Arte y cocina afrodisíaca

Como ya hemos hecho en otras oportunidades, como en el caso de La suerte de Emma, Vier minuten y Happily n”ever after (coproducida con Estados Unidos), esta vez Pochoclos.com vuelve a presentar un estreno proveniente de Alemania, pero con un contexto diferente al habitual.

En esta oportunidad, no brindaremos información de una simple película lista para seducir desde la cartelera comercial, sino que hablaremos de un drama romántico que será estrenado en el marco de la séptima edición del Festival de cine alemán que se desarrollará entre el 13 y el 19 de septiembre en la Ciudad de Buenos Aires. Durante esos días, los espectadores podrán disfrutar de la exhibición de catorce largometrajes, un programa de cortos y, además, el evento contará con la presencia de realizadores y actores.
Entre las propuestas cinematográficas que forman parte de esta muestra figura Vier Minuten, de Chris Kraus, que el año pasado resultó elegida como “película del año” en ese país. Sin embargo, uno de los films que causa más expectativa, tal vez porque contará con la presencia de parte de su equipo, es Eden (o El sabor del edén, tal como se la conoce en castellano).
Este drama romántico protagonizado por Devid Striesow, Charlotte Roche, Josef Ostendorf y Max Rüdlinger, entre otros, fue elegido para inaugurar este festival alemán y tanto su director, Michael Hofmann, como el actor Devid Striesow (que también participó en films como Yella y Los falsificadores), se harán presentes en Buenos Aires para dialogar con el público.
De esta forma, El sabor del edén no sólo iniciará las jornadas cinematográficas sino que también abrirá el apetito de los espectadores. Es que el argumento de la película gira en torno a Eden (Charlotte Roche), una mujer casada y con una hija discapacitada que cae rendida frente a los escritos de “La Cocina Erótica” de Gregor (Josef Ostendorf), un excéntrico maestro chef. Los encuentros platónicos surten efecto y, como resultado de ello, el matrimonio de Eden florece. Sin embargo, como en todo pequeño pueblo, los secretos no pueden mantenerse ocultos demasiado tiempo y, luego de que Xaver (Devid Striesow), el esposo de Eden, experimenta por si mismo “La Cocina Erótica”, se sentirá forzado a entrar en acción ante el miedo de perder a su esposa.
En relación a El sabor del edén, el sitio CosasDeCine.com nos señala que, aunque pasó desapercibida por la cartelera, esta película de bajo presupuesto aporta “un cine novedoso en determinado panorama social” en base a un “sólido guión, unos personajes vivos, y una más que convincente puesta en escena”.

A pocos días de tener en territorio argentino a dos de los integrantes de este equipo que forma parte de esta flamante propuesta, cabe decir que, una vez más, el cine alemán trascendió las fronteras y logró hacerse un lugar en los mercados internacionales.
TITULO ORIGINAL: Eden
PAIS: Alemania
DIRECCION: Michael Hofmann
ACTORES: Charlotte Roche, Josef Ostendorf, Devid Striesow, Max Rüdlinger, Leonie Stepp, Roeland Wiesnekker.
GENERO: Drama romántico
ESTRENO: 6 de octubre de 2006 (República Checa), septiembre de 2007 (Argentina)
RECOMENDACIÓN DE POCHOCLOS: Ideal para parejas que gusten de las historias relacionadas a la gastronomía afrodisíaca.
http://www.pochoclos.com/estrenos/el-sabor-del-eden-eden

