hacia una espiritualidad frecuentemente cercana a posiciones religiosas y místicas. La fantasía, la intimidad, la subjetividad exaltada sustituyen la pretenciosa objetividad de impresionistas y neo-impresionistas. Continúan con la intención romántica de expresar a través del color, y no quedarse solamente en la interpretación. Ahí encontramos el nexo de unión con el resto de neo-impresionistas, puesto que las teorías del color local y los efectos derivados de las yuxtaposiciones de primarios, complementarios, etc., les resultarán muy útiles a la hora de componer sus imágenes, muy emotivas, como en la casi violenta visión de la pasión amorosa que Klimt ofrece en su Dánae.
Los simbolistas encontraron un apoyo paralelo en los escritores: Charles Baudelaire, Jean Moréas, en contra del naturalismo descarnado de Zola. En cuanto a la escultura, Rodin fue el más cercano a sus planteamientos, y pese a todo, íntimamente ligado a los presupuestos del gran escultor impresionista Edgar Degas. Muy cercana a los planteamientos del Simbolismo, en cuyo seno se inscribe, se sitúa la Escuela de Pont-Aven, una de las primeras en definirse como tal. Pont-Aven es una pequeña localidad rural de la Bretaña francesa, a donde se dirigió en 1886 un grupo de pintores neo-impresionistas. El primero de todos fue Émile Bernard, que trataba de recuperar la integridad de lo rústico, de lo arcaico, en una región totalmente ajena a los avances de la vida moderna. Bernard cultivó un estilo muy personal de colores planos, perfectamente delimitados en contornos silueteados.
La escultura simbolista
El Simbolismo posee una estética académica, y se presta más a las realizaciones escultóricas de vanguardia. Junto con Rodin destacan Aristide Maillol (1861–1944), que es el gran maestro de la escultura simbolista. La noche, Isla de Francia, Flores en la pradera, Venus, Flora, El río. También destacan Adolf von Hildebrand, Estatua ecuestre del príncipe regente, Medardo Rosso, Niño enfermo, Cabeza de niño, Emile-Antoine Bourdelle, Hércules arquero.
Pintura simbolista
En el ámbito de la pintura, el simbolismo encuentra exponentes como Gustave Moreau (frances que nace en 1826 y muere en 1898). Sus pinturas más destacadas son "Jupiter y Semele", "Europa y el toro" y "los unicornios". También está el artista Odilon Redon, otro frances que nace en 1840 y fallece en 1915. Como obras importantes, hay que destacar "El carro de Apolo", "Druida" y "viejo alado con larga barba". Hay que destacar también a "Los Nabis", un grupo de tres artistas que son Félix Valloton ( suizo, 1865-1925) (obra: "la pelota"), Pierre Bonnard (frances, 1867-1947) (obra: "Mujeres en el jardín") y Edouard Vuillard (frances 1868-1940) (obras: "jardines publicos" y "los dos escolares") y finalmente con Néstor Martín-Fernández de la Torre desaparece el simbolismo tras su muerte, ya que él lo representaba siempre en todos sus pinturas.
Simbolismo pictórico
Pictóricamente las características más relevantes son las siguientes:
• Color: a veces se utilizaban colores fuertes para resaltar el sentido onírico de lo sobrenatural. Del mismo modo el uso de colores pasteles, por parte de algunos artistas, junto con la difuminación del color, perseguía el mismo objetivo.
• Temática: Pervive un interés por lo subjetivo, lo irracional, al igual que en el romanticismo. No se quedan en la mera apariencia física del objeto sino que a través de él se llega a lo sobrenatural, lo cual va unido a un especial interés por la religión. Los pintores y poetas ya no pretenden plasmar el mundo exterior sino el de sus sueños y fantasías por medio de la alusión del símbolo. La pintura se propone como medio de expresión del estado de ánimo, de las emociones y de las ideas del individuo, a través del símbolo o de la idea.
