André Kertész
André Kertész
Kertész en Nueva York en 1982
Nombre de nacimiento
Andor Kertész
Nacimiento
2 de julio de 1894
Budapest (Hungría)
Fallecimiento
28 de septiembre de 1985
Nueva York (Estados Unidos)
Nacionalidad
Húngaro
Área
Fotografía
André Kertész (Budapest, Hungría, 2 de julio de 1894 - Nueva York, Estados Unidos, 28 de septiembre de 1985) fue un fotógrafo húngaro. Es conocido por sus contribuciones a la composición fotográfica y por sus esfuerzos para establecer y desarrollar el ensayo fotográfico. Durante los primeros años de su carrera, sus trabajos no fueron apreciados debido a sus ángulos poco ortodoxos y a su deseo de conservar un estilo fotográfico personal. Incluso al final de su vida Kertész consideró que no había obtenido el reconocimiento que merecía. Actualmente, es considerado una de las figuras más influyentes del periodismo fotográfico.[1] [2]
A pesar de que su familia deseaba que trabajara como corredor de bolsa, Kertész se convirtió en un fotógrafo autodidacta y sus primeros trabajos fueron publicados principalmente en revistas, una tendencia que se mantuvo durante la mayoría de su carrera. Kertész sirvió brevemente en la Primera Guerra Mundial. En 1925 se mudó a París en contra de los deseos de su familia, en donde formó parte del creciente grupo de artistas inmigrantes y del movimiento dadaísta. Además, allí su trabajo fue exitoso crítica y comercialmente. Sin embargo, la amenaza inminente de la Segunda Guerra Mundial lo obligó a emigrar a los Estados Unidos, donde tuvo una vida más difícil y tuvo que reconstruir su reputación a través de comisiones. También tuvo altercados con varios editores, ya que no creía que ellos reconocieran su trabajo. Durante los años 1940 y los años 1950, Kertész dejó de trabajar para revistas y ganó éxito internacional. A pesar de los numerosos premios que obtuvo durante los años, Kertész consideraba que el público y la crítica no valoraban sus obras, un sentimiento que perduró hasta su muerte. Su carrera se divide generalmente en cuatro periodos llamados el periodo húngaro, el periodo francés, el periodo estadounidense y el periodo internacional.
Contenido
• 1 Primeros años
• 2 Periodo húngaro
• 3 Periodo francés
• 4 Periodo estadounidense
• 5 Últimos años y muerte
• 6 Legado
• 7 Trabajos selectos
o 7.1 Bibliografía
o 7.2 Exhibiciones
• 8 Referencias
• 9 Enlaces externos
Primeros años
Andor Kertész nació el 2 de julio de 1894 en Budapest, hijo de la familia judía de Lipót Kertész, un vendedor de libros, y Ernesztin Hoffmann.[3] Andor, a quien sus amigos llamaban "Bandi", fue el segundo de tres hijos. Cuando su padre murió de tuberculosis en 1908, Ernesztin quedó sin una fuente de ingreso para cuidar de sus hijos Andor, Imre y Jenő. Afortunadamente, su hermano Lipót Hoffmann ayudó a la familia y fue como un padre para los niños. Los Kertész se mudaron a la casa campestre de Lipót en Szigetbecse. Allí Kertész tuvo una vida relajada, rodeado de paisajes pastorales que más tarde influenciarían su carrera.[1] [2] [4] [5]
Lipót pagó por los estudios de Kertész en la Academia de Comercio hasta su graduación en 1912. Posteriormente, se aseguró de que fuera contratado como corredor de bolsa.[5] A diferencia de su hermano Imre, quien trabajó en la bolsa de valores hasta su muerte en 1957, Kertész no tuvo ningún interés por esta carrera. En cambio, se sentía atraído por la idea de ilustrar revistas y por actividades como la pesca y la natación. Las fotografías que observaba en revistas lo llevaron a soñar con ser un fotógrafo. También fue influenciado por varias pinturas de Tihanyi Lajos y Gyula Zilzer y por la poesía.[1] [2] [4] [6]
Periodo húngaro
En 1912, cuando tuvo suficiente dinero, Kertész compró su primera cámara (una cámara rectangular ICA),[5] [6] a pesar de las protestas de su familia para que continuara su carrera en los negocios. Durante su tiempo libre, Kertész empezó a tomar fotografías a los campesinos locales, a los gitanos y a los paisajes de la Gran Llanura Húngara. Se cree que su primera fotografía fue "Niño durmiendo, Budapest, 1912",[4] aunque sus trabajos no se empezaron a publicar hasta después de 1917, cuando era un miembro de ejército austrohúngaro en la Primera Guerra Mundial. Sus fotografías fueron publicadas por primera vez en la revista Érdekes Újság.[5] Kertész aprendió por sí mismo como usar una cámara. Para 1914 su estilo distintivo y maduro era evidente (por ejemplo, "Eugene, 1914").[1] [2] [3] [4] [6]
En 1914, a los 20 años, fue enviado al frente de batalla, donde tomó fotografías de la vida en las trincheras con una cámara ligera (una Tenax de Goerz).[5] Desafortunadamente, la mayoría de estas fotografías fueron destruidas durante la revolución húngara de 1919. En 1915, fue herido por una bala y su brazo derecho quedó paralizado temporalmente.
Kertész fue enviado a un hospital militar en Budapest, pero más tarde fue transferido a Esztergom, donde continuó tomando fotos, incluyendo un autorretrato con el que participó en una competencia de la revista Borsszem Jankó.[5] [6] La obra más conocida de éste periodo es "Nadador bajo el agua, Esztergom, 1917", la única fotografía que sobrevive de una serie que muestra nadadores cuya imagen es distorsionada por el agua. Está serie provocó que Kertész se interesara en distorsiones, lo que lo llevó a realizar una serie llamada "Distorsiones" a principios de los años 1930.[1] [2] [4] [5] [6]
Kertész permaneció fuera del campo de batalla durante el resto de la guerra. Luego de esto, regresó a trabajar en la bolsa de valores.[5] Allí conoció a su futura esposa, Erzsebet Salomon (quien más tarde cambiaría su nombre por Elizabeth Saly). Durante este periodo y durante el resto de su carrera, Elizabeth sería modelo para muchas de sus fotografías.
Kertész continuó dedicando su tiempo libre a la fotografía y tomó numerosas fotografías usando a su hermano Jenő como modelo. Aun así, no estaba satisfecho con su trabajo en la bolsa de valores, por lo que a principios de los años 1920 abandonó su carrera para dedicarse a la agricultura y la apicultura. Sin embargo, esta aventura fue de corta duración debido al desorden político y al comunismo en la zona rural húngara.
Luego de regresar a su trabajo como corredor de bolsa, Kertész decidió abandonar Hungría, principalmente para escapar de su estilo de vida, pero también para unirse a una de las escuelas fotográficas de Francia. Sin embargo, su madre lo persuadió para que no se marchara. Su sueño de salir de Hungría no se realizaría hasta varios años después. Mientras tanto, siguió trabajando en la bolsa y dedicándose a la fotografía en su tiempo libre.
En 1923, la Asociación de Fotógrafos Aficionados de Hungría le ofreció una medalla de plata por una de sus fotografías, pero con la condición de que ésta debería ser impresa usando el proceso de bromoleotipia. Kertész se rehusó a utilizar este proceso y rechazó la medalla, aceptando sólo un diploma de la asociación.[5]
Sin embargo, Kertész fue recompensado cuando una de sus fotografías apareció en la portada de la revista Érdekes Újság en el número del 26 de junio de 1925. La revista ya había usado una de sus fotografías en el número del 25 de marzo de 1917, pero esta fue la primera vez que una foto de Kertész apareció en una portada. Para ese entonces, ya había decido que se mudaría a París y así poder usar elementos artísticos de la ciudad.
Periodo francés
Kertész emigró a París en septiembre de 1925 en contra de los deseos de su madre, dejando atrás a sus hermanos, a Elizabeth y a su tío Lipót, quien murió poco después.[3] Su hermano Jenő también emigró a Argentina, pero Elizabeth permaneció en Hungría hasta que Kertész pudiera establecerse en París. Kertész fue uno de los muchos artistas que emigraron del Imperio Austrohúngaro, incluyendo a François Kollar, Robert Capa, Emeric Fehér y Brassaï. Tampoco fue el único artista que inmigró a París; Man Ray, Germaine Krull (quien participó en algunas exhibiciones con Kertész) y Lucien Aigner también inmigraron durante este periodo. En París, Kertész obtuvo éxito comercial y de crítica realizando publicaciones en revistas y posteriormente haciendo comisiones para varias revistas europeas. Fue el primer fotógrafo en realizar una exhibición individual. Esto ocurrió cuando Jan Slivinsky organizó exhibiciones individuales para treinta fotógrafos en la Gallerie Au Sacre du Printemps en 1927.[1] [2] [5]
Kertész cambió su primer nombre por André luego de su llegada a París y usaría éste nombre por el resto de su vida. En ese entonces, muchos fotógrafos estaban interesados en el dadaísmo, el cual se estaba convirtiendo en un movimiento artístico considerable, especialmente en Francia. Kertész pronto conoció a varios miembros del movimiento y se relacionó con ellos. Además, contactó y visitó a otros fotógrafos y artistas húngaros mientras estaba en París. Más adelante, realizaría exposiciones junto a algunos de estos artistas. Kertész disfrutaba particularmente visitando a sus amigos escultores y también le impresionaba el cubismo. Durante su tiempo libre retrató a varios artistas, incluyendo a los pintores Piet Mondrian[7] y Marc Chagall, la escritora Colette[2] y el cineasta Sergéi Eisenstein.[2] En 1928, Kertész dejó de usar cámaras con platos y adquirió una Leica; rápidamente, se acostumbró a su nueva cámara.[6] [7] Éste periodo, especialmente a finales de los años 1920, fue uno de los más productivos de su carrera, ya que tomaba fotografías diariamente y publicaba varias de estas en revistas. También dividía su tiempo cuidadosamente entre encargos y su fotografía personal.[1] [2] [5] En 1930, Kertész ganó una medalla de plata por sus servicios a la fotografía en la Exposition Coloniale en París.[5]
Varias revistas francesas como VU y Art et Médecine publicaron fotos hechas por Kertész,[3] muchas de las cuales fueron usadas en portadas.[2] [5] Kertész trabajó frecuentemente junto al editor de la revista Vu, Lucien Vogel, quien publicaba sus fotografías sin ninguna prosa y lo dejaba realizar reportajes sobre temas diversos. Kertész disfrutaba viajar en Paris y sus alrededores tomando fotografías relacionadas con el tema que Volgel le asignara. En 1933, le encargaron realizar una de sus más famosas series fotográficas titulada "Distorsiones": una serie de 200 fotografías de dos modelos desnudos (un hombre y una mujer) en distintas poses frente a varios espejos cóncavos y convexos. En algunos casos la imagen de los modelos, Najinskaya Verackhatz y Nadia Kasine, aparecía tan distorsionada que sólo algunas extremidades o facciones eran visibles en la fotografía. Algunas de las fotos de esta serie aparecieron en el número del 2 de marzo de la revista Le Sourire y posteriormente en el número del 15 de septiembre de 1933 de Arts et métiers graphiques.[1] [2] [4] Kertész publicó el libro Distorsiones con todas las fotografías más tarde ese año.