http://www.youtube.com/watch?v=fKCEG3cxv4o

Arte efímero cuyo tiempo depende del artista

El Arte Efímero en los llamados movimientos de Posguerra, que inicialmente se distinguen en solo tener un periodo muy corto de vida son sin duda el resultado de la pregunta que desde los años 50's se estaban formulando las teóricos, críticos, historiadores, filósofos, publico y por supuesto Artistas sobre lo que era el Arte y el evidente paradigma sobre lo artístico oficial o burges.
Unos eran cobijados por las instituciones y otros totalmente rechazados... ¿Por que?
Ha esto comenzaron a "criticar" como diría W. Benjamin el Aura del lo Artístico que en resumen son las características que distinguen a todo el arte Moderno que arranco desde el Renacimiento; es decir... único, irrepetible, universal, y perdurable; y lo perdurable mercancía que puede ser adquirido para obtener socialmente un plus valor.
Y una manera de responder contra el arte oficial, era justamente hacer el arte que no llegase a ser una mercancía que hiciera más evidente la diferencias de clases sociales ; aunque su registro a la largo lo sea. El Arte efímero esta ampliamente relacionado con el Conceptual Art; con el Arte Acción ( performance, happening, intervención) en tanto que ya no se esta valorando un objeto en si, sino la idea misma que lleva a su realización.
Su duración puede ser de momentos o periodos de tiempos largos, todo depende del artista.
Hay arte efímero en el earth y land art, en el arte povera, el body art; hay donde se intervenían espacios urbanos... que rompieran con la monotonía espacial. Hay mucho de Arte efímero en los trabajos de los Grupos Mexicanos de los 60's. Y como no, el 90% de la Pintura Graffiti es efímera, por sus fundamentos tiene que serlo.
Sin duda otro aspecto que distingue al Arte Efimero , sea cual sea el campo de trabajo, el tiempo va a ser el fundamento materico - plástico por excelencia.
Y como lo comente mas arriba, tenemos conocimiento de este llamado arte efímero por su registro fotográfico.

Corazón latiendo by Dalí

Estudio para la joya El corazón real
© Martí Gasull





El corazón real, 1953
Oro, rubíes, zafiros, esmeraldas, aguamarinas, peridotos, granates, amatistas, diamantes y perlas
24,5 x 12,8 x 9,5 cm


La persistencia de la memoria, 1949
Oro y diamantes
7,8 x 6,8 x 2,1 cm


El ojo del tiempo, 1949
Platino, rubí y diamantes
4 x 6 x 1,7 cm


El collar del Árbol de la Vida, 1949
Oro, diamantes y zafiros
8,6 x 39 cm

La Fundación Gala-Salvador Dalí presenta en el Teatro-Museo Dalí de Figueres la exposición permanente DALÍ•JOYAS, para la cual el arquitecto Óscar Tusquets ha remodelado completamente un edificio anexo al museo. Las dos plantas que albergan la colección de joyas tienen una entrada independiente del museo, de forma que su visita puede ser realizada de forma separada. La exposición incluye las treinta y siete joyas de oro y piedras preciosas de la colección Owen Cheatham, dos joyas realizadas posteriormente, y los veintisiete dibujos y pinturas sobre papel que Salvador Dalí realizó para diseñar las joyas. El conjunto, que presenta una extensa colección de obras realizadas por el artista entre los años 1941 y 1970, ilustra perfectamente las diferentes etapas de su evolución artística.

Con el asesoramiento y supervisión de la Asociación Española de Gemología, la Fundación Gala-Salvador Dalí compró la colección en 1999 a una entidad japonesa por 900 millones de pesetas (unos 5,5 millones de Euros). Desde entonces los expertos de esta Asociación han catalogado cada una de las piezas en colaboración con los técnicos del Departamento de Conservación y del Centro de Estudios Dalinianos de la Fundación, al mismo tiempo que se ha diseñado su exposición permamente.

Cronología

La historia de estas joyas empezó en 1941. Las primeras 22 fueron adquiridas por el millonario norteamericano Cummins Catherwood. Salvador Dalí realizaba los diseños de las piezas sobre papel, con todo tipo de detalles y gran precisión de formas, materiales y colores, y la confección en Nueva York iba a cargo del equipo del orfebre de origen argentino Carlos Alemany bajo la atenta supervisión del artista. En 1958 fueron adquiridas por The Owen Cheatham Foundation, una prestigiosa fundación norteamericana creada en 1934 que cedía la colección de joyas para que diferentes entidades benéficas, educativas y culturales recaptasen fondos con la exposición, y finalmente las depositó en el Virginia Museum of Fine Arts de Richmond. La colección de joyas fue expuesta temporalmente en el Teatro-Museo Dalí de Figueres durante los meses de agosto y septiembre de 1973, un año antes de la inauguración del museo y en vida del Maestro. En 1981 la colección fue adquirida por un multimillonario saudita y, posteriormente, por tres entidades japonesas, la última de las cuales es la que formalizó la venta a la Fundación Gala-Salvador Dalí.