Una de las novedades más importantes, a nivel temático, es el de la mujer fatal. Surge la unión entre el Eros y el Thanatos y en ello subyace una nueva relación entre sexos.
A la pintura se la define con conceptos como ideista (de ideas), simbolista, sintética, subjetiva y decorativa.
• Técnicas: Lo que une a los artistas es el deseo de crear una pintura no supeditada a la realidad, en oposición al realismo, y en donde cada símbolo tiene una concreción propia en la aportación subjetiva del espectador y del pintor. No hay una lectura única, sino que cada obra puede remitir cosas distintas a cada individuo. Su originalidad, pues, no estriba en la técnica, sino en el contenido.
Los simbolistas españoles estuvieron fuertemente influidos por el arte de los precursores, entre los que destacan Gustave Moreau, Pierre Puvis de Chavannes, Arnold Böcklin, Edward Burne-Jones y Robert Bresdin.
Muchos se decantaron solamente con el auténtico exponente del Simbolismo. Odilon Redon, que cultivó un estilo de colores puros y una temática fantasiosa, buscaba una síntesis entre el sueño y la vida. Sin embargo, ya se habían manifestado estas ideas en el Gauguin de la Escuela de Pont-Aven y en sus seguidores.
Posteriormente, los Nabis, segunda generación simbolista, aspiraron a traducir estas ideas en forma de vida y en activas reformas. Al contrario que el impresionismo, escuela concreta y localizada básicamente en Francia, el Simbolismo fue un gran movimiento que también se extendió a España. Se difundió a partir de 1890, y adoptó diferentes interpretaciones. En Cataluña cabe señalar la obra de Joan Brull, Adrià Gual y del Santiago Rusiñol de mediados de los años de 1890. En el seno del Simbolismo tomó también cuerpo una tendencia que acentuaba ciertos trazos de sus figuraciones, lo que desequilibraba la representación objetivista de las cosas en un sentido fuertemente expresivo.
En Bélgica cabe señalar la obra de Jean Delville, Fernand Khnopff y Degouve de Nuncques, en la línea del culto a lo misterioso. Esta tendencia, que tiene un precursor claro en el belga Félicien Rops, está representada por Jan Toorop, una de las figuras clave, junto a Klimt, del Simbolismo pictórico.
En Italia, por el contrario, el Simbolismo tuvo una fuerte base de minucioso realismo en la obra de Gaetano Previati, Giovanni Segantini y Pellizza da Volpedo.
También en Alemania el arte simbolista se caracterizó por una técnica muy realista, pero con una temática idealista; destaca aquí Ferdinand Hodler (Suizo).
En los países escandinavos se caracteriza por una visión austera y una acusada expresión de la soledad, con artistas como V. Hammershoi, Harald Sohlberg, Thorárinn B. Thorláksson y Magnus Enckell. La excepción sería el fines Akseli Gallen-Kallela, inclinado hacia la mitología.
Cabe señalar la marcada influencia del Simbolismo en movimientos posteriores, como el Art nouveau o el Surrealismo.
Los representantes
• Gustave Moreau (1826–1898): gran dibujante y de gran virtuosismo técnico. Es un narrador de sueños y extrañas visiones. Su fuente de inspiración principal es la mitología.
• Gustav Klimt (1862–1918): sin duda uno de los más importantes representantes del Simbolismo, de cuyas obras se podrían destacar El beso, El friso de Beethoven, Palas Atenea, Judith I, Las tres edades de la mujer, Nuda Veritas y Dánae. La mayoría de sus cuadros están cargados de un sentido lírico-decorativo y retratan a mujeres fatales, jóvenes, pelirrojas y sensuales.
• Odilon Redon (1840–1916) es el más puro de los simbolistas. Representa lo mágico, lo visionario y lo fabuloso. El sueño, La Esfinge, El nacimiento de Venus, Las flores del mal, Mujer y flores.