Luego de la publicación de su primer libro de fotografías, Enfants (dedicado a Elizabeth y a su madre, quien había muerto poco antes), en 1933, Kertész publicó varios libros de fotografía.[2] [6] Su próximo libro, Paris, fue publicado en 1934 y fue dedicado a sus hermanos Imre y Jenő. Nos Amies les bêtes (Nuestros amigos los animales) fue lanzado en 1936 y Les Cathédrales du vin (Las catedrales de vino) en 1937.[1] [4] [5]
Aunque su familia no lo sabía, Kertész se había casado con una fotógrafa francesa llamada Rosza Klein (también conocida como Rogi André) a finales de los años 1920.[2] El matrimonio fue corto y Kertész nunca habló sobre el tema hasta su muerte para no desilusionar a Elizabeth. En 1930, viajó a Hungría para visitar a su familia, pero regresó a París poco después. Elizabeth se mudó con él en 1931, a pesar de la oposición de su familia, y la pareja no se separaría a partir de entonces. Contrajeron matrimonio el 17 de junio de 1933 y Kertész empezó pasar menos tiempo con sus amigos artistas y fotógrafos para estar con su esposa.[1] [4] [6]
Cuando Kertész se casó, el Partido Nazi estaba adquiriendo poder en Alemania. Esto provocó que las revistas empezaran a publicar reportajes sobre política. Muchas revistas dejaron de publicar fotografías de Kertész ya que no tenían relación alguna con temas políticos. A partir de entonces, Kertész empezó a recibir menos comisiones, por lo que, con el consentimiento de Elizabeth, planeó mudarse a Nueva York para trabajar con la agencia Keystone de Ernie Prince. En 1936, ante la amenaza de la Segunda Guerra Mundial y la falta de trabajo, Kertész y Elizabeth abordaron el SS Washington con rumbo a Manhattan.[1] [2] [4] [5] [6]
Periodo estadounidense
Kertész llegó a Nueva York el 15 de octubre de 1936 con la intención de reavivar su inspiración y volverse famoso como fotógrafo en los Estados Unidos.[2] [3] La pareja se estableció en el Beaux Arts Hotel en Greenwich Village.[5] Desde su llegada, Kertész descubrió que la vida en los Estados Unidos era más difícil de lo que había imaginado. Más tarde se referiría a éste periodo de su vida como una "absoluta tragedia."[4] Ahora no tenía a sus amigos artistas de Francia y las personas en Estados Unidos no eran tan amables cuando los fotografiaban como la gente en París. Poco después de su llegada, Kertész contactó a Beaumont Newhall, el director del departamento fotográfico del Museo de Arte Moderno de Nueva York, quien estaba preparando una exhibición titulada Photography 1839–1937.[5] Sin embargo, cuando Kertész le ofreció algunas de las fotografías de "Distorsiones", Newhall las criticó, lo que ofendió a Kertész. A pesar de esto, Newhall exhibió las fotografías.[6] En diciembre de 1997, Kertész tuvo una exhibición individual en la PM Gallery. Su situación empeoró cuando la agencia Keystone le hizo pasar la mayor parte del tiempo trabajando en el estudio de la compañía, a pesar de haberle ofrecido transporte a diferentes lugares para que realizara periodismo fotográfico.[2] Kertész trató de realizar una visita a Francia, pero no tenía dinero. Para cuando había ahorrado suficiente, la Segunda Guerra Mundial ya había empezado, lo que imposibilitó el viaje. Sus problemas con el inglés también lo afectaron. En Francia, había sobrellevado su incapacidad para hablar francés, pero en Nueva York, donde se sentía como un forastero, sus problemas con el lenguaje tuvieron un efecto mayor.[1] [4]
Sintiéndose cada vez más frustrado con la ciudad, Kertész dejó Keystone luego de que su jefe Ernie Prince abandonara la compañía en 1937. Posteriormente, la revista Harper's Bazaar le encargó fotografías para un artículo sobre la tienda de departamentos Saks Fifth Avenue para su número de abril de 1937.[3] Kertész continuó trabajando con la revista, además de aceptar comisiones de Town & Country para suplementar sus ingresos. La revista Vogue lo ofreció un trabajo,[3] pero él rechazó la oferta ya que temía que no pudiera fotografiar en un estudio como se acostumbraba en el mundo de la moda. En cambio, aceptó un trabajo en la revista Life. Su primera obra para ellos fue una pieza llamada The Tugboat (El Remolcador). A pesar de sus órdenes, Kertész no se limitó a fotografiar remolcadores, sino todo el muelle y sus actividades. Debido a esto, Life se rehusó a publicar sus fotos. Nuevamente, Kertész se sintió frustrado con la ciudad y su industria fotográfica.[1] [2] [4] [6]
En el número del 25 de octubre de 1938 de Look, la revista publicó una serie de fotografías de Kertész llamada A Fireman Goes to School, pero los créditos le fueron dados a Ernie Prince, su antiguo jefe.[5] Kertész, enfurecido, contempló la posibilidad de no volver a trabajar para ninguna revista. Sin embargo, sus fotografías aparecieron en la revista Coronet en 1937, pero en 1939 se desilusionó cuando la revista no incluyó ninguna de sus fotos en un número con la selección de la "Fotografías más memorables" de Coronet. Posteriormente, Kertész terminaría su relación con la revista y su editor Arnold Gingrich. La situación se repitió en el número de junio de 1941 de Vogue, el cual estaba dedicado a las fotografías en honor de Condé Montrose Nast, fundador de Condé Nast Publications. A pesar de haber realizado más de treinta ensayos fotográficos para Vogue y House & Garden, Kertész no apareció en la lista de fotógrafos. Ese mismo año Kertész y Elizabeth fueron declarados enemigos extranjeros, ya que ambos portaban pasaportes húngaros, por lo que no se le permitió fotografiar exteriores ni nada relacionado con seguridad nacional.[5] Más tarde, se lo tomarían las huellas digitales. Kertész dejó de realizar comisiones y abandonó la fotografía durante tres años, ya que no quería ser arrestado ni tener problemas políticos para no perjudicar a Elizabeth, quien había iniciado un negocio de cosméticos (Cosmia Laboratories) con un amigo húngaro.[1] [2] [4] [6]
Elizabeth obtuvo la ciudadanía estadounidense el 20 de enero de 1944 y su esposo el 3 de febrero.[2] [5] A pesar de la fuerte competencia con otros fotógrafos como Irving Penn, Kertész continuó realizando comisiones. Aunque no fue incluido entre los sesenta y tres fotógrafos del "árbol genealógico fotográfico" de Vogue (el cual incluía los fotógrafos más importantes de la era), fue contratado por House & Garden para realizar una comisión de Navidad. En junio de 1944, László Moholy-Nagy le ofreció un puesto como profesor en la New Bauhaus - American School of Design, pero Kertész rechazó la oferta. En 1945, lanzó un nuevo libro de fotografías llamado Day of Paris, el cual incluía fotografías que había tomado justo antes de abandonar Europa. El libro fue un éxito de crítica. Kertész aceptó un contrato de larga duración con House & Garden en 1946. Aunque el contrato restringía su trabajo editorial y lo obligaba a pasar la mayor parte del tiempo en el estudio, se le pagaba US$10.000 y le devolvían todos los negativos después de seis meses.[1] [4] [5] [6]
Aunque los temas que podía fotografiar eran limitados, Kertész fue enviado a varios lugares y casas famosos. Incluso viajó internacionalmente, visitando Inglaterra, París y Budapest. Entre 1945 y 1962, más de 3.000 de sus fotografías fueron publicadas en House & Garden y se volvió conocido en la industria fotográfica. Sin embargo, realizó pocos trabajos personales durante este periodo.[1] [2] [4]
Últimos años y muerte
Kertész (derecha) y Robert Doisneau en Arlés (Francia) en 1975.
En 1946, Kertész tuvo una exhibición individual en el Art Institute of Chicago, compuesta principalmente por fotos de la serie Day of Paris. Frecuentemente se refería a este como uno de sus mejores momentos en los Estados Unidos.[5] Esta fue su última exhibición hasta 1962, cuando algunas de sus fotografías fueron expuestas en la Long Island University. Durante el periodo que pasó trabajando para House & Garden, Kertész se sintió insultado nuevamente cuando su trabajo no apareció en la famosa exposición de Edward Steichen The Family of Man en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1955. A finales de 1961, terminó su contrato con Condé Nast Publishing debido a un altercado menor. Kertész, sintiéndose libre de los confines de la revista, trató de volver a la escena fotográfica internacional. Esta parte de su vida es conocida como el periodo internacional,[4] ya que ganó fama internacional y tuvo exhibiciones en varios países. En 1963 participó en la IV Mostra Biennale Internazionale della Fotografia en Venecia y más tarde en ese año tuvo una exposición en la Biblioteca Nacional de Francia en París. En Venecia recibió una medalla de oro por su dedicación a la industria fotográfica. Posteriormente visitaría a su hermano Jenő en Argentina.[1] [2] [4] [5] [6]
Durante este periodo, Kertész experimentó con fotografías en color, pero sólo realizó unas cuantas de éstas. En 1964 Kertész tuvo una exposición individual en el Museo de Arte Moderno, poco después de que John Szarkowski se convirtiera en el director de fotografía del museo.[5] La exhibición fue aclamada críticamente y poco después Kertész se volvió conocido en los círculos fotográficos como una figura importante. En 1952, se mudó con su esposa a un apartamento cerca del Washington Square Park. Allí Kertész tomó algunas de sus mejores fotografías desde que había llegado a los Estados Unidos. Las fotos, tomadas usando un teleobjetivo, mostraban el parque cubierto de nieve con numerosas siluetas y huellas.
Durante los años venideros, además de participar en numerosas exhibiciones alrededor del mundo, Kertész también recibió varios premios: en 1965, fue nombrado miembro de la American Society of Media Photographers; en 1974 se le otorgó la Beca Guggenheim y fue nombrado Comandante de la Orden de las Artes y las Letras; en 1977, recibió el Mayor's Award of Honor for Arts and Culture en Nueva York; en 1980, se le otorgó la Médaille de la Ville de Paris (Medalla de la Ciudad de París); y en ese mismo año ganó el primer Premio Anual de la Association of International Photography Art Dealers. En 1981, recibió un doctorado honorario del Bard College y recibió por segunda ocasión el Mayor's Award of Honor for Arts and Culture. Kertész produjo varios libros durante este periodo y recuperó varios de los negativos que había dejado en Francia años atrás.[2] [4] [5] [6]
Durante sus últimos años, Kertész viajó a varios países para sus exhibiciones, especialmente a Japón, y logró restablecer sus relaciones con otros artistas. Elizabeth murió de cáncer en 1977. Para sobrellevar la pérdida, Kertész empezó a pasar más tiempo con sus amigos, visitándolos algunas noches para conversar. Para entonces, ya había aprendido inglés básico y hablaba con sus amigos una extraña mezcla de inglés, húngaro y francés.[2] [4] En 1979, Polaroid le regaló una de sus nuevas SX-70, con la cual experimentó durante los años 1980. En 1982, se lo otorgó el Gran Premio Nacional de Fotografía en París y ganó el 21° Premio Anual George Washington de la American Hungarian Foundation. Su agente, Susan Harder, trató activamente de que otros reconocieran las contribuciones de Kertész a la historia de la fotografía. En 1983, Kertész recibió un doctorado honorario del Royal College of Art. En ese mismo año, fue nombrado Caballero de la Legión de Honor y se lo otorgó un apartamento para sus futuras visitas a París. Otros de los reconocimientos que recibió son: el Annual Lifetime Achievement Award del Maine Photographic Workshop (1984), el Californian Distinguished Career in Photography Award (1985), el primer Annual Master of Photography Award del International Center of Photography (1985) y un doctorado honorario de la Parsons The New School for Design. Además de estos reconocimientos, el Museo Metropolitano de Arte compró 100 de sus fotografías en 1984, la mayor adquisición de fotografías de un artista vivo por un museo.[2] [6]
Kertész murió cuando dormía en su hogar el 28 de septiembre de 1985. Sus restos fueron cremados y enterrados junto a los de sus esposa.[2] [4] [6]
Legado
Kertész consideraba que su trabajo no había sido reconocido debidamente, a pesar de haber pasado la mayor parte de su vida buscando aceptación y fama. Aunque recibió numerosos premios por sus fotografías, nunca sintió que su estilo fuera aceptado de la misma manera por los críticos y la audiencia. En 1927, fue el primer fotógrafo en tener una exposición individual. Durante el periodo estadounidense, fue considerado un artista íntimo, llevando al espectador dentro de su obra, incluso si la foto era sobre la ciudad de Nueva York.[8] Después de su muerte, su trabajo siguió recibiendo críticas positivas, siendo considerado un fotógrafo consistentemente fino.[9] Su obra es conocida por el uso predominante de la luz; el mismo Kertész dijo "Yo escribo con luz."[2] Kertész no era seguidor de ningún movimiento político y sus fotografías se limitaban a representar la simplicidad de la vida. Con su estilo íntimo y su tono nostálgico,[8] sus fotografías tienen una sensación de eternidad que no fue reconocida hasta después de su muerte.[4] A diferencia de otros fotógrafos, sus obras daban una idea de su estilo vida, mostrando en orden cronológico donde había estado;[2] por ejemplo, muchas de las fotografías del periodo francés fueron tomadas en cafés donde pasa la mayor parte del tiempo buscando inspiración.[4] Aunque casi nunca recibía críticas negativas, fue la falta de críticas lo que lo llevó a sentir que no era reconocido. Actualmente, Kertész es considerado el padre del periodismo fotográfico.[10] Varios fotógrafos han sido influenciados por los trabajos de Kertész, incluyendo a Henri Cartier-Bresson.[4]
Trabajos selectos
Bibliografía
Esta lista fue compilada de Capa et al.,[2] Corkin y Lifson[5] y Könemann et al.[6]
• 1933 – Enfants, publicado en París por Éditions d'Histoire et d'Art (54 fotografías)
• 1934 – Paris Vu Par André Kertész, publicado en París por Éditions d'Histoire et d'Art (48 fotografías del tiempo que pasó en París).
• 1936 – Nos Amies les Bêtes, publicado en París por Éditions d'Histoire et d'Art (60 fotografías de varios animales).
• 1937 – Les Cathédrales du Vin, publicado en París por Etablissements et Brice (28 fotografías).
• 1945 – Day of Paris, publicado en Nueva York por J.J. Augustin (126 fotografías del periodo francés).
• 1964 – André Kertész, Photographer, publicado en Nueva York por el Museo de Arte Moderno (64 fotografías de su exhibición en el MOMA).
• 1966 – André Kertész, publicado en Nueva York por Paragraphic Books (76 fotografías).
• 1968 – The Concerned Photographer, publicado en Nueva York por Grossman Publishers luego de la exhibición "The Concerned Photographer".
• 1971 – On Reading, publicado en Nueva York por Grossman Publishers (varias fotografías de gente leyendo).
• 1972 – André Kertész: Sixty Years of Photography, 1912–1972, publicado en Nueva York por Grossman Publishers (250 fotografías).
• 1974 – J'aime Paris: Photographs Since the Twenties, publicado en Nueva York por Grossman Publishers (219 fotografías de sus años en París y de sus viajes posteriores a la ciudad).
• 1975 – Washington Square, publicado en Nueva York por Grossman Publishers (104 fotografías del Washington Square Park tomadas usando un teleobjetivo).
• 1976 – Distortions, publicado en Nueva York por Alfred A. Knopf (200 fotografías de dos modelos desnudos frente a espejos cóncavos y convexos).
• 1976 – Of New York, publicado en Nueva York por Alfred A. Knopf (184 fotografías tomadas en Nueva York).
• 1977 – André Kertész, publicado en Nueva York Aperture Inc (44 fotografías, parte de la serie History of Photography de Aperture Inc).
• 1979 – Americana, publicado en Nueva York por Mayflower Books Inc (64 fotografías mostrando el estilo de vida estadounidense).
• 1979 – Birds, publicado en Nueva York por Mayflower Books Inc (64 fotografías de aves).
• 1979 – Landscapes, publicado en Nueva York por Mayflower Books Inc (64 fotografías de paisajes).
• 1979 – Portraitspublicado en Nueva York por Mayflower Books Inc (64 retratos).
• 1981 – From My Window, publicado en Boston por New York Graphic Society/Little Brown (53 fotografías en color).
Exhibiciones
Esta lista fue compilada de Capa et al.,[2] Corkin y Lifson,[5] Könemann et al.[6] y Naef et al.[1]
• 1927 – Exhibición individual en la Gallerie Au Sacre du Printemps (París).
• 1927 – "III Salon International de Fotografie" en Zaragoza.
• 1927 – "XXIIIe Salon International de Fotografie" en Paris.
• 1928 – "1er Salon Indépendant de la Photographie" en el Teatro de los Champs-Élysées (París).
• 1928 – "Exposition de Photographie" en la Galeriee L'Epoque (Bruselas.
• 1928 – "Internationale Foto-Salon" en Róterdam.
• 1929 – "Svaz cs. Klubu Fotografu Amateru" en Praga.
• 1929 – "Fotografie der Gegenwart" en Essen.
• 1929 – "Der Internationl Ausstellung von Film and Foto" en Stuttgart.
• 1930 – "Das Lichtbild", en Essen y Múnich.
• 1930 – "Primer Salón Anual de Fotografía" en Buenos Aires.
• 1930 – "11e Salon de l'Araignée" en la Galería G.L. Manuel Freres (París).
• 1930 – "Photographies d'aujourd'hui" en la Gallerie d'Art Contemporain (París).