Todas las piezas de la colección son ejemplares únicos, y la combinación de materiales, dimensiones, y formas concebida por Salvador Dalí la convierten en un conjunto irrepetible, en el que el artista supo plasmar de una forma única la riqueza de su singular iconografía. Oro, platino, piedras preciosas (diamantes, rubíes, esmeraldas, zafiros, aguamarinas, topacios, etc.), perlas, corales, y otros materiales nobles se combinan para dar forma a corazones, labios, ojos, formas vegetales y animales, símbolos religiosos, mitológicos, y formas antropomorfas.

La razón de ser

Siguiendo el modelo de sus admirados maestros del Renacimiento italiano (Leonardo, Miguel Ángel, Rafael, Cellini, etc.), Salvador Dalí utiliza todos los lenguajes de la cultura moderna para desarrollar su discurso artístico: pintura, dibujo, grabado, escultura, arquitectura, fotografía, teatro, cine, literatura y también la orfebrería. Con este trabajo, que desarrolló paralelamente a su más conocida faceta de pintor, Salvador Dalí profundizó una vez más en su concepción global del arte, entendiéndolo como un lenguaje para el que no existen límites y que debe expresarse bajo cualquier soporte y técnica de expresión.

Además de concebir las formas de las joyas, Salvador Dalí también seleccionó personalmente cada uno de los materiales utilizados, y no sólo en función de sus colores o de su valor, sino también por la significación y las connotaciones simbólicas que tienen todas y cada una de las piedras preciosas y los metales nobles. Algunas de las joyas que integran esta colección, como por ejemplo El ojo del tiempo (1949), El corazón real (1953), o El elefante del espacio (1961), se han convertido en obras emblemáticas y son consideradas tan excepcionales como algunas de sus pinturas.

Refiriéndose a estas joyas, Salvador Dalí expresó: “Sin una audiencia, sin la presencia de espectadores, estas joyas no alcanzarían la función para la cual fueron creadas. El espectador, por tanto, es el artista final. Su vista, corazón, mente—con una mayor o menor capacidad para entender la intención del creador—da vida a las joyas.”
http://www.salvador-dali.org/museus/joies/es_historia.html

La educacion prepara para la vida

¿LA EDUCACIÓN PREPARA PARA LA VIDA?
12 Abr 2009 | Por gerardo-salvador | # Enlace permanente


Surge una pregunta: La educación tal como se practica en nuestras sociedades ¿brinda mapas y equipo adecuados para el camino de la vida?
Hay algunas respuestas que pude encontrar:
Lo que llamamos educación funciona como si nos enviara a una expedición polar, provistos con ropa de verano y mapas de los lagos de Italia [1]. Nos da una orientación errónea para la vida [2]. Se desentiende de nuestros potenciales y a la vez nos depotencia. Nos oculta el papel que la sexualidad desempeña en nuestra vida y no nos prepara para las agresiones [3]. Tampoco nos capacita para andar por playas, bosques, desiertos, llanuras [4] o ciudades…Nuestro mundo emocional pareciera serle bastante ajeno, siendo que cada día nos encontramos con un mundo social cada vez mas complejo. Si esto es así ¿qué podemos hacer para mejorar la situación?
El tema queda abierto...Los lectores pueden proponer otras miradas...

________________________________________
1] El texto se basa en Freud: Nota en Malestar en la Cultura, 1930.
[2] Id.
[3] Id. «La educación no prepara a los jóvenes para las agresiones de las que sin duda serán objeto. En esta introducción de los jóvenes a la vida tan erróneamente orientada desde el punto de vista psicológico, la educación se comporta como si enviara a la gente a una expedición polar con ropa de verano y mapas de los lagos de Italia.»
[4] Bateson, Gregory; Espíritu y Naturaleza.

Para ampliar: Mercè Altimir, El conflicto adolescente en el aula. http://www.aperturapsicoanalisis.com/maadolescente.htm