• Pierre Puvis Chavannes (1824–1898) es el más idealista del grupo. Utiliza tintas planas, subordinadas a un buen dibujo. El pobre pescador, Bosque sagrado, Musas inspiradoras.
• Carlos Schwabe es un pintor de gran imaginación para plasmar imágenes oníricas. Es precursor del modernismo. Spleen e ideal, La boda del poeta y la musa.
• Leon Spilliaert: La travesía.
• Edward Robert Hughes: Un idilio de sueño.
• Herbert James Draper: Lamento de Ícaro.
• Franz von Stuck: El pecado.
• Néstor Martín-Fernández de la Torre : Considerado el último simbolista, con él murió el simbolismo.
La escuela de Pont-Aven
Artículo principal: Escuela de Pont-Aven
Desde 1873 la villa de Pont-Aven es frecuentada por los alumnos de la Escuela de Bellas Artes de París. En 1886 llega Gauguín y en 1888 se instala un grupo de pintores dispuestos a seguir sus enseñanzas al margen de la Academia. Participan en la exposición del Café Volpini en 1889. Ese mismo año, Gauguín marcha para Tahití y el grupo se desvanece.
Sus obras se caracterizan por el uso libre del color —pueden pintar la hierba roja si así lo sienten—, que se aplica en grandes manchas y con tintas planas. Utilizan el cloisonismo. El resultado es una obra altamente decorativa. En esta forma de pintar ha influido mucho el conocimiento del arte primitivo y las estampas japonesas. Existe una voluntad de sintetizar las formas. Son una síntesis entre el estilo impresionista y el simbolista por lo que pueden ser considerados simbolistas, por su espíritu.
Entre los pintores más destacados de Pont-Aven están Emile Bernard: Bretones bailando en la pradera, Charles Laval: Autorretrato, Jacob Isaac Meyer Haan: Bretonas tejiendo cáñamo, Paul Sérusier: Naturaleza muerta con escalera, Claude-Emile Schuffenecker: Los acantilados de Concarneau, Cuno Amiet, Louis Anquetin y Roderic O’Connor.
Los nabis
Artículo principal: Nabis (artistas)
Los nabis son seguidores de las ideas estéticas de la escuela de Pont-Aven, pero no pertenecen a la Academia, o son desertores. Nabis significa profetas, en hebreo. Intentaron que el Impresionismo se acercase al Simbolismo, por lo que se les puede considerar simbolistas. Su concepción estética es fundamentalmente decorativa, por lo que lo que se plasma en el cuadro es un juego de sensaciones, más que una construcción intelectual.
Utilizan colores planos, con un gran sentido estético. Tienen una libertad absoluta a la hora de utilizar el color y las composiciones. Usaron todo tipo de materiales en sus cuadros, pintura, cola, cartón, etc., para diferenciar texturas, pero sin llegar al collage. Proyectaron vidrieras y usaron litografías y grabados para expresarse.
Decoraron teatros, portadas de libros, revistas y cualquier cosa que les solicitasen, trabajando por encargo. Esto implicó, por un lado que sus obras fuesen ampliamente conocidas y por otro que no fuesen únicas, sino que se imprimían y repetían, dando a la obra de arte una nueva dimensión. La obra de arte deja de ser única, a pesar de ello no crearon escuela.
Entre los nabis destacan pintores como Pierre Bonnard: Retrato de Nathanson y la señora Bonnard, Edouard Vuillard: Autorretrato, Maurice Denis: Paisaje con árboles verdes, Félix Vallotton: La lectora, Ker Xavier Roussel: Montones junto al mar, Henri-Gabriel Ibels, y Paul Ranson. También pueden considerarse nabís los tres grandes simbolistas, Gustave Moreau, Odilon Redon y Chavannes.
Referencias
1. ↑ Balakian, Anna, The Symbolist Movement: a critical appraisal. Random House, 1967, ch. 2
2. ↑ Paul Verlaine, Les Poètes maudits
3. ↑ Charles Baudelaire, Bénédiction
4. ↑ Jean Moreas, Le Manifeste du Symbolisme, Le Figaro, 1886
Enlaces externos
• Arte del siglo XIX: Simbolismo
• El Simbolismo en pocas palabras
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Mujeres que dejaron su huella