• 1931 – "Deuxieme Groupe de Photographes" en la Gallerie d'Art Contemporain (París).
• 1931 – "Association Belge de Photographie" en Bruselas.
• 1931 – "Photographies d'aujourd'hui" en la Gallerie d'Art Contemporain (París).
• 1931 – "Neue Sportbauten" en la Graphische Lehr-und Versuchsanstalt (Viena).
• 1931 – "An Exhibition of Foreign Photography" en Nueva York.
• 1932 – "Palais des Beaux-Arts" en Internationale de la Photographie (Bruselas).
• 1932 – "Modern European Photography" en la Julien Levy Gallery (Nueva York).
• 1932 – "International Photographers" en el Brooklyn Museum (Nueva York).
• 1932 – "Modern Photography" en la Albright-Knox Art Gallery (Buffalo).
• 1932 – Exhibición sin título en el Museo Fokwang (Essen).
• 1933 – "Deuxieme Exposition Internationale de la Photographie et Cinema" en Bruselas.
• 1933 – "Groupe Annuel des Photographes" en la Galerie de la Pléiade (París).
• 1933 – "The Modern Spirit in Photography" en la Royal Photographic Society (Londres).
• 1934 – Exhibición sin título en el Leleu's Studio (París).
• 1934 – "Groupe Annuel des Photographes" en la Galerie de la Pléiade (París).
• 1934 – "Exposition de la société des artistes photographes" en el Studio Saint-Jacques (París)
• 1934 – "The Modern Spirit in Photography and Advertising" en la Royal Photographic Society (Londres).
• 1935 – Exhibición sin título en la Galerie de la Pléiade (París).
• 1936 – "Exposition Internationale de la Photographie Contemporaine" en el Musée des Arts Décoratifs (Paris).
• 1937 – "Photography 1839–1937" en el Museo de Arte Moderno (Nueva York).
• 1937 – Exhibición sin título en la PM Gallery (Nueva York).
• 1937 – "Pioneers of Modern French Photography" en la Julien Levy Gallery (Nueva York).
• 1942 – "Image of Freedom" en el Museo de Arte Moderno (Nueva York).
• 1946 – Exhibición sin título en Art Institute of Chicago.
• 1963 – Exhibición sin título en el Modernage Photo Lab (Nueva York).
• 1963 – "André Kertész" en la Biblioteca Nacional de Francia (París).
• 1964 – "André Kertész, Photographer" en el Museo de Arte Moderno (Nueva York).
• 1967 – "The Concerned Photographer" en el Riverside Museum (Nueva York). Esta exposición realizó una gira internacional.
• 1970 – "Expo '70" en el pabellón de los Estados Unidos (Osaka).
• 1971 – Exhibición sin título en la Galería Nacional de Hungría (Budapest).
• 1971 – Exhibición sin título en el Moderna Museet (Estocolmo).
• 1972 – Exhibición sin título en el Valokuvamuseon (Helsinki).
• 1977 – "André Kertész" en el Centro Pompidou (París).
• 1978 – "André Kertész" en la Silver Image Gallery (Seattle).
• 1979 – "André Kertész" en la Serpentine Gallery (Londres).
• 1982 – "André Kertész, Master of Photography" en el Chrysler Museum of Art (Norfolk).
• 1985 – "André Kertész: Of Paris and New York" en el Art Institute of Chicago.
• 1985 – Exhibición sin título en Tokio.
• 2003 – "André Kertész: The New York Period 1936 - 1985" en la Bruce Silverstein Gallery (Nueva York).
• 2005 – "The Early Years" en la Bruce Silverstein Gallery (Nueva York).
• 2005 - "André Kertész" en la Galería Nacional de Arte (Washington D. C.).
• 2007 – "The Polaroids" en la Bruce Silverstein Gallery (Nueva York).
Referencias
1. ↑ a b c d e f g h i j k l m n ñ o p q Naef, Weston; Sandra Phillips y David Travis (1985) (en inglés). André Kertész: Of Paris and New York. Chicago: Art Institute of Chicago. pp. 7–124. ISBN 0-500-54106-X.
2. ↑ a b c d e f g h i j k l m n ñ o p q r s t u v w x y z aa ab Kertész, André; Hal Hinson, Susan Harder y Hiroji Kubota (1987) (en inglés). Andre Kertesz: Diary of Light 1912-1985. Nueva York: Aperture Foundation. pp. 198–206. ISBN 0-893-81256-0.
3. ↑ a b c d e f g Jeffrey, I (1997) (en inglés). The Photography Book. Londres: Phaidon Press. pp. 240. ISBN 0-714-83634-6.
4. ↑ a b c d e f g h i j k l m n ñ o p q r s t u v Borhan, Pierre (2000) (en inglés). André Kertész: His Life and Work. Boston: Bulfinch Press Book. pp. 8–32. ISBN 0-821-22648-7.
5. ↑ a b c d e f g h i j k l m n ñ o p q r s t u v w x y z Corkin, Jane; B. Lifson (1982) (en inglés). André Kertész: A Lifetime of Photography. Londres: Thames and Hudson. pp. 9–11. ISBN 0-500-54085-3.
6. ↑ a b c d e f g h i j k l m n ñ o p q r (en inglés) Aperture Masters of Photography: André Kertész. Nueva York: Aperture Foundation. 1997. pp. 5–22, 86–94. ISBN 3-895-08611-8.
7. ↑ a b Pasi, Alessandro (2004) (en inglés). Leica: Witness To A Century. Nueva York: W.W. Norton. pp. 54–55. ISBN 0-393-05921-9.
8. ↑ a b Thornton, Gene (04-04-1976). «Andre Kertesz's Romance With Paris» (en inglés). The New York Times. Consultado el 06-01-2009.
9. ↑ Andy (04-12-1994). «Christmas Books '94; Photography» (en inglés). The New York Times. Consultado el 06-01-2009.
10. ↑ Smith, Craig (07-10-2006). «Her Budapest, From Synagogue to Cafe» (en inglés). The New York Times. Consultado el 06-01-2009.
Enlaces externos
• Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre André Kertész. Commons
• Biografía de Kertész y algunos ejemplos de su trabajo en I Photo Central (en inglés)
• Biografía de Kertész en el sitio web de The Getty Center (en inglés)
• Algunas fotografías tomadas por Kertész (en inglés)
• Masters of Photography: André Kertész (en inglés)
martes, 18 de enero de 2011
sábado, 15 de enero de 2011
Hacia la sensata maduración de los sentimientos ( en Sensatez y Sentimientos)
Sense and Sensibility
Para película de 1995, véase Sense and Sensibility (película).
Sentido y Sensibilidad
Página de título de la primera edición de la novela.
Autor
Jane Austen
Género
Novela
Subgénero
Costumbres, Romántica
Idioma
Inglés
Título original
Sense and Sensibility
País
Reino Unido
Fecha de publicación
1811
Austen escribió el primer borrador de Elinor and Marianne (Elinor y Marianne) (más tarde retitulado Sentido y sensibilidad) hacia 1795, cuando tenía unos 19 años. En su adolescencia había escrito un buen número de relatos cortos; Elinor y Marianne fue su primera novela larga. Puede ser considerada una novela de costumbres, pudiendo describirse mejor como un ensayo sobre la psicología humana.
Formato
Papel, Rústico y Cartoné
ISBN
ISBN 956-13-1874-1 [a]
Serie
Sentido y Sensibilidad
Orgullo y prejuicio
Sense and Sensibility, título original en inglés, también conocida como Sentido y sensibilidad, Sensatez y sentimientos, Juicio y sentimiento o Juicio y sensibilidad, es una novela de la escritora británica Jane Austen publicada en 1811. Fue la primera de las novelas de Austen en ser publicadas, bajo el seudónimo de "A Lady" (una dama). Ha sido adaptada para el cine y la televisión numerosas veces, destacando la versión de Ang Lee en 1995.
Contenido
• 1 Sinopsis
o 1.1 Introducción
o 1.2 Resumen de la trama
• 2 Personajes en Sentido y sensibilidad
o 2.1 La familia Dashwood
o 2.2 Los Middleton
o 2.3 La familia Ferrars
o 2.4 Otros personajes
• 3 Valoración crítica
• 4 Adaptaciones al cine, la televisión y el teatro
• 5 Notas
• 6 Enlaces externos
Sinopsis
Introducción
Las protagonistas son las hermanas Elinor y Marianne Dashwood, que viven con su madre, la señora Dashwood, y su hermana menor, Margaret. Después de la muerte de su padre el patrimonio familiar pasa a su medio hermano, John Dashwood, único descendiente masculino e hijo de un primer matrimonio; la familia queda con casi nada y se muda a una casita en el campo que les ofrece un pariente. La novela sigue a las hermanas Dashwood a su nuevo hogar, donde experimentan tanto el romance como una desilusión amorosa. Allí conocen a tres hombres: Edward Ferrars, Willoughby y al Coronel Brandon.
Elinor y Marianne tienen temperamentos opuestos. Tradicionalmente, se ha considerado que Elinor, la mayor, con 19 años, representa el "sentido" (razón) del título y Marianne, que tiene 17, representa la "sensibilidad" (emoción). Sin embargo, este punto de vista es muy limitado. Un examen detallado de la novela permite ver en cada hermana diferentes aspectos de cada uno de estos rasgos.
El contraste entre los caracteres de las hermanas se resuelve finalmente cuando cada una de ellas encuentra el amor y una felicidad duradera.
Resumen de la trama
La señora Dashwood y sus hijas Elinor, Marianne, y Margaret, quedan empobrecidas después de la muerte de su marido. Su finca, Norland en Sussex, debe pasar a John Dashwood, hijo de su primer matrimonio. Aunque John prometió a su padre cuidar de su madrastra y hermanas, su egoísta esposa, Fanny, fácilmente le disuade de darles parte de su herencia. Las Dashwood son tratadas como huéspedes no deseados en su propio hogar, y pronto empiezan a buscar otro lugar en el que vivir.
Mientras tanto, Elinor se siente atraída por el hermano de Fanny, Edward Ferrars, que está de visita. Edward es un joven callado, sin pretensiones, con un agradable carácter. No tiene ningún deseo de cumplir los deseos de su madre y hermana que quieren verlo como un famoso político o una "figura elegante en el mundo". Aunque no es guapo ni encantador, Elinor pronto admira la inteligencia de Edward y su buen sentido. Sin embargo, la fortuna de Edward depende del deseo de su madre. Elinor sabe que la señora Ferrars quiere que su hijo se case con una dama de alto rango, y no se permite a si misma concebir esperanzas de matrimonio.
La señora Dashwood y sus hijas pronto marchan de Norland a Barton Cottage, en Devonshire. Su casero es Sir John Middleton, un primo lejano que generosamente les ofrece una renta baja. Vive en Barton Park con su mujer, fría y elegante, y sus hijos. También se quedan en Barton Park la madre de Lady Middleton, la señora Jennings, y el Coronel Brandon, un viejo amigo de Sir John. La señora Jennings, una jovial mujer mayor a la que le encanta bromear y chismorrear, decide pronto que el Coronel Brandon debe enamorarse de Marianne. Ella bromea con ambos sobre el tema, para confusión de Marianne, quien considera que el Coronel Brandon, de 35 años, es un viejo solterón enfermizo, incapaz de enamorarse o inspirar amor a nadie.
Una ilustración del s. XIX con Willoughby cortando un rizo de Marianne.
Un día, Marianne y Margaret pasean por la campiña cercana a Barton Cottage y se ven sorprendidas por la lluvia. En su desesperado intento por llegar a casa, Marianne se resbala en la hierba húmeda y se tuerce un tobillo. Margaret no puede detener su vertiginoso descenso y bajo la intensa lluvia, llega primera al hogar. El señor Willoughby, joven gallardo y guapo, pasa por allí. Rescata a Marianne, y se gana su admiración y la de la familia al llevarla de vuelta a casa. Después de este incidente, Willoughby comienza a visitar a Marianne cada día.
Los dos se hacen íntimos, y Elinor y la señora Dashwood comienzan a sospechar que la pareja se ha prometido en secreto. Sin embargo, la naturaleza sentimental de la señora Dashwood le impide seguir el consejo de Elinor y preguntarle simplemente a Marianne sobre su relación con Willoughby. Marianne queda desolada cuando Willoughby inesperadamente anuncia que debe marcharse a Londres por asuntos de negocios, para no regresar al menos por un año.
Edward Ferrars viene a visitar a las Dashwood a Barton Cottage, pero parece infeliz y se mantiene distante respecto a Elinor. Ésta teme que él ya no tenga sentimientos hacia ella. Sin embargo, a diferencia de Marianne, ella no se permite regodearse en su tristeza.
Poco después, Anne y Lucy Steele, primas de Sir John Middleton, vienen a quedarse en Barton Park. Sir John dice a Lucy que Elinor está unida a Edward, lo que impulsa a Lucy a informar a Elinor en una confidencia que ella (Lucy) está prometida a Edward en secreto desde hace cinco años. Aunque Elinor inicialmente culpa a Edward por comprometer sus afectos cuando él no era libre para hacerlo, pronto se da cuenta de que se prometió con Lucy cuando era joven e ingenuo. Elinor comprende que Edward no ama ni admira a Lucy, pero que no la herirá ni deshonrará rompiendo su compromiso. Elinor oculta su desilusión a su familia y amigos, y logra convencer a Lucy de que ella no siente nada por Edward.
Elinor y Marianne pasan el invierno en la casa de la señora Jennings en Londres. Marianne escribe a Willoughby, pero sus cartas quedan sin respuesta. Encuentran a Willoughby en una reunión, y él las trata fríamente de una manera formal. Más tarde envía a Marianne una carta informándola de que se ha comprometido con la señorita Grey, una mujer muy rica de clase inferior. Marianne reconoce ante Elinor que ella y Willoughby nunca se prometieron, pero que ella lo amaba y que él la hizo pensar que era verdaderamente correspondida.
El coronel Brandon revela a Elinor que Willoughby había seducido a la hija adoptiva del coronel, la señorita Eliza Williams, y la abandonó cuando quedó embarazada. El coronel estuvo en una ocasión enamorado de la madre de la señorita Williams, una mujer que se parecía a Marianne y cuya vida quedó destruida por un infeliz matrimonio arreglado con el hermano del coronel.