Pinto los personajes de mi tierra

Cesáreo Bernaldo de Quirós


Cesáreo Bernaldo de Quirós.
Archivo:El carnicero.jpg
Don Juan Sandoval (El patrón) (Serie "Los Gauchos"), c. 1926.
Cesáreo Bernaldo de Quirós (Gualeguay, 27 de mayo de 1879 - 29 de mayo de 1969) fue un pintor y artista argentino.
Vida y obra
Desde muy joven se inició en la pintura. A la edad de 13 años ingresa al taller del valenciano Nicolau Cotanda y tres años más tarde ingresa en la Academia de la Sociedad Estímulo de Bellas Artes bajo la tutela de los maestros Ángel della Valle y Reynaldo Giudici.
Luego de recibir el Premio Roma, es becado por el gobierno nacional y viaja a Italia contando con apenas veinte años. Allí se perfecciona y recibe incluso una mención en la Bienal de Venecia con una obra de grandes dimensiones en 1901. En 1905 viaja a España vinculándose con Zuloaga y Sorolla, haciéndolo más tarde a París, Florencia y Cerdeña.
Archivo:El carnicero2.jpg
El carnicero (Serie "Los gauchos"), 1926.
Regresa a su país en 1906. Integra el grupo Nexus y obtiene el Gran Premio y Medalla de Oro en la Exposición Internacional de Arte del Centenario en 1910. La gran muestra del Centenario fue consagratoria para Quirós, una sala completa fue dedicada a sus pinturas.
Viaja nuevamente a Europa y se establece durante cinco años regresando posteriormente para radicarse en su ciudad natal (1916-1927), en donde produce una obra nítidamente gauchesca sin precedentes en las artes figurativas de Argentina. Se trata de una serie de pinturas a las que llamó "Los Gauchos" y en las que reflejó el espíritu, la historia, las costumbres y los personajes de su tierra. Estas obras fueron exhibidas Buenos Aires en 1928 y luego recorrieeron con gran éxito España, Alemania, Inglaterra, Francia y los Estados Unidos. La gira se prolongó hasta 1936, año en que Quirós regresó definitivamente al país.
Fue profesor en la Escuela Nacional de Artes Decorativas y presidente de la Academia Nacional de Bellas Artes.
En 1942 adquiere una gran extensión de tierra sobre las barrancas del río Paraná, cerca de la ciudad homónima, creando un museo con una vasta colección de armas, muebles, adornos y objetos de gran valor artístico.
Obtuvo numerosas distinciones en el país y en el exterior, siendo su obra especialmente valorada por coleccionistas nacionales y extranjeros.
Falleció en Vicente López el 29 de mayo de 1968

Fuentes
• http://www.arteargentino.com/dic/b/bernaldodeq1.htm
• http://www.galarroyo.com/nuevo/trastienda/quiros.htm
• http://www.mnba.org.ar/
http://es.wikipedia.org/wiki/Ces%C3%A1reo_Bernaldo_de_Quir%C3%B3s

El maestro de los puntos coloridos: Georges Pierre Seurat

Georges Pierre Seurat (1859-1891).



por Milko A. García Torres
Recopilación de la colección "Grandes pintores del siglo XX",
Ed. Globus Comunicación S.A. y Ediciones Polígrafa S.A.




Seurat nace en París en el seno de una familia modesta, pero desahogada económicamente, lo que le permitirá mantener durante toda su vida una inusual posición de independencia respecto a los imperativos del mercado artístico y perseverar en una obra radical, que apenas encontrana compradores.
Tras asistir a la escuela municipal de dibujo, con 18 años es admitido en la Escuela de Bellas Artes y se inscribe como alumno en el estudio de Henri Lehmann, un discípulo de Ingres. Estudiante poco brillante, sus abundantes lecturas le permiten escapar de un ambiente de mediocre academicismo. En esta época descubre las teorías científicas de los colores de Eugéne Chevreul y de Ogden Nicholas Rood, estudia con detenimiento el Tratado de pintura de Leonardo da Vinci y se interesa por las investigaciones de Maxwell sobre la naturaleza física de la luz.

La huella del realismo

En 1881, con el fin de sintetizar las enseñanzas de Rood y Chevreul, dibuja un diagrama/disco en el que reúne todos los colores del arco iris, de forma que con una rápida mirada pudiera identificarse el complementario de cualquier color. En este momento aparecen ya los temas que serán constantes en su producción: el paisaje y la vida popular. En sus primeras obras, cuadritos de pequeño tamaño pintados al aire libre, que el artista llamaba croquetons (de croquer, esbozar), se refleja su admiración por la pintura realista de Courbet y Millet, especialmente en la elección de escenas de campesinos y trabajadores en el campo.

El Divisionismo.