Estas las mujeres más importantes, que con su trabajo o sus actos marcando a fuego en la memoria de toda la sociedad durante el siglo XX. Han sido protagonistas de la cultura, el arte, la moda o la política y han contribuido al desarrollo de la cultura y la sociedad del siglo.



Emmeline Pankust (1858-1928): Fue una de las fundadoras del movimiento sufragista británico. Su nombre, está asociado con la lucha por el derecho a voto para las mujeres en el período inmediatamente anterior a la Primera Guerra Mundial.
Marie Curie, científica (1867-1934) Fue galardonada dos veces con el Premio Nobel: una compartiéndolo con su marido y otro en solitario Aunque no pudo ir a la Universidad, debido a que no se permitía que las mujeres estudiar.
En París conoció al profesor Pierre Curie y juntos estudiaron la radioactividad y descubrieron los elementos del radio y del plomo. Murió a causa de las radiaciones a las que estuvo expuesta toda su vida.
Rosa de Luxemburgo, política feminista (1871-1919) Es la representante femenina del movimiento obrero internacional. Muy joven se interesó por la política y por el socialismo y debido a su activismo político tuvo que exiliarse a Zurich con 18 años.
Pasó en la cárcel la Primera Guerra Mundial y tras la guerra, fue una de las gestoras del Partido Comunista Alemán. Cuando la situación política de Alemania cambio y se produjo el advenimiento de la República con un gobierno de ideología derechista, ella siguió incansable, luchando por la dictadura del proletariado. Murió asesinada.
Isadora Ducan, bailarina (1878-1927) Fue la pionera de la danza moderna y una mujer subversiva para la época. Intentó crear su propia manera de bailar, creando un estilo propio y despreció el ballet clásico y sus normas. Fue la primera bailarina que aparcó las zapatillas de ballet para bailar descalza y el "tutú" por una túnica griega.
Su vida personal estuvo marcada por la tragedia: su marido y sus hijos murieron y ella misma tuvo un final trágico: mientras conducía murió estrangulada con su propio chal.
Virginia Woolf, escritora (1882-1941) Una de las mujeres más representativas del siglo. Luchó desde la literatura y el pensamiento por la libertad y la independencia de la mujer, participó activamente en el sufragismo y dio clases a las obreras.
Fue una intelectual en todo el sentido de la palabra, comprometida con los ideales de izquierdas y preocupada por el mundo del arte y la cultura. Su vida personal fue un auténtico desastre, y tras la II Guerra Mundial cayó en una grave depresión que terminó con su suicidio. Escribió obras como "Orlando" o "Las Olas".
Coco Chanel (1883-1971): Diseñadora y creadora de perfumes francesa, fue una verdadera revolucionaria dentro del mundo de la moda. Su nombre se debe a un diminutivo de mascota que le pusieron sus tías cuando quedó huérfana con 6 años. Tras la II Guerra Mundial se la acusó de colaboracionismo con el régimen nazi.
Coco renovó la moda femenina; creaciones suyas como e l traje sastre, las camelias de tela o las cadenas como complemento, no han perdido ni un ápice de actualidad.
Teresa de Calcuta, misionera (1910-1997) Nació en Albania e ingresó en un convento con sólo 18 años. Después decidió irse a la India, donde primero se dedicó a la enseñanza. Pero no era ésa su verdadera vocación, sino la de cirar a los pobres, los leprosos y los enfermos.
Fundó la orden de los Misioneros de la Caridad y abrió numerosas escuelas, hospitales y horfanatos. Recibió el premio Nobel de la Paz en 1979.
Indira Gandhi (1917-1984): Estadista y primera ministra de India desde el 19 de enero de 1966 hasta el 24 de marzo de 1977, y desde el 14 de enero de 1980 hasta su asesinato el 31 de octubre de 1984.
http://www.erroreshistoricos.com/curiosidades-historicas/899-las-mujeres-mas-influyentes-del-siglo-xx-parte-1.html