Más tarde, la señora Jennings cuenta a Elinor que la señora Ferrars había descubierto el compromiso entre Edward y Lucy. Edward se niega a acabar con el compromiso y su madre lo deshereda. Elinor y Marianne lo lamentan por Edward, y piensan que él es muy honrado al permanecer prometido a una mujer con la que probablemente no sea feliz. Anne Steele dice a Elinor que Lucy aún pretende casarse con Edward, quien pretende tomar las órdenes sagradas para poder mantenerse. El coronel Brandon, sabiendo que la vida puede quedar arruinada si se niega el verdadero amor, ofrece su parroquia de Delaford a Edward, aunque lo conoce muy poco. Elinor conoce al aburrido hermano de Edward, llamado Robert y queda sorprendida al descubrir que él no tiene reparos en obtener la herencia de su hermano.
Marianne enferma gravemente después de un paseo por la lluvia durante la cual ella se ve superada por el sufrimiento debido a Willoughby, y el coronel Brandon va a buscar a la señora Dashwood. Willoughby llega y dice a Elinor que él tenía enormes deudas cuando su benefactora descubrió sus acciones hacia la señorita Williams y lo desheredó. Entonces decidió casarse con una mujer rica. Dice que aún ama a Marianne. Busca su perdón, pero sus egoístas acciones carecen de justificación. Mientras tanto, el coronel Brandon descubre a la señora Dashwood su amor por Marianne.
Marianne se recupera y las Dashwood regresan a Barton Cottage. Elinor le cuenta a Marianne la visita de Willoughby. Sin embargo, Marianne afirma que aunque ella lo amó, no podía haber sido feliz con el padre libertino de un niño ilegítimo, incluso si él hubiera permanecido a su lado. Marianne afirma también que se da cuenta de que su enfermedad sólo se debía a que se regodeaba en su dolor, por su excesiva sensibilidad, y que, de haber muerto, habría sido el equivalente moral de un suicidio. Refiriéndose en particular a la bravura y buen sentido de Elinor, decide reformarse.
La familia descubre que Lucy se ha casado con el señor Ferrars. Cuando la señora Dashwood se da cuenta de lo disgustada que está Elinor, finalmente comprende que los sentimientos de Elinor hacia Edward son fuertes, y lamenta no haber prestado más atención a su infelicidad. Sin embargo, al día siguiente llega Edward y revela que Lucy no se ha casado con él sino con su hermano. Dice que quedó atrapado en este compromiso con Lucy "una mujer a la que había dejado de amar hacía tiempo", pero que ella rompió el compromiso para casarse con el ahora rico Robert. Le pide a Elinor que se case con él, y ella accede. Edward se reconcilia con su madre, que le da 10.000 libras, suficiente para que ellos vivan confortablemente. Se casan y se mudan a la parroquia de Delaford. Sin embargo, la reconciliación de Edward con su madre es parcial e insuficiente. Su madre le repudió por querer casarse con Lucy, pero cuando ésta se casó con su segundo hijo, la señora Ferrars se hizo amiga suya, y continúa favoreciéndolo, sin que Edward recupere plenamente su posición anterior.
La patrona del señor Willoughby al final le deja su dinero, afirmando que su matrimonio con una mujer de buen carácter lo redime. Willoughby se da cuenta entonces de que casarse con Marianne hubiera producido el mismo resultado. Debe vivir sabiendo que en caso de haberse comportado honorablemente, podría haber tenido tanto el amor como el dinero.
En los dos años siguientes, la señora Dashwood, Marianne y Margaret pasan la mayor parte de su tiempo en Delaford. Marianne madura y decide casarse con el coronel, aunque hacia él siente más respeto que pasión. No obstante, después del matrimonio se da cuenta de que lo ama de verdad. Ella y el coronel se establecen cerca de Elinor y Edward, de manera que las hermanas y sus maridos pueden visitarse a menudo.
Personajes en Sentido y sensibilidad
La familia Dashwood
• Henry Dashwood — un caballero rico que muere al principio de la historia. Los términos de su patrimonio le impiden dejar nada a su segunda esposa y las hijas que han tenido juntos. Le pide a John, su hijo mayor, nacido de un primer matrimonio, que cuide (en el sentido de darles seguridad financiera) a su segunda esposa y sus tres hijas.
• La señora Dashwood — la segunda esposa de Henry Dashwood, quien queda en difícil situación debido a la muerte de su esposo.
• Elinor Dashwood — la sensible y reservada hermana mayor de los Dashwood. Se siente atraída por Edward Ferrars, el cuñado de su medio-hermano mayor, John.
• Marianne Dashwood — la segunda hija, con inclinaciones románticas y muy expresiva. Es objeto de atenciones por parte del Coronel Brandon y el señor Willoughby.
• Margaret Dashwood — la hija menor de los señores Dashwood. Interesada en Geografía Mundial.
• John Dashwood — el hijo de Henry Dashwood, nacido del primer matrimonio de éste.
• Fanny Dashwood — la esposa de John Dashwood, y hermana de Edward y Robert Ferrars.
Los Middleton
• Sir John Middleton — un pariente lejano de la señora Dashwood quien, después de la muerte de Henry Dashwood, la invita a ella y sus tres hijas, a vivir en una casita de su propiedad. Middleton, su esposa y sus hijos reciben la visita de su suegra, la señora Jennings. Él y la señora Jennings son una pareja vital y chismosa, que se interesan por los asuntos románticos de los jóvenes que los rodean, y se esfuerzan por animar enlaces apropiados.
• Lady Middleton — La refinada y frívola esposa de Sir John Middleton, preocupada principalmente por mimar a sus cuatro hijos malcriados.
• Charlotte Palmer — la hija de la señora Jennings y hermana menor de Lady Middleton, la señora Palmer es una cabeza hueca que se ríe de cosas inapropiadas, como la continua grosería de su esposo, hacia ella y los demás.
• El señor Palmer — el marido de Charlotte Palmer quien se presenta como candidato para un asiento en el Parlamento a pesar de su holgazanería y grosería.
• Lucy Steele — un pariente joven y distante de la señora Jennings, quien ha estado prometida durante algún tiempo secretamente con Edward Ferrars. Asiduamente cultiva la amistad con Elinor Dashwood y con la señora de John Dashwood. Es manipuladora e intrigante.
• Anne/Nancy Steele — hermana mayor de Lucy Steele.
La familia Ferrars
• Edward Ferrars — El mayor de los dos hermanos de Fanny Dashwood. Se siente atraído por Elinor Dashwood. Años antes de conocerla, Ferrars le propuso matrimonio a Lucy Steele, la sobrina de su tutor. El compromiso ha sido mantenido en secreto debido a que esperan que la familia se oponga a este matrimonio.
• Robert Ferrars — el hermano menor de Edward Ferrars y Fanny Dashwood.
• Mrs. Ferrars — Madre de Fanny Dashwood, Edward y Robert Ferrars. Una mujer de mal carácter, vana, que personifica todos las debilidades que demuestran Fanny y Robert. Está decidida a que sus hijos se casen bien, por lo que acaba repudiando a Edward por su compromiso con la oportunista Lucy Steele, pero luego irónicamente acaba apoyando a Robert a pesar de que este se casa con Lucy.
Otros personajes
• Coronel Brandon — un amigo íntimo de Sir John Middleton. En su juventud, Brandon se enamoró de la pupila de su padre, pero su familia le impidió casarse con ella porque estaba destinada a su hermano mayor. Fue enviado al extranjero para alejarlo de ella, y mientras él estaba fuera, ella sufrió varias desgracias en parte como consecuencia de su matrimonio, y finalmente murió en la miseria, y con una hija natural, de quien se hace cargo el coronel Brandon.
• John Willoughby — un sobrino de una vecina de los Middleton ( Señora Smith ), una figura elegante que encanta a Marianne.
• La señorita Grey — una rica heredera con la que el señor Willoughby se casa después de ser desheredado para mantener su cómodo estilo de vida.
• Lord Morton — el padre de la señorita Morton
• La señorita Morton — una mujer rica con quien la señora Ferrars quiere casar a su hijo mayor, Edward.
• El señor Pratt — un tío de Lucy Steele.
Valoración crítica
Austen escribió el primer borrador de Elinor and Marianne (Elinor y Marianne) (más tarde retitulado Sentido y sensibilidad) hacia 1795, cuando tenía unos 19 años. En su adolescencia había escrito un buen número de relatos cortos; Elinor y Marianne fue su primera novela larga. Puede ser considerada una novela de costumbres, pudiendo describirse mejor como un ensayo sobre la psicología humana.
Aparecen en esta obra, de forma precisa, la vulgaridad y la ambición de la época napoleónica, en que la Ilustración destruye toda estructura de la ingenua fe medieval y la ciencia inspirara una nueva forma de filosofía que enfatizaba la búsqueda de los placeres terrenales; asimismo, refleja los momentos iniciales del Romanticismo del siglo XIX, movimiento que se propone revisar los progresos del siglo de las Luces, los efectos de la urbanización, mecanización y racionalismo.
No obstante, la principal característica de la novela es el análisis de las reacciones y reflexiones del alma humana. La trama gira en torno al contraste entre el buen sentido de Elinor y las emociones de Marianne. Las dos hermanas están muy unidas a pesar de su diferente temperamento: la primera es reflexiva y dispuesta a aplicar las normas de la civilización en toda ocasión, la segunda es impulsiva y emocional. Estos dos personajes pudieron basarse vagamente en Jane y Cassandra Austen, con Austen representando a Cassandra como la hermana reprimida y juiciosa y ella misma como la emocional. Austen claramente pretende reivindicar el buen sentido y contención de Elinor, y a un nivel simple, la novela puede leerse como una parodia del pleno romanticismo y sensibilidad que estaba de moda en los años 1790.
Aun así, el tratamiento que Austen hace de las dos hermanas es complejo y tiene muchas facetas. La biógrafa de Austen, Claire Tomalin, argumenta que Sentido y sensibilidad tiene una "debilidad en su tratamiento," que se desarrolla porque Austen, a lo largo de la escritura de la novela, gradualmente fue sintiéndose menos segura sobre si es el buen juicio o la sensibilidad lo que debían triunfar.[1] Proporciona a Marianne todas las cualidades atractivas: inteligencia, talento musical, franqueza, y la capacidad de amar profundamente. También le reconoce a Willoughby, a pesar de todos sus defectos, el mérito de continuar amando y, hasta cierto punto, apreciando a Marianne. Por estas razones, algunos lectores encuentran que el matrimonio de Marianne con el coronel acabe siendo un final poco satisfactorio.[2] El final, sin embargo, une hábilmente los temas del sentido y la sensibilidad aunque haga que la hermana juiciosa se case con el hombre que ama después de largos y románticos obstáculos que se interponen en su camino, y la hermana sensible encuentra la felicidad con un hombre al que inicialmente no ama, pero que era una muy juiciosa elección como marido.
Elionor es el verdadero hilo conductor de la novela. Las posibilidades que la época ofrece a las mujeres (en busca de un marido rico y una vida ociosa llena de fiestas y de visitas) chocan con la sinceridad y la fidelidad al corazón de las dos hermanas, que escogen "los peores partidos", movidas por el sentimiento. Jane Austen expone con maestría las sutilezas del juego que se establece entre nobles ambiciosos, insensibles a todos, la clase media ansiosa de ascender en la vida y el matrimonio como medio de ennoblecerse. Nada nos autoriza a sostener, como se ha visto, que es un romance "sobre intrigas domésticas" o sobre "una hermana racional y otra sentimental" (como se ha dicho usando como justificación el título). Por el contrario, es una pregunta siempre relevante: lo que parece útil a corto plazo, ¿a largo plazo valdrá la pena? La ambición, ¿puede garantizar verdaderamente una comodidad y una riqueza mayores? Los "bobos" que se dejan guiar por sus sentimientos, ¿tienen al final mejores resultados, como parece decir la autora? Es necesaria la virtud.
Por lo demás, la obra presenta la cuidada estructura clásica, en la que cada incidente tiene sentido en relación con el conjunto. Se usa la sutil ironía de Austen en su mejor momento, con muchos pasajes cómicos sobresalientes sobre los Middleton, los Palmer, la señora Jennings, y Lucy Steele.
Adaptaciones al cine, la televisión y el teatro
Sentido y sensibilidad ha tenido varias adaptaciones[1]:
• 1971: Sense and Sensibility, serie de la BBC con Joanna David como Elinor Dashwood y Ciaran Madden como Marianne Dashwood
• 1981: Sense and Sensibility, serie de la BBC con Irene Richard como Elinor Dashwood y Tracey Childs como Marianne Dashwood
• 1995: Sentido y sensibilidad, película protagonizada por Emma Thompson en el papel de Elinor Dashwood, Kate Winslet como Marianne Dashwood, con Hugh Grant en el papel de Edward Ferrars y Alan Rickman como coronel Brandon; junto a ellos, un plantel de destacados actores ingleses: James Fleet, Tom Wilkinson, Robert Hardy, Greg Wise, Imelda Staunton o Hugh Laurie. Dirigida por Ang Lee, fue una película de gran éxito. La actriz Emma Thompson logró un óscar por el guión, que se tomaba algunas libertades con la historia de Austen para adecuarse a los intereses de una audiencia moderna.
• 2000: Kandukondain Kandukondain, una película india contemporánea con ambientación en el presente, basada en la misma trama, con la actriz Tabu como Sowmya (Elinor Dashwood), Aishwarya Rai como Meenakshi (Marianne Dashwood), con Ajit como Manohar (Edward Ferrars), Abbas como Srikanth (Willoughby) y Mammootty como Captain Bala (Coronel Brandon).
• 2009: Sense and Sensibility, serie de la BBC con Hattie Morahan como Elinor Dashwood, Charity Wakefield como Marianne Dashwood, Dan Stevens como Edward Ferrars y David Morrissey como el Coronel Brandon.
Notas
a. ↑ Este es solo un ISBN de los muchos que hay de la obra (puesto como ejemplo), han sido publicadas muchísimas ediciones diferentes a lo largo de casi 200 años.
1. ↑ Claire Tomalin, Jane Austen: A Life (Nueva York: Vintage, 1997), p.155.
2. ↑ Tomalin, Jane Austen: A Life, pp. 156-157.