El primer intento por aplicar sus investigaciones teóricas es también su primera obra maestra, Un baño en Asnieres, comenzada en la primavera de 1883. Esta pintura de grandes dimensiones refleja ya el método de su trabajo, radicalmente distinto al de los impresionistas. Frente a la inmediatez de éstos, Seurat preparó minuciosamente su obra, realizando diez dibujos y catorce estudios al óleo sobre pequeñas tablas. La pintura no es admitida por el jurado del Salón oficial de 1884, por lo que Seurat la presenta en la primera exposición del recién creado grupo de los Independientes, compuesto por otros artistas que habían visto su obra rechazada. Pese a su poco favorable ubicación -por su tamaño estaba colgado en la cantina-, el cuadro despierta la admiración de críticos como Roger Marx o Félix Fénéon, quien más tarde acuñaría el término de neoimpresionismo para definir el movimiento y, especialmente, la de un joven pintor, Paul Signac, que habría de convertirse en el fiel compañero de Seurat. En verano de ese mismo año inicia la que será su obra más importante, Un domingo por la tarde en la Grande Jatte, donde, aconsejado por Signac, prescinde de los tonos terrosos e incorpora una gama de colores muy viva, al modo de los impresionistas.La ejecución de este inmenso cuadro es extremadamente laboriosa y combina estudios del natural, realizados con rápidas pinceladas, con sesiones en el estudio.
Terminada esta obra, pasa el verano de 1885 en Grandcamp, pequeño puerto de la costa normanda donde pinta marinas con una aplicación más rigurosa de los principios del divisionismo, empleando por vez primera la técnica de pequeños puntos de color, que sería el origen del término puntillismo. En esta línea, ya de regreso a París, retocará sistemáticamente alguna de sus obras anteriores.


Consolidación
Los años siguientes son de propagación del movimiento divisionista, gracias a la asimilación de sus principios por un personaje tan notable como Carnille Pissarro, uno de los patriarcas del impresionismo, así como ala decidida labor de divulgación emprendida por Signac; una actividad que casi nunca contaría con el apoyo de Seurat, quien temía ver su obra imitada si, sus secretos se desvelaban. En 1886 participa con La Grande Jatte en la octava y última exposición de los impresionistas, donde las obras divisionistas despiertan la burla de los sectores tradicionales, pero suscitan el interés de un buen número de artistas jóvenes. Entre ellos se encuentra un grupo de pintores y músicos belgas, reunidos bajo el nombre de los XX, que invitaron a Seurat a su exposición del año siguiente. La presentación en Bruselas de La Grande Jatte generó una encendida polémica y confirmó al pintor como líder indiscutido del grupo.
De regreso en París, Seurat inicia una nueva obra, Las modelos, en la que aplica de forma más estricta los principios del divisionismo, reduciendo aún más el tamaño de los puntos de color. Esta técnica, que había merecido el apelativo poco amable de puntillista, comenzaba a irritar no sólo al público, que todavia no había asimilado las innovaciones impresionistas, sino a los propios seguidores de Seurat; en concreto, Signac apuntaba los riesgos de una ejecución que desviara la atención del espectador y se erigiera en protagonista de la obra.

El color y la línea

Cuando aún no ha concluido Las modelos, el artista se propone aplicar de forma más rigurosa las ideas del matemático Charles Henry -a quien había conocido en la última exposición de los impresionistas- sobre las correspondencias simbólicas y emocionales de las líneas y sus direcciones. El resultado es La parada del circo, un cuadro que Seurat presentará en el cuarto Salón de los Independientes con gran éxito y que explicaba así: "Las Panateneas de Fidias eran una procesión. Yo quiero mostrar a los modernos moviéndose como en los frisos, reducidos a sus elementos esenciales, colocarlos en cuadros combinados según armonías de colores por medio de la dirección de los matices y según armonías de líneas mediante su orientación, disponiendo línea y color en mutua relación". El carácter estático de este cuadro contrasta con la alegría dinámica de sus dos últimas obras maestras, Le Chahut y El circo, cuya estilización decorativa se halla próxima al Art-Nouveau. Seurat vive sus últimos años en un ambiente de creciente aislamiento; los continuos recelos a explicar sus teorías por miedo a ser copiado, su carácter altivo, harán que el resto de los divisionistas mantenga con él una relación distante, salpicada de malentendidos. No obstante, siempre conservarían hacia el que consideraban su maestro una actitud de respeto y admiración. Su temprana muerte, cuando aún no había cumplido treinta y dos años, habría de suponer un duro golpe para todos ellos.

http://www.imageandart.com/tutoriales/biografias/seurat/seurat.html

El poder transformador del tiempo daliniano

La persistencia de la memoria

Salvador Dalí pinta los famosos “Relojes blandos” (como se conoce popularmente a este óleo) en el año 1931, en plena época surrealista y en un momento de transición tanto a nivel personal como creativo.