Arte vacio

Para el Tao, el vacío está en el comienzo, es del vacío de donde viene todo lo demás. Shitao al hablar de la pintura-escritura, dice que lo más importante, son los márgenes (espacios en blanco) que tienen una importancia capital: la profundidad del vacío.
François Cheng, al referirse al vacío en la pintura china: “Esta, solo puede existir (funcionar), gracias al vacío, que está siempre implícito. Sin el vacío, la pincelada, no implica luz y volumen, ritmo y color, no podría manifestar todas sus virtualidades.





Para el Tao, el vacío está en el comienzo, es del vacío de donde viene todo lo demás.
Shitao al hablar de la pintura-escritura, dice que lo más importante, son los márgenes (espacios en blanco) que tienen una importancia capital: la profundidad del vacío.
François Cheng, al referirse al vacío en la pintura china: “Esta, solo puede existir (funcionar), gracias al vacío, que está siempre implícito. Sin el vacío, la pincelada, no implica luz y volumen, ritmo y color, no podría manifestar todas sus virtualidades.
Así, en la realización de un cuadro, el vacío interviene en todos los niveles, desde las líneas básicas, hasta la composición. Es el signo, que le asegura al sistema pictórico su eficacia y unidad.”
Lacan, en el seminario Le Sinthome dice “El objeto de arte como producto, envuelve el vacío de goce, acotándolo.”
J. A. Miller, en el seminario “Lo que hace insignia”, expresa:”en el arte, el vacío de goce, es rodeado en la creación misma de un objeto”
El creador dibuja, contornea, vela el vacío para atrapar en una posible representación lo irrepresentable que constituye el objeto de arte.
El artista, al disponer de un saber hacer con el goce, “…eleva el objeto a la dignidad de la cosa”, sostiene Lacan.
Así, introduce la creación del objeto, en el Real, introduciendo en la repetición el encuentro, la Tyché, que se relaciona con la búsqueda de la causa.
El arte, va más allá de la satisfacción de la pulsiòn, es la creación de un objeto producido por el creador, a partir del vacío que genera la falta en el ser hablante.
François Cheng dirá: “el vacío que parte de un centro y circula de un nivel a otro, sigue un movimiento en espiral, como para desatar un nudo”.
François Regnault “el vacío es un punto de ser” El ser, se parece al no ser.
El ser, en tanto que ser, no es ni uno, ni múltiple.
Hay un indecible entre puro múltiple, inerte, y la pura transparencia de la operación, que consiste en contarlo como uno.
Es decir, hacer de el un conjunto.
El vínculo, es la sutura de esta operación con esa nada a la que llama vacío.
“Llamo vacío de una situación (de una cuenta) a esa sutura de su ser...el vacío, es el nombre del ser”.
Entonces, si el vacío es un punto de ser y no una región, una zona, es menos una causa, una estructura, una forma, sujeto, etc.
El vacío es un subconjunto de todos los conjuntos, está universalmente incluido.
Aristóteles dirá que “el vacío es un puro punto, y no el nombre de una materia.”.
Para Lacan, “el vacío es un punto de ontología en la materia “el punto de Das-Ding”
Incluso, en el nudo borromeo, la idea de creación, quiere decir que el vacío no es más que un punto.
“La obra de arte, en metáfora del vacío pero sin conexiones significantes y sin lazos metonímicos, es letra” expresa G. Brodsky.
Toda obra de arte, es un incalculable.


SHITAO, “Tratado de Estética”. Cáp. 1 (1641-1717)
CHENG, F. “Vacío y Plenitud” Cuadernos andaluces del psicoanálisis. Ed. Grupo de Estudios Andaluz EFP del campo freudiana. Málaga, España.1992.
LACAN, J.: Seminario “Le Sinthome”, inédito
MILLER, J. A.: Seminario “Lo que hace insignia”, Paidós, Buenos Aires, 1998

LACAN, J. Seminario “La ética del psicoanálisis”, Paidós, Buenos Aires, 1988


CHENG F.: Ob.Cit.


REGNAULT, F.: “Ex Nihilo” Freudiana No.32, Barcelona, España.

REGNAULT, F.: Ob.Cit.

http://www.elsigma.com/site/detalle.asp?IdContenido=6112