• Ediciones recientes en España, según el ISBN:
o Sentido y sensibilidad, Ediciones B, S.A., 1997
o Juicio y sentimiento, Ediciones B, S.A., 1997
o Juicio y sentimiento, Círculo de Lectores, S.A., 1997
o Sentido y sensibilidad, RBA Coleccionables, S.A., 1997 y 2004
o Sentido y sensibilidad, Plaza & Janés Editores, S.A., 2000
o Sentido y sensibilidad, Editorial Andrés Bello, 2000
o Sentido y sensibilidad, Nuevas Ediciones de Bolsillo, 2000 y 2003
o Sentido y sensibilidad, Punto de Lectura, S.L., 2001
o Sentido y sensibilidad, Edimat Libros, 2002 y 2005
o Juicio y sentimiento, Alba Editorial, S.L., 2006
Enlaces externos
• Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Sense and Sensibility. Wikiquote
• Wikisource contiene obras originales de o sobre Sense and Sensibility.Wikisource
• Sentido y sensibilidad en Proyecto Gutenberg (en inglés)
• Cronología de Sentido y sensibilidad (en inglés)
• Sense and Sensibility, online en Biblioteca Ye Olde (en inglés)
• Sense and Sensibility, texto completo online (en inglés)
• Sense and Sensibility Audiolibro gratuito en LibriVox (en inglés)
• Sense and Sensibility Análisis literario de la novela (en inglés)
• Grade Saver - Notas y análisis sobre Sentido y sensibilidad (en inglés)
Sense and Sensibility (película)
Sense and Sensibility
Título
Sentido y sensibilidad (España)
Sensatez y sentimientos (Hispanoamérica)
Ficha técnica
Dirección
Ang Lee
Producción
Lindsay Doran
Guión
Emma Thompson
Música
Patrick Doyle
Fotografía
Michael Coulter
Reparto
Emma Thompson
Kate Winslet
Gemma Jones
Hugh Grant
Emilie François
Alan Rickman
Greg Wise
James Fleet
Elizabeth Spriggs
Tom Wilkinson
Robert Hardy
Imelda Staunton
Harriet Walker
Hugh Laurie
Imogen Stubbs
Datos y cifras
País(es)
Reino Unido
Año
1995
Género
Drama
Duración
135 min
Compañías
Distribución
Warner Bros
Sense and Sensibility (conocida como Sentido y sensibilidad en España y Sensatez y sentimientos en Hispanoamérica) es una película de 1995 dirigida por Ang Lee, y basada en la novela del mismo título de Jane Austen.
Contenido
• 1 Sinopsis
• 2 Sobre el proyecto
• 3 Reparto
• 4 Comentario
• 5 Curiosidades
Sinopsis
Elinor, Marianne y Margaret Dashwood son tres huérfanas cuyo hermanastro, (John) debido a los convencionalismos de la época, es el único heredero de todo lo perteneciente a su padre. Teniendo que sobrevivir junto a su madre con una dote anual de 500 libras, se ven obligadas a llevar una vida austera en el campo. Antes de abandonar su antiguo hogar, Elinor conoce al cuñado de John, Edward, de quien se enamora. Una vez instalados en la campiña Marianne se fija en un joven apuesto, John Willoughby, un hombre cuyo comportamiento con Marianne provocará en ella un doloroso proceso de maduración.
Sobre el proyecto
Basada en la novela homónima de Jane Austen, Sense and Sensibility es el producto de dos determinaciones: la de la productora Lindsay Doran y Emma Thompson enamoradas del original literario. Ésta última se encargó de escribir el guión, llegando a redactar varios borradores, uno de ellos elaborado en la Toscana durante el rodaje de Mucho ruido y pocas nueces (1993). El proyecto salió adelante cuando Sydney Pollack decidió apoyarlo, planteando preguntas pertinentes a la guionista, entre ellas ¿Por qué estas mujeres no salen a buscar empleo?... Buscaron así mismo la complicidad de Ang Lee, sabiendo que la novela de Austen encajaba en la temática del realizador: relaciones familiares basadas en la hipocresía, la mediocridad de entornos sociales viciados...
Cuando se estrenó la película, los críticos le brindaron su apoyo. Al poco tiempo cosechaba el Globo de Oro a la mejor película dramática y al mejor guión así como el Oso de Oro en el Festival de Berlín (1996). Emma Thompson recibió su segundo Oscar -esta vez en calidad de guionista- de manos de Sir Anthony Hopkins.
Reparto
• Emma Thompson ..... Elinor Dashwood
• Alan Rickman ..... Col. Christopher Brandon
• Kate Winslet ..... Marianne Dashwood
• Hugh Grant ..... Edward Ferrars
• Greg Wise ..... John Willoughby
• Gemma Jones ..... Sra. Dashwood
• Robert Hardy ..... Sir John Middleton
• James Fleet ..... John Dashwood
• Harriet Walter ..... Fanny Ferrars Dashwood
• Imelda Staunton ..... Charlotte Jennings Palmer
• Imogen Stubbs ..... Lucy Steele
• Hugh Laurie ..... Sr. Palmer
• Emilie François ..... Margaret Dashwood
• Elizabeth Spriggs ..... Sra. Jennings
• Richard Lumsden ..... Robert Ferrars
• Lone Vidahl ..... Señorita Grey
• Tom Wilkinson ..... Sr. Dashwood
Comentario
Si bien Sense and Sensibility gozó de cierto prestigio, una parte de la crítica disintió, acusando al filme de recurrir a trucos bastantes enfatizantes (cf.planos de excrementos de caballo que ponen de relieve la mediocridad del ambiente, la caracterización de uno de los personajes más negativos de negro; un travelling que recoge la confesión que lleva a cabo una arribista precisamente a éste último), así como una querencia a un tipo de humor a veces no muy refinado.
Entre las virtudes que le reconocen incluso los detractores del filme se puede contar el empleo de una banda sonora sostenida en dos temas asociados a las personalidades de sus dos protagonistas (uno sereno acorde a la actitud de Eilinor y otro apasionado destinado a Mariane) así como el acierto de elegir el caballo como signo visual que marca la evolución de Mariane y por ende la del todo el relato, por no mencionar una panorámica que sintetiza el proceso de maduración de ésta última en la recta final del largometraje.
Los admiradores de Sense and Sensibility aducen en su defensa el retrato crítico de una sociedad cerrada sobre sí misma, clasista y llena de contradicciones internas donde abunda el cotilleo y el desprecio hacia el prójimo, así como un atmósfera distendida. Es una película que muestra como una ley, "sexista" e injusta, hace que los derechos del hombre predomine ante los derechos de la mujer. El guión de esta película, ganó un Oscar.
Curiosidades
• En la película, coincidieron seis actores que tuvieron papel en las películas de Harry Potter:
Emma Thompson como Elinor Dashwood; Sybil Trelawney
Alan Rickman, Coronel Brandon; Severus Snape
Gemma Jones, la señora Dashwood, Madam Pomfrey
Robert Hardy, Sir John Middleton, Cornelius Fudge
Elizabeth Spriggs, la señora Jennings, The Fat Lady
Imelda Staunton, Charlotte Palmer, Dolores Umbridge
• También han coincidido en la película Love Actually Alan Rickman, Emma Thompson y Hugh Grant.
• El papel del grosero e impertinente señor Palmer, siempre ofensivo con su mujer y con quien le dirige la palabra, fue interpretado por el actor que encarna al popular doctor House televisivo, Hugh Laurie.
Para película de 1995, véase Sense and Sensibility (película).
Sentido y Sensibilidad
Página de título de la primera edición de la novela.
Autor
Jane Austen
Género
Novela
Subgénero
Costumbres, Romántica
Idioma
Inglés
Título original
Sense and Sensibility
País
Reino Unido
Fecha de publicación
1811
Austen escribió el primer borrador de Elinor and Marianne (Elinor y Marianne) (más tarde retitulado Sentido y sensibilidad) hacia 1795, cuando tenía unos 19 años. En su adolescencia había escrito un buen número de relatos cortos; Elinor y Marianne fue su primera novela larga. Puede ser considerada una novela de costumbres, pudiendo describirse mejor como un ensayo sobre la psicología humana.
Formato
Papel, Rústico y Cartoné
ISBN
ISBN 956-13-1874-1 [a]
Serie
Sentido y Sensibilidad
Orgullo y prejuicio
Sense and Sensibility, título original en inglés, también conocida como Sentido y sensibilidad, Sensatez y sentimientos, Juicio y sentimiento o Juicio y sensibilidad, es una novela de la escritora británica Jane Austen publicada en 1811. Fue la primera de las novelas de Austen en ser publicadas, bajo el seudónimo de "A Lady" (una dama). Ha sido adaptada para el cine y la televisión numerosas veces, destacando la versión de Ang Lee en 1995.
Contenido
• 1 Sinopsis
o 1.1 Introducción
o 1.2 Resumen de la trama
• 2 Personajes en Sentido y sensibilidad
o 2.1 La familia Dashwood
o 2.2 Los Middleton
o 2.3 La familia Ferrars
o 2.4 Otros personajes
• 3 Valoración crítica
• 4 Adaptaciones al cine, la televisión y el teatro
• 5 Notas
• 6 Enlaces externos
Sinopsis
Introducción
Las protagonistas son las hermanas Elinor y Marianne Dashwood, que viven con su madre, la señora Dashwood, y su hermana menor, Margaret. Después de la muerte de su padre el patrimonio familiar pasa a su medio hermano, John Dashwood, único descendiente masculino e hijo de un primer matrimonio; la familia queda con casi nada y se muda a una casita en el campo que les ofrece un pariente. La novela sigue a las hermanas Dashwood a su nuevo hogar, donde experimentan tanto el romance como una desilusión amorosa. Allí conocen a tres hombres: Edward Ferrars, Willoughby y al Coronel Brandon.
Elinor y Marianne tienen temperamentos opuestos. Tradicionalmente, se ha considerado que Elinor, la mayor, con 19 años, representa el "sentido" (razón) del título y Marianne, que tiene 17, representa la "sensibilidad" (emoción). Sin embargo, este punto de vista es muy limitado. Un examen detallado de la novela permite ver en cada hermana diferentes aspectos de cada uno de estos rasgos.
El contraste entre los caracteres de las hermanas se resuelve finalmente cuando cada una de ellas encuentra el amor y una felicidad duradera.
Resumen de la trama
La señora Dashwood y sus hijas Elinor, Marianne, y Margaret, quedan empobrecidas después de la muerte de su marido. Su finca, Norland en Sussex, debe pasar a John Dashwood, hijo de su primer matrimonio. Aunque John prometió a su padre cuidar de su madrastra y hermanas, su egoísta esposa, Fanny, fácilmente le disuade de darles parte de su herencia. Las Dashwood son tratadas como huéspedes no deseados en su propio hogar, y pronto empiezan a buscar otro lugar en el que vivir.
Mientras tanto, Elinor se siente atraída por el hermano de Fanny, Edward Ferrars, que está de visita. Edward es un joven callado, sin pretensiones, con un agradable carácter. No tiene ningún deseo de cumplir los deseos de su madre y hermana que quieren verlo como un famoso político o una "figura elegante en el mundo". Aunque no es guapo ni encantador, Elinor pronto admira la inteligencia de Edward y su buen sentido. Sin embargo, la fortuna de Edward depende del deseo de su madre. Elinor sabe que la señora Ferrars quiere que su hijo se case con una dama de alto rango, y no se permite a si misma concebir esperanzas de matrimonio.
La señora Dashwood y sus hijas pronto marchan de Norland a Barton Cottage, en Devonshire. Su casero es Sir John Middleton, un primo lejano que generosamente les ofrece una renta baja. Vive en Barton Park con su mujer, fría y elegante, y sus hijos. También se quedan en Barton Park la madre de Lady Middleton, la señora Jennings, y el Coronel Brandon, un viejo amigo de Sir John. La señora Jennings, una jovial mujer mayor a la que le encanta bromear y chismorrear, decide pronto que el Coronel Brandon debe enamorarse de Marianne. Ella bromea con ambos sobre el tema, para confusión de Marianne, quien considera que el Coronel Brandon, de 35 años, es un viejo solterón enfermizo, incapaz de enamorarse o inspirar amor a nadie.
Una ilustración del s. XIX con Willoughby cortando un rizo de Marianne.
Un día, Marianne y Margaret pasean por la campiña cercana a Barton Cottage y se ven sorprendidas por la lluvia. En su desesperado intento por llegar a casa, Marianne se resbala en la hierba húmeda y se tuerce un tobillo. Margaret no puede detener su vertiginoso descenso y bajo la intensa lluvia, llega primera al hogar. El señor Willoughby, joven gallardo y guapo, pasa por allí. Rescata a Marianne, y se gana su admiración y la de la familia al llevarla de vuelta a casa. Después de este incidente, Willoughby comienza a visitar a Marianne cada día.
Los dos se hacen íntimos, y Elinor y la señora Dashwood comienzan a sospechar que la pareja se ha prometido en secreto. Sin embargo, la naturaleza sentimental de la señora Dashwood le impide seguir el consejo de Elinor y preguntarle simplemente a Marianne sobre su relación con Willoughby. Marianne queda desolada cuando Willoughby inesperadamente anuncia que debe marcharse a Londres por asuntos de negocios, para no regresar al menos por un año.
Edward Ferrars viene a visitar a las Dashwood a Barton Cottage, pero parece infeliz y se mantiene distante respecto a Elinor. Ésta teme que él ya no tenga sentimientos hacia ella. Sin embargo, a diferencia de Marianne, ella no se permite regodearse en su tristeza.
Poco después, Anne y Lucy Steele, primas de Sir John Middleton, vienen a quedarse en Barton Park. Sir John dice a Lucy que Elinor está unida a Edward, lo que impulsa a Lucy a informar a Elinor en una confidencia que ella (Lucy) está prometida a Edward en secreto desde hace cinco años. Aunque Elinor inicialmente culpa a Edward por comprometer sus afectos cuando él no era libre para hacerlo, pronto se da cuenta de que se prometió con Lucy cuando era joven e ingenuo. Elinor comprende que Edward no ama ni admira a Lucy, pero que no la herirá ni deshonrará rompiendo su compromiso. Elinor oculta su desilusión a su familia y amigos, y logra convencer a Lucy de que ella no siente nada por Edward.
Elinor y Marianne pasan el invierno en la casa de la señora Jennings en Londres. Marianne escribe a Willoughby, pero sus cartas quedan sin respuesta. Encuentran a Willoughby en una reunión, y él las trata fríamente de una manera formal. Más tarde envía a Marianne una carta informándola de que se ha comprometido con la señorita Grey, una mujer muy rica de clase inferior. Marianne reconoce ante Elinor que ella y Willoughby nunca se prometieron, pero que ella lo amaba y que él la hizo pensar que era verdaderamente correspondida.
El coronel Brandon revela a Elinor que Willoughby había seducido a la hija adoptiva del coronel, la señorita Eliza Williams, y la abandonó cuando quedó embarazada. El coronel estuvo en una ocasión enamorado de la madre de la señorita Williams, una mujer que se parecía a Marianne y cuya vida quedó destruida por un infeliz matrimonio arreglado con el hermano del coronel.
Más tarde, la señora Jennings cuenta a Elinor que la señora Ferrars había descubierto el compromiso entre Edward y Lucy. Edward se niega a acabar con el compromiso y su madre lo deshereda. Elinor y Marianne lo lamentan por Edward, y piensan que él es muy honrado al permanecer prometido a una mujer con la que probablemente no sea feliz. Anne Steele dice a Elinor que Lucy aún pretende casarse con Edward, quien pretende tomar las órdenes sagradas para poder mantenerse. El coronel Brandon, sabiendo que la vida puede quedar arruinada si se niega el verdadero amor, ofrece su parroquia de Delaford a Edward, aunque lo conoce muy poco. Elinor conoce al aburrido hermano de Edward, llamado Robert y queda sorprendida al descubrir que él no tiene reparos en obtener la herencia de su hermano.
Marianne enferma gravemente después de un paseo por la lluvia durante la cual ella se ve superada por el sufrimiento debido a Willoughby, y el coronel Brandon va a buscar a la señora Dashwood. Willoughby llega y dice a Elinor que él tenía enormes deudas cuando su benefactora descubrió sus acciones hacia la señorita Williams y lo desheredó. Entonces decidió casarse con una mujer rica. Dice que aún ama a Marianne. Busca su perdón, pero sus egoístas acciones carecen de justificación. Mientras tanto, el coronel Brandon descubre a la señora Dashwood su amor por Marianne.
Marianne se recupera y las Dashwood regresan a Barton Cottage. Elinor le cuenta a Marianne la visita de Willoughby. Sin embargo, Marianne afirma que aunque ella lo amó, no podía haber sido feliz con el padre libertino de un niño ilegítimo, incluso si él hubiera permanecido a su lado. Marianne afirma también que se da cuenta de que su enfermedad sólo se debía a que se regodeaba en su dolor, por su excesiva sensibilidad, y que, de haber muerto, habría sido el equivalente moral de un suicidio. Refiriéndose en particular a la bravura y buen sentido de Elinor, decide reformarse.
La familia descubre que Lucy se ha casado con el señor Ferrars. Cuando la señora Dashwood se da cuenta de lo disgustada que está Elinor, finalmente comprende que los sentimientos de Elinor hacia Edward son fuertes, y lamenta no haber prestado más atención a su infelicidad. Sin embargo, al día siguiente llega Edward y revela que Lucy no se ha casado con él sino con su hermano. Dice que quedó atrapado en este compromiso con Lucy "una mujer a la que había dejado de amar hacía tiempo", pero que ella rompió el compromiso para casarse con el ahora rico Robert. Le pide a Elinor que se case con él, y ella accede. Edward se reconcilia con su madre, que le da 10.000 libras, suficiente para que ellos vivan confortablemente. Se casan y se mudan a la parroquia de Delaford. Sin embargo, la reconciliación de Edward con su madre es parcial e insuficiente. Su madre le repudió por querer casarse con Lucy, pero cuando ésta se casó con su segundo hijo, la señora Ferrars se hizo amiga suya, y continúa favoreciéndolo, sin que Edward recupere plenamente su posición anterior.
La patrona del señor Willoughby al final le deja su dinero, afirmando que su matrimonio con una mujer de buen carácter lo redime. Willoughby se da cuenta entonces de que casarse con Marianne hubiera producido el mismo resultado. Debe vivir sabiendo que en caso de haberse comportado honorablemente, podría haber tenido tanto el amor como el dinero.
En los dos años siguientes, la señora Dashwood, Marianne y Margaret pasan la mayor parte de su tiempo en Delaford. Marianne madura y decide casarse con el coronel, aunque hacia él siente más respeto que pasión. No obstante, después del matrimonio se da cuenta de que lo ama de verdad. Ella y el coronel se establecen cerca de Elinor y Edward, de manera que las hermanas y sus maridos pueden visitarse a menudo.
Personajes en Sentido y sensibilidad
La familia Dashwood
• Henry Dashwood — un caballero rico que muere al principio de la historia. Los términos de su patrimonio le impiden dejar nada a su segunda esposa y las hijas que han tenido juntos. Le pide a John, su hijo mayor, nacido de un primer matrimonio, que cuide (en el sentido de darles seguridad financiera) a su segunda esposa y sus tres hijas.
• La señora Dashwood — la segunda esposa de Henry Dashwood, quien queda en difícil situación debido a la muerte de su esposo.
• Elinor Dashwood — la sensible y reservada hermana mayor de los Dashwood. Se siente atraída por Edward Ferrars, el cuñado de su medio-hermano mayor, John.
• Marianne Dashwood — la segunda hija, con inclinaciones románticas y muy expresiva. Es objeto de atenciones por parte del Coronel Brandon y el señor Willoughby.
• Margaret Dashwood — la hija menor de los señores Dashwood. Interesada en Geografía Mundial.
• John Dashwood — el hijo de Henry Dashwood, nacido del primer matrimonio de éste.
• Fanny Dashwood — la esposa de John Dashwood, y hermana de Edward y Robert Ferrars.
Los Middleton
• Sir John Middleton — un pariente lejano de la señora Dashwood quien, después de la muerte de Henry Dashwood, la invita a ella y sus tres hijas, a vivir en una casita de su propiedad. Middleton, su esposa y sus hijos reciben la visita de su suegra, la señora Jennings. Él y la señora Jennings son una pareja vital y chismosa, que se interesan por los asuntos románticos de los jóvenes que los rodean, y se esfuerzan por animar enlaces apropiados.
• Lady Middleton — La refinada y frívola esposa de Sir John Middleton, preocupada principalmente por mimar a sus cuatro hijos malcriados.
• Charlotte Palmer — la hija de la señora Jennings y hermana menor de Lady Middleton, la señora Palmer es una cabeza hueca que se ríe de cosas inapropiadas, como la continua grosería de su esposo, hacia ella y los demás.
• El señor Palmer — el marido de Charlotte Palmer quien se presenta como candidato para un asiento en el Parlamento a pesar de su holgazanería y grosería.
• Lucy Steele — un pariente joven y distante de la señora Jennings, quien ha estado prometida durante algún tiempo secretamente con Edward Ferrars. Asiduamente cultiva la amistad con Elinor Dashwood y con la señora de John Dashwood. Es manipuladora e intrigante.
• Anne/Nancy Steele — hermana mayor de Lucy Steele.
La familia Ferrars
• Edward Ferrars — El mayor de los dos hermanos de Fanny Dashwood. Se siente atraído por Elinor Dashwood. Años antes de conocerla, Ferrars le propuso matrimonio a Lucy Steele, la sobrina de su tutor. El compromiso ha sido mantenido en secreto debido a que esperan que la familia se oponga a este matrimonio.
• Robert Ferrars — el hermano menor de Edward Ferrars y Fanny Dashwood.
• Mrs. Ferrars — Madre de Fanny Dashwood, Edward y Robert Ferrars. Una mujer de mal carácter, vana, que personifica todos las debilidades que demuestran Fanny y Robert. Está decidida a que sus hijos se casen bien, por lo que acaba repudiando a Edward por su compromiso con la oportunista Lucy Steele, pero luego irónicamente acaba apoyando a Robert a pesar de que este se casa con Lucy.
Otros personajes
• Coronel Brandon — un amigo íntimo de Sir John Middleton. En su juventud, Brandon se enamoró de la pupila de su padre, pero su familia le impidió casarse con ella porque estaba destinada a su hermano mayor. Fue enviado al extranjero para alejarlo de ella, y mientras él estaba fuera, ella sufrió varias desgracias en parte como consecuencia de su matrimonio, y finalmente murió en la miseria, y con una hija natural, de quien se hace cargo el coronel Brandon.
• John Willoughby — un sobrino de una vecina de los Middleton ( Señora Smith ), una figura elegante que encanta a Marianne.
• La señorita Grey — una rica heredera con la que el señor Willoughby se casa después de ser desheredado para mantener su cómodo estilo de vida.
• Lord Morton — el padre de la señorita Morton
• La señorita Morton — una mujer rica con quien la señora Ferrars quiere casar a su hijo mayor, Edward.
• El señor Pratt — un tío de Lucy Steele.
Valoración crítica
Austen escribió el primer borrador de Elinor and Marianne (Elinor y Marianne) (más tarde retitulado Sentido y sensibilidad) hacia 1795, cuando tenía unos 19 años. En su adolescencia había escrito un buen número de relatos cortos; Elinor y Marianne fue su primera novela larga. Puede ser considerada una novela de costumbres, pudiendo describirse mejor como un ensayo sobre la psicología humana.
Aparecen en esta obra, de forma precisa, la vulgaridad y la ambición de la época napoleónica, en que la Ilustración destruye toda estructura de la ingenua fe medieval y la ciencia inspirara una nueva forma de filosofía que enfatizaba la búsqueda de los placeres terrenales; asimismo, refleja los momentos iniciales del Romanticismo del siglo XIX, movimiento que se propone revisar los progresos del siglo de las Luces, los efectos de la urbanización, mecanización y racionalismo.
No obstante, la principal característica de la novela es el análisis de las reacciones y reflexiones del alma humana. La trama gira en torno al contraste entre el buen sentido de Elinor y las emociones de Marianne. Las dos hermanas están muy unidas a pesar de su diferente temperamento: la primera es reflexiva y dispuesta a aplicar las normas de la civilización en toda ocasión, la segunda es impulsiva y emocional. Estos dos personajes pudieron basarse vagamente en Jane y Cassandra Austen, con Austen representando a Cassandra como la hermana reprimida y juiciosa y ella misma como la emocional. Austen claramente pretende reivindicar el buen sentido y contención de Elinor, y a un nivel simple, la novela puede leerse como una parodia del pleno romanticismo y sensibilidad que estaba de moda en los años 1790.
Aun así, el tratamiento que Austen hace de las dos hermanas es complejo y tiene muchas facetas. La biógrafa de Austen, Claire Tomalin, argumenta que Sentido y sensibilidad tiene una "debilidad en su tratamiento," que se desarrolla porque Austen, a lo largo de la escritura de la novela, gradualmente fue sintiéndose menos segura sobre si es el buen juicio o la sensibilidad lo que debían triunfar.[1] Proporciona a Marianne todas las cualidades atractivas: inteligencia, talento musical, franqueza, y la capacidad de amar profundamente. También le reconoce a Willoughby, a pesar de todos sus defectos, el mérito de continuar amando y, hasta cierto punto, apreciando a Marianne. Por estas razones, algunos lectores encuentran que el matrimonio de Marianne con el coronel acabe siendo un final poco satisfactorio.[2] El final, sin embargo, une hábilmente los temas del sentido y la sensibilidad aunque haga que la hermana juiciosa se case con el hombre que ama después de largos y románticos obstáculos que se interponen en su camino, y la hermana sensible encuentra la felicidad con un hombre al que inicialmente no ama, pero que era una muy juiciosa elección como marido.
Elionor es el verdadero hilo conductor de la novela. Las posibilidades que la época ofrece a las mujeres (en busca de un marido rico y una vida ociosa llena de fiestas y de visitas) chocan con la sinceridad y la fidelidad al corazón de las dos hermanas, que escogen "los peores partidos", movidas por el sentimiento. Jane Austen expone con maestría las sutilezas del juego que se establece entre nobles ambiciosos, insensibles a todos, la clase media ansiosa de ascender en la vida y el matrimonio como medio de ennoblecerse. Nada nos autoriza a sostener, como se ha visto, que es un romance "sobre intrigas domésticas" o sobre "una hermana racional y otra sentimental" (como se ha dicho usando como justificación el título). Por el contrario, es una pregunta siempre relevante: lo que parece útil a corto plazo, ¿a largo plazo valdrá la pena? La ambición, ¿puede garantizar verdaderamente una comodidad y una riqueza mayores? Los "bobos" que se dejan guiar por sus sentimientos, ¿tienen al final mejores resultados, como parece decir la autora? Es necesaria la virtud.
Por lo demás, la obra presenta la cuidada estructura clásica, en la que cada incidente tiene sentido en relación con el conjunto. Se usa la sutil ironía de Austen en su mejor momento, con muchos pasajes cómicos sobresalientes sobre los Middleton, los Palmer, la señora Jennings, y Lucy Steele.
Adaptaciones al cine, la televisión y el teatro
Sentido y sensibilidad ha tenido varias adaptaciones[1]:
• 1971: Sense and Sensibility, serie de la BBC con Joanna David como Elinor Dashwood y Ciaran Madden como Marianne Dashwood
• 1981: Sense and Sensibility, serie de la BBC con Irene Richard como Elinor Dashwood y Tracey Childs como Marianne Dashwood
• 1995: Sentido y sensibilidad, película protagonizada por Emma Thompson en el papel de Elinor Dashwood, Kate Winslet como Marianne Dashwood, con Hugh Grant en el papel de Edward Ferrars y Alan Rickman como coronel Brandon; junto a ellos, un plantel de destacados actores ingleses: James Fleet, Tom Wilkinson, Robert Hardy, Greg Wise, Imelda Staunton o Hugh Laurie. Dirigida por Ang Lee, fue una película de gran éxito. La actriz Emma Thompson logró un óscar por el guión, que se tomaba algunas libertades con la historia de Austen para adecuarse a los intereses de una audiencia moderna.
• 2000: Kandukondain Kandukondain, una película india contemporánea con ambientación en el presente, basada en la misma trama, con la actriz Tabu como Sowmya (Elinor Dashwood), Aishwarya Rai como Meenakshi (Marianne Dashwood), con Ajit como Manohar (Edward Ferrars), Abbas como Srikanth (Willoughby) y Mammootty como Captain Bala (Coronel Brandon).
• 2009: Sense and Sensibility, serie de la BBC con Hattie Morahan como Elinor Dashwood, Charity Wakefield como Marianne Dashwood, Dan Stevens como Edward Ferrars y David Morrissey como el Coronel Brandon.
Notas
a. ↑ Este es solo un ISBN de los muchos que hay de la obra (puesto como ejemplo), han sido publicadas muchísimas ediciones diferentes a lo largo de casi 200 años.
1. ↑ Claire Tomalin, Jane Austen: A Life (Nueva York: Vintage, 1997), p.155.
2. ↑ Tomalin, Jane Austen: A Life, pp. 156-157.
• Ediciones recientes en España, según el ISBN:
o Sentido y sensibilidad, Ediciones B, S.A., 1997
o Juicio y sentimiento, Ediciones B, S.A., 1997
o Juicio y sentimiento, Círculo de Lectores, S.A., 1997
o Sentido y sensibilidad, RBA Coleccionables, S.A., 1997 y 2004
o Sentido y sensibilidad, Plaza & Janés Editores, S.A., 2000
o Sentido y sensibilidad, Editorial Andrés Bello, 2000
o Sentido y sensibilidad, Nuevas Ediciones de Bolsillo, 2000 y 2003
o Sentido y sensibilidad, Punto de Lectura, S.L., 2001
o Sentido y sensibilidad, Edimat Libros, 2002 y 2005
o Juicio y sentimiento, Alba Editorial, S.L., 2006
Enlaces externos
• Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Sense and Sensibility. Wikiquote
• Wikisource contiene obras originales de o sobre Sense and Sensibility.Wikisource
• Sentido y sensibilidad en Proyecto Gutenberg (en inglés)
• Cronología de Sentido y sensibilidad (en inglés)
• Sense and Sensibility, online en Biblioteca Ye Olde (en inglés)
• Sense and Sensibility, texto completo online (en inglés)
• Sense and Sensibility Audiolibro gratuito en LibriVox (en inglés)
• Sense and Sensibility Análisis literario de la novela (en inglés)
• Grade Saver - Notas y análisis sobre Sentido y sensibilidad (en inglés)
Sense and Sensibility (película)
Sense and Sensibility
Título
Sentido y sensibilidad (España)
Sensatez y sentimientos (Hispanoamérica)
Ficha técnica
Dirección
Ang Lee
Producción
Lindsay Doran
Guión
Emma Thompson
Música
Patrick Doyle
Fotografía
Michael Coulter
Reparto
Emma Thompson
Kate Winslet
Gemma Jones
Hugh Grant
Emilie François
Alan Rickman
Greg Wise
James Fleet
Elizabeth Spriggs
Tom Wilkinson
Robert Hardy
Imelda Staunton
Harriet Walker
Hugh Laurie
Imogen Stubbs
Datos y cifras
País(es)
Reino Unido
Año
1995
Género
Drama
Duración
135 min
Compañías
Distribución
Warner Bros
Sense and Sensibility (conocida como Sentido y sensibilidad en España y Sensatez y sentimientos en Hispanoamérica) es una película de 1995 dirigida por Ang Lee, y basada en la novela del mismo título de Jane Austen.
Contenido
• 1 Sinopsis
• 2 Sobre el proyecto
• 3 Reparto
• 4 Comentario
• 5 Curiosidades
Sinopsis
Elinor, Marianne y Margaret Dashwood son tres huérfanas cuyo hermanastro, (John) debido a los convencionalismos de la época, es el único heredero de todo lo perteneciente a su padre. Teniendo que sobrevivir junto a su madre con una dote anual de 500 libras, se ven obligadas a llevar una vida austera en el campo. Antes de abandonar su antiguo hogar, Elinor conoce al cuñado de John, Edward, de quien se enamora. Una vez instalados en la campiña Marianne se fija en un joven apuesto, John Willoughby, un hombre cuyo comportamiento con Marianne provocará en ella un doloroso proceso de maduración.
Sobre el proyecto
Basada en la novela homónima de Jane Austen, Sense and Sensibility es el producto de dos determinaciones: la de la productora Lindsay Doran y Emma Thompson enamoradas del original literario. Ésta última se encargó de escribir el guión, llegando a redactar varios borradores, uno de ellos elaborado en la Toscana durante el rodaje de Mucho ruido y pocas nueces (1993). El proyecto salió adelante cuando Sydney Pollack decidió apoyarlo, planteando preguntas pertinentes a la guionista, entre ellas ¿Por qué estas mujeres no salen a buscar empleo?... Buscaron así mismo la complicidad de Ang Lee, sabiendo que la novela de Austen encajaba en la temática del realizador: relaciones familiares basadas en la hipocresía, la mediocridad de entornos sociales viciados...
Cuando se estrenó la película, los críticos le brindaron su apoyo. Al poco tiempo cosechaba el Globo de Oro a la mejor película dramática y al mejor guión así como el Oso de Oro en el Festival de Berlín (1996). Emma Thompson recibió su segundo Oscar -esta vez en calidad de guionista- de manos de Sir Anthony Hopkins.
Reparto
• Emma Thompson ..... Elinor Dashwood
• Alan Rickman ..... Col. Christopher Brandon
• Kate Winslet ..... Marianne Dashwood
• Hugh Grant ..... Edward Ferrars
• Greg Wise ..... John Willoughby
• Gemma Jones ..... Sra. Dashwood
• Robert Hardy ..... Sir John Middleton
• James Fleet ..... John Dashwood
• Harriet Walter ..... Fanny Ferrars Dashwood
• Imelda Staunton ..... Charlotte Jennings Palmer
• Imogen Stubbs ..... Lucy Steele
• Hugh Laurie ..... Sr. Palmer
• Emilie François ..... Margaret Dashwood
• Elizabeth Spriggs ..... Sra. Jennings
• Richard Lumsden ..... Robert Ferrars
• Lone Vidahl ..... Señorita Grey
• Tom Wilkinson ..... Sr. Dashwood
Comentario
Si bien Sense and Sensibility gozó de cierto prestigio, una parte de la crítica disintió, acusando al filme de recurrir a trucos bastantes enfatizantes (cf.planos de excrementos de caballo que ponen de relieve la mediocridad del ambiente, la caracterización de uno de los personajes más negativos de negro; un travelling que recoge la confesión que lleva a cabo una arribista precisamente a éste último), así como una querencia a un tipo de humor a veces no muy refinado.
Entre las virtudes que le reconocen incluso los detractores del filme se puede contar el empleo de una banda sonora sostenida en dos temas asociados a las personalidades de sus dos protagonistas (uno sereno acorde a la actitud de Eilinor y otro apasionado destinado a Mariane) así como el acierto de elegir el caballo como signo visual que marca la evolución de Mariane y por ende la del todo el relato, por no mencionar una panorámica que sintetiza el proceso de maduración de ésta última en la recta final del largometraje.
Los admiradores de Sense and Sensibility aducen en su defensa el retrato crítico de una sociedad cerrada sobre sí misma, clasista y llena de contradicciones internas donde abunda el cotilleo y el desprecio hacia el prójimo, así como un atmósfera distendida. Es una película que muestra como una ley, "sexista" e injusta, hace que los derechos del hombre predomine ante los derechos de la mujer. El guión de esta película, ganó un Oscar.
Curiosidades
• En la película, coincidieron seis actores que tuvieron papel en las películas de Harry Potter:
Emma Thompson como Elinor Dashwood; Sybil Trelawney
Alan Rickman, Coronel Brandon; Severus Snape
Gemma Jones, la señora Dashwood, Madam Pomfrey
Robert Hardy, Sir John Middleton, Cornelius Fudge
Elizabeth Spriggs, la señora Jennings, The Fat Lady
Imelda Staunton, Charlotte Palmer, Dolores Umbridge
• También han coincidido en la película Love Actually Alan Rickman, Emma Thompson y Hugh Grant.
• El papel del grosero e impertinente señor Palmer, siempre ofensivo con su mujer y con quien le dirige la palabra, fue interpretado por el actor que encarna al popular doctor House televisivo, Hugh Laurie.
viernes, 14 de enero de 2011
Viaje en el arte a traves del cuerpo, mente y espíritu by Alex Grey
Alex Grey, destacado artista psicodélico y visionario estadounidense. En sus obras podemos observar su fascinación en temas como la muerte, representada desde sus primeros dibujos, hasta sus esculturas, pinturas y performances más recientes.
Sus obras se han exhibido por todo el mundo en lugares como Feature Inc y Tibet House, Stux Galleri, P.S.1, The Outsider Art Fair, y el New Museum en Nueva York. Grand Palais en París, Bienal de São Paulo Brasil y Art Exhibition Space en Tokio, entre otros.
La comunidad psiquedélica internacional, ha tomado a Alex Grey como un importante portavoz del arte visionario. Su obra Sacred Mirrors se ha traducido a cinco idiomas y ha vendido 50,000 copias. Actualmente vive en Nueva York con su esposa, la artista Allyson Grey, y su hija, la actriz Zena Grey.
Contenido
* 1 Biografía
* 2 Sacred Mirrors
* 3 Transfigurations
* 4 Colaboraciones
* 5 Véase también
* 6 Enlaces externos
Biografía
Nació en Columbus, Ohio Estados Unidos el 29 de noviembre de 1953. Proveniente de familia de clase media. Su padre fue diseñador gráfico, favoreciendo esto en el desarrollo de sus capacidades de dibujo.
Asistió a el Colegio de arte y diseño de Columbus por dos años 1971 - 1973, posteriormente se dedicó a pintar murales durante un año 1973 - 1974. Asistiría a la Escuela Museo de Boston y estudiaría con el artista conceptual Jay Jaroslav. Es aquí donde conoce a su futura esposa la también artista Allyson Rymland Grey. Grey y Allyson probarían LSD, siendo este un punto de partida en sus vidas, ya que cambiaria radicalmente su forma de pensar. [1]
Grey pasaría cinco años en la escuela de Medicina de Harvard, trabajando en los departamentos de Anatomía y Medicina de la Mente, en el primero estudiaba el cuerpo humano y preparaba los cadáveres para practicarles la disección. En el segundo, al lado del Dr. Herberto Benson y el Dr.Joan Borysenko que dirigían experimentos científicos para investigar energías curativas. Lo aprendido por Grey en estos años, lo preparo para posteriormente poder pintar Sacred Mirrors. [2]
Sacred Mirrors
Es una serie de 21 pinturas, que llevan a los espectadores a un viaje hacia su naturaleza, examinando con lujo de detalle el cuerpo, mente y espíritu. Este trabajo, nos presenta la Sutil Anatomía de los hombres desde el contexto de una evolución cósmica. Dicha obra le tomo 10 años en completarla, comenzando en 1979. En este periodo desarrollaría su técnica de radiografiar las diferentes capas de la realidad, revelando una interacción entre las fuerzas anatómicas y espirituales. Después de pintar Sacred Mirrors, aplicó su perspectiva multidimensional a diferentes experiencias humanas, como rezar, meditar, besarse, copular, embarazo, nacimiento y muerte.
Las pinturas son de tamaño natural y se enfrentan directamente al espectador para conseguir, un efecto de espejo, logrando que se pueda ver dentro de sí mismo. Esta obra hace un cuestionamiento sobre el reflejo que damos ante los demás.
Transfigurations
Es la continuación de su trabajo anterior, Transfigurations incluye los trabajos más importantes realizados posteriores a Sacred Mirrors, presentadas en 202 reproducciones a color y 93 imágenes en blanco y negro. Estas imágenes se combinan con textos, para formar un todo.
Colaboraciones
Alex ha colaborado haciendo las portadas y el arte de los discos con diferentes artistas.
* Con Tool, hizo el arte para los discos Lateralus y 10,000 Days.
* Con esta banda tambien colaboro con el arte en los videos de Parabol/Parabola y Vicarious.
* Con David Byrne en el disco The Visible Man.
* Con Michael Hedges en el disco Torched.
* Con Nirvana en el disco In Utero.
* Con Beastie Boys en su disco Ill Communication.
En su trabajo más reciente Grey ha explorado perspectivas de los seres universales, cuerpos de fuego y remolinos galácticos infinitos. Tal como se puede apreciar en sus trabajos para Tool.
Véase también
* Tool
* Música psicodélica
* LSD
* Zena Grey
Enlaces externos
* Colabora en Commons. Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Alex Grey. Commons
* Página oficial de Alex Grey
* Entrevista para Feature Inc (En Inglés)
* Página oficial de P S 1
* Página ofical de Grand Palais
* Página oficial de Bienal Sao Paulo
Sus obras se han exhibido por todo el mundo en lugares como Feature Inc y Tibet House, Stux Galleri, P.S.1, The Outsider Art Fair, y el New Museum en Nueva York. Grand Palais en París, Bienal de São Paulo Brasil y Art Exhibition Space en Tokio, entre otros.
La comunidad psiquedélica internacional, ha tomado a Alex Grey como un importante portavoz del arte visionario. Su obra Sacred Mirrors se ha traducido a cinco idiomas y ha vendido 50,000 copias. Actualmente vive en Nueva York con su esposa, la artista Allyson Grey, y su hija, la actriz Zena Grey.
Contenido
* 1 Biografía
* 2 Sacred Mirrors
* 3 Transfigurations
* 4 Colaboraciones
* 5 Véase también
* 6 Enlaces externos
Biografía
Nació en Columbus, Ohio Estados Unidos el 29 de noviembre de 1953. Proveniente de familia de clase media. Su padre fue diseñador gráfico, favoreciendo esto en el desarrollo de sus capacidades de dibujo.
Asistió a el Colegio de arte y diseño de Columbus por dos años 1971 - 1973, posteriormente se dedicó a pintar murales durante un año 1973 - 1974. Asistiría a la Escuela Museo de Boston y estudiaría con el artista conceptual Jay Jaroslav. Es aquí donde conoce a su futura esposa la también artista Allyson Rymland Grey. Grey y Allyson probarían LSD, siendo este un punto de partida en sus vidas, ya que cambiaria radicalmente su forma de pensar. [1]
Grey pasaría cinco años en la escuela de Medicina de Harvard, trabajando en los departamentos de Anatomía y Medicina de la Mente, en el primero estudiaba el cuerpo humano y preparaba los cadáveres para practicarles la disección. En el segundo, al lado del Dr. Herberto Benson y el Dr.Joan Borysenko que dirigían experimentos científicos para investigar energías curativas. Lo aprendido por Grey en estos años, lo preparo para posteriormente poder pintar Sacred Mirrors. [2]
Sacred Mirrors
Es una serie de 21 pinturas, que llevan a los espectadores a un viaje hacia su naturaleza, examinando con lujo de detalle el cuerpo, mente y espíritu. Este trabajo, nos presenta la Sutil Anatomía de los hombres desde el contexto de una evolución cósmica. Dicha obra le tomo 10 años en completarla, comenzando en 1979. En este periodo desarrollaría su técnica de radiografiar las diferentes capas de la realidad, revelando una interacción entre las fuerzas anatómicas y espirituales. Después de pintar Sacred Mirrors, aplicó su perspectiva multidimensional a diferentes experiencias humanas, como rezar, meditar, besarse, copular, embarazo, nacimiento y muerte.
Las pinturas son de tamaño natural y se enfrentan directamente al espectador para conseguir, un efecto de espejo, logrando que se pueda ver dentro de sí mismo. Esta obra hace un cuestionamiento sobre el reflejo que damos ante los demás.
Transfigurations
Es la continuación de su trabajo anterior, Transfigurations incluye los trabajos más importantes realizados posteriores a Sacred Mirrors, presentadas en 202 reproducciones a color y 93 imágenes en blanco y negro. Estas imágenes se combinan con textos, para formar un todo.
Colaboraciones
Alex ha colaborado haciendo las portadas y el arte de los discos con diferentes artistas.
* Con Tool, hizo el arte para los discos Lateralus y 10,000 Days.
* Con esta banda tambien colaboro con el arte en los videos de Parabol/Parabola y Vicarious.
* Con David Byrne en el disco The Visible Man.
* Con Michael Hedges en el disco Torched.
* Con Nirvana en el disco In Utero.
* Con Beastie Boys en su disco Ill Communication.
En su trabajo más reciente Grey ha explorado perspectivas de los seres universales, cuerpos de fuego y remolinos galácticos infinitos. Tal como se puede apreciar en sus trabajos para Tool.
Véase también
* Tool
* Música psicodélica
* LSD
* Zena Grey
Enlaces externos
* Colabora en Commons. Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Alex Grey. Commons
* Página oficial de Alex Grey
* Entrevista para Feature Inc (En Inglés)
* Página oficial de P S 1
* Página ofical de Grand Palais
* Página oficial de Bienal Sao Paulo
jueves, 6 de enero de 2011
Raquel Welch
Jo Raquel Tejada
Nacimiento
5 de septiembre de 1940 70 años
Chicago, Illinois, Estados Unidos
Pareja
James Westley Welch (1959–1964)
Patrick Curtis (1967–1972)
Andre Weinfeld (1980–1990)
Richard Palmer (1990–)
Raquel Welch, tocada con un sombrero en el estreno de la película The Rose (1979).
Jo Raquel Tejada (n. Chicago, 5 de septiembre de 1940), conocida como Raquel Welch, es una actriz estadounidense.
Biografia
Nacida en Chicago de madre estadounidense de ascendencia Inglesa y padre boliviano de ascendencia española, el ingeniero Armando Carlos Tejada Urquizo.[1] Es pariente de la ex presidente de Bolivia, Lidia Gueiler Tejada.
Filmografía
• A House Is Not a Home (1964)
• Roustabout (1964)
• A Swingin' Summer (1965)
• The Queens (1966)
• Fantastic Voyage (1966)
• One Million Years B.C. (1966)
• Shoot Loud, Louder... I Don't Understand (1966)
• The Oldest Profession (1967)
• Fathom (1967)
• Bedazzled (1967)
• The Biggest Bundle of Them All (1968)
• Bandolero! (1968)
• Lady in Cement (1968)
• 100 Rifles (1969)
• Flareup (1969)
• The Magic Christian (1969)
• The Beloved (1970)
• Myra Breckinridge (1970)
• Hannie Caulder (1971)
• Bluebeard (1972)
• Fuzz (1972)
• Kansas City Bomber (1972)
• The Last of Sheila (1973)
• The Three Musketeers (1973)
• The Four Musketeers (1974)
• The Wild Party (1975)
• Mother, Jugs & Speed (1976)
• The Animal (1977)
• Crossed Swords (1978)
• Trouble in Paradise (1989)
• Chairman of the Board (1998)
• What I Did for Love (1998)
• Tortilla Soup (2001)
• Legally Blonde (2001)
• Jim Brown: All American (2002)
• Forget About It (2005)
Referencias
1. ↑ www.levante-emv.com Raquel Welch Entravista
Nacimiento
5 de septiembre de 1940 70 años
Chicago, Illinois, Estados Unidos
Pareja
James Westley Welch (1959–1964)
Patrick Curtis (1967–1972)
Andre Weinfeld (1980–1990)
Richard Palmer (1990–)
Raquel Welch, tocada con un sombrero en el estreno de la película The Rose (1979).
Jo Raquel Tejada (n. Chicago, 5 de septiembre de 1940), conocida como Raquel Welch, es una actriz estadounidense.
Biografia
Nacida en Chicago de madre estadounidense de ascendencia Inglesa y padre boliviano de ascendencia española, el ingeniero Armando Carlos Tejada Urquizo.[1] Es pariente de la ex presidente de Bolivia, Lidia Gueiler Tejada.
Filmografía
• A House Is Not a Home (1964)
• Roustabout (1964)
• A Swingin' Summer (1965)
• The Queens (1966)
• Fantastic Voyage (1966)
• One Million Years B.C. (1966)
• Shoot Loud, Louder... I Don't Understand (1966)
• The Oldest Profession (1967)
• Fathom (1967)
• Bedazzled (1967)
• The Biggest Bundle of Them All (1968)
• Bandolero! (1968)
• Lady in Cement (1968)
• 100 Rifles (1969)
• Flareup (1969)
• The Magic Christian (1969)
• The Beloved (1970)
• Myra Breckinridge (1970)
• Hannie Caulder (1971)
• Bluebeard (1972)
• Fuzz (1972)
• Kansas City Bomber (1972)
• The Last of Sheila (1973)
• The Three Musketeers (1973)
• The Four Musketeers (1974)
• The Wild Party (1975)
• Mother, Jugs & Speed (1976)
• The Animal (1977)
• Crossed Swords (1978)
• Trouble in Paradise (1989)
• Chairman of the Board (1998)
• What I Did for Love (1998)
• Tortilla Soup (2001)
• Legally Blonde (2001)
• Jim Brown: All American (2002)
• Forget About It (2005)
Referencias
1. ↑ www.levante-emv.com Raquel Welch Entravista
Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso
Pablo Picasso
Pablo Picasso
Foto de Pablo Picasso (enero de 1962).
Nombre de nacimiento
Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso[1]
Nacimiento
25 de octubre de 1881
Málaga (Andalucía), España
Fallecimiento
8 de abril de 1973 (91 años)
Mougins, Francia
Nacionalidad
España
Área
Pintura, dibujo y escultura
Firma de Pablo Picasso.
Pablo Ruiz Picasso (Málaga, España, 25 de octubre de 1881 - Mougins, Francia, 8 de abril de 1973), conocido como Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista.
Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis de muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras actualmente presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales.
En lo político, Picasso se declaraba pacifista y comunista. Fue miembro del Partido Comunista Francés hasta su muerte,[2] el 8 de abril de 1973 en Notre-Dame-de-Vie (Mougins, Francia) a los 91 años. Está enterrado en el parque del castillo de Vauvenargues (Bouches-du-Rhone).
Contenido
• 1 Biografía
o 1.1 Infancia
o 1.2 Primeras pinturas
o 1.3 Entre Barcelona y París. El período azul
1.3.1 El entierro de Casagemas
1.3.2 Entre Barcelona y París
1.3.3 La vida
o 1.4 París, Bateau Lavoir. El período rosa
1.4.1 La belle Fernande
1.4.2 La bohemia del Lapin Agile
1.4.3 La familia de saltimbanquis
1.4.4 Gertrude Stein
1.4.5 Primitivismo ibérico
o 1.5 Protocubismo
1.5.1 Un burdel de la calle Avinyó
1.5.2 Influencias africanas
1.5.3 Las señoritas de Aviñón
1.5.4 Hacia el cubismo
o 1.6 Cubismo
1.6.1 Cubismo cezannesco
1.6.1.1 Matisse bautiza el Cubismo. Período verde
1.6.1.2 El banquete de Rousseau
1.6.2 Cubismo analítico
1.6.2.1 Retorno a Horta de Sant Joan
1.6.2.2 Traslado al bulevar de Clichy
1.6.2.3 Los retratos cubistas
1.6.2.4 Reconocimiento del cubismo
1.6.3 Cubismo hermético
1.6.3.1 Entre Céret y Sorgues
1.6.3.2 Traslado al bulevar Raspail
1.6.4 Cubismo sintético
1.6.4.1 Cubismo poético
1.6.4.2 Cubismo surrealista
1.6.4.3 Cubismo puntillista y cubismo frío
1.6.4.4 Enfermedad y muerte de Eva
o 1.7 Los Ballets Rusos
1.7.1 Las señoritas de Aviñón en el Salón de Otoño
1.7.2 Parade
1.7.3 Estancia en Barcelona
1.7.4 Periodo duquesa
1.7.5 El sombrero de tres picos
1.7.6 Pulcinella
1.7.7 Cuadro flamenco
1.7.8 Antígona
1.7.9 Mercure
o 1.8 Surrealismo
1.8.1 Periodo surrealista
1.8.2 Cubismo curvilíneo
1.8.3 Bañistas biomórficas
1.8.4 Escultura en hierro
1.8.5 La mujer castradora
1.8.6 Boisgeloup
o 1.9 Guernica y pacifismo
o 1.10 Compromiso con el Partido Comunista
o 1.11 Período de Vallauris
1.11.1 Vallauris y la cerámica
1.11.2 Nacimiento de Claude
1.11.3 La Galloise, Vallauris
1.11.4 Paloma
• 2 Obras
o 2.1 Escritura y libros ilustrados
• 3 Hijos
• 4 Véase también
• 5 Referencias
o 5.1 Licencia
• 6 Bibliografía
• 7 Enlaces externos
o 7.1 Museos y exposiciones
o 7.2 Otros enlaces de interés
Biografía
Infancia
Casa donde nació Picasso, Plaza de la Merced de Málaga.
«Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso» (según su certificado de nacimiento) o «Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Crispiniano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso» (según su partida de bautismo),[1] [3] fue el primer hijo de José Ruiz Blasco y María Picasso López. Nació el 25 de octubre de 1881 en Málaga, España, en el seno de una familia pequeñoburguesa. Picasso tuvo dos hermanas, Dolores (1884-1958) y Concepción (1887-1895).
De su padre se sabe que quiso ser pintor y fue profesor de dibujo en la escuela de Málaga llamada San Telmo. De la madre se conoce poco; al parecer era de una personalidad más fuerte que la de su marido, y Picasso tuvo siempre hacia ella mayor respeto y ternura, lo que algunos creen ver en el retrato que le dibujó en 1923.[4]
Picasso empezó a pintar desde edad temprana. En 1889, a los ocho años, tras una corrida de toros y bajo la dirección de su padre pintó El pequeño picador, su primera pintura al óleo,[5] [6] de la que siempre se negó a separarse.
En 1891, la familia abandonó Málaga, cuando el padre fue nombrado profesor en el Instituto de La Coruña. Allí, Pablo trabajó en sus dibujos y mostró una fuerte confianza en sí y en sus dotes; tenía diez años. Sus primeros trabajos, de un realismo vigoroso y casi feroz, mostraban una temprana predilección por los personajes populares.[4]
El de 1895 fue un año de sucesos importantes en su infancia; en enero, falleció su hermana Concepción, y en septiembre su padre obtuvo una cátedra en la Lonja, Escuela de Artes y Oficios de Barcelona, donde el joven Pablo fue admitido como alumno y cursó estudios durante dos años, lo que le condujo a pintar, quizás por complacer a su padre, una serie de cuadros en los que el academicismo sentimental del estilo sorprendía tras la vitalidad de los retratos que había realizado en La Coruña.[4]
Estudiante brillante y precoz, Picasso superó en un solo día, a la edad de catorce años, el examen de ingreso en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, y se le permitió saltarse las dos primeras clases. De acuerdo con una de las muchas leyendas sobre el artista, su padre, tras reconocer el extraordinario talento de su hijo al contemplar sus primeros trabajos infantiles, le entregó sus pinceles y su paleta y prometió no volver a pintar en su vida.[4]
A diferencia de la música, no hay niños prodigios en la pintura. Lo que la gente percibe como genio prematuro es el genio de la infancia. No desaparece gradualmente a medida que envejece. Es posible que ese niño se convierta en un verdadero pintor un día, quizás incluso un gran pintor. Pero tendría que empezar desde el principio. Por lo tanto, por lo que a mí respecta, yo no era un genio. Mis primeros dibujos nunca se han mostrado en una exposición de dibujos infantiles. Me faltaba la torpeza de un niño, su ingenuidad. He hecho dibujos académicos a la edad de siete años, con una precisión de la que me asusto.
Picasso
Primeras pinturas
Durante el invierno de 1895 realizó su primer gran lienzo académico, La primera comunión (Museo Picasso, Barcelona),[7] en Barcelona, ciudad en la que residió unos nueve años, salvo algunas vacaciones de verano y estancias más o menos largas en Madrid y París.[8] En 1897 presentó el lienzo Ciencia y caridad (Museo Picasso, Barcelona) en la Exposición General de Bellas Artes de Madrid.[9] Durante el verano pasó, una vez más, sus vacaciones en Málaga, donde pintó paisajes y corridas de toros.[10]
Entrada al café Els Quatre Gats.
En septiembre, marchó a Madrid para iniciar estudios en la Academia de San Fernando,[10] pero pronto abandonó la Academia: la atmósfera intelectual de la capital, impermeable al modernismo catalán que Picasso intentaba introducir (fundó una pequeña revista en 1901, Arte Joven, que tuvo una existencia bastante breve) no le convencía. No obstante, aprovechó sus frecuentes visitas al Museo del Prado para conocer mejor la obra de El Greco, que era vindicada por artistas y estudiosos de finales del siglo XIX.[11]
Desde 1898 firmó sus obras como «Pablo Ruiz Picasso», luego como «Pablo R. Picasso», y sólo como «Picasso» desde 1901. El cambio no implica un rechazo de la figura paterna, sino que obedecía al deseo de Picasso de distinguirse como personaje, iniciado por sus amigos catalanes, que tomaron la costumbre de llamarlo por el apellido materno, mucho menos corriente que el Ruiz paterno.[12]
Un captaire a París, 1897, de Isidre Nonell.
Volvió a Barcelona en junio de 1898, enfermo de escarlatina y se trasladó a Horta de Ebro (actual Horta de San Juan), el pueblo de su amigo Manuel Pallarés, situado al sur del Ebro cerca de la ciudad de Gandesa (Terra Alta, Tarragona). En esta estancia, Picasso se reencontró con las raíces primordiales del país y con un cierto retorno a la naturaleza, más en consonancia con el ideario modernista, lo que constituyó uno de los primeros