Características de la obra
Con el transcurso de los años, y gracias a la gran calidad técnica y sorprendente temática, el óleo La persistencia de la memoria se ha convertido en una imagen familiar en nuestro imaginario que ha dejado huella en la historia del arte del siglo XX. Dalí pinta el cuadro con tan sólo 27 años, y consigue crear una de las obras más representativas de su estilo, una imagen llena de misterio y objeto de múltiples interpretaciones, a pesar de sus reducidas dimensiones, 24 x 33 cm.

Observando atentamente el óleo, se hace evidente que el paisaje juega un papel fundamental en la temática. Fácilmente reconocemos las rocas del Cabo de Creus y los colores del cielo y el mar mediterráneos. Podemos decir con toda certeza que el paisaje es Portlligat. Una vez más se establece un fuerte vínculo entre Dalí y su entorno “Me he construido sobre estas gravas; aquí he creado mi personalidad, descubierto mi amor, pintado mi obra, edificado mi casa. Soy inseparable de este cielo, de este mar, de estas rocas, ligado para siempre a Port Lligat [...].

Este paisaje plácido queda interrumpido por tres relojes blandos y uno rígido que han terminado dando múltiples significados a la obra. Uno de los relojes blandos cuelga de una rama de olivo; otro, también deformado, descansa sobre la figura amorfa que hay en el centro de la obra. El último reloj blando se apoya en el mueble situado en el ángulo izquierdo. En contraste, hay un cuarto reloj, rígido, cubierto de hormigas y colocado boca abajo. Todos los relojes marcan una hora distinta, y el único que mantiene su rigidez está pintado boca abajo e infestado de hormigas. Dalí insinúa así la relatividad del concepto de tiempo y una de las preocupaciones más artificiales y abstractas inventadas por el hombre: la angustia de controlar el tiempo. Dalí contrapone, con gran elegancia, la escena infinita del paisaje con objetos que nos recuerdan en cada momento la fugacidad de los instantes y de las cosas: todo es efímero y fugaz. Otra preocupación recurrente y obsesiva en Dalí es la inmortalidad, conseguir la permanencia y conquistar la eternidad sin el control ni la presencia del tiempo.

El recorrido expositivo de los “Relojes blandos” empieza en París en 1931, en la galería Pierre Colle, poco después de ser pintado. Inmediatamente, el galerista neoyorquino Julien Levy la compra y se la lleva a Nueva York, donde se expone en distintos museos de los Estados Unidos antes de formar parte de la colección permanente del Museum of Modern Art. Esta institución recibe el cuadro en 1934 como donativo de manos de Helen Lansdowne Resor, magnate de la publicidad y futura patrona del MoMA; el precio pagado fue de 400 dólares. Actualmente, el MoMA es aún su propietario. En el libro La vida secreta de Salvador Dalí, el propio pintor recuerda el momento en que el óleo cambia de manos: “[...] se vendió y revendió hasta que la colgaron finalmente en las paredes del Museo de Arte Moderno, y fue sin duda alguna la pintura que tuvo el «éxito de público» más completo. La vi recopiada varias veces en las provincias por pintores aficionados que trabajaban sobre fotografías en blanco y negro —y, por tanto, con los colores más caprichosos—. ¡Fue también usada para llamar la atención en los escaparates de colmados y tiendas de muebles! […]”. El éxito de los "Relojes blandos" no pasa desapercibido y los ilustradores de tiras cómicas aprovechan para organizar revuelo entorno al concepto de tiempo y de su flexibilidad. La prensa de la época también se hace eco de la llegada de la pintura a los Estados Unidos y abre debates sobre si “la textura blanda de los relojes expresaba impotencia. A otro le pareció que era una representación excelente de la potencia, ya que el tiempo, simbolizado por los relojes, significaba un poder que se podía transformar en cualquier cosa”.




http://bloges.meseon.net/archives/106-La-persistencia-de-la-memoria-en-Figueres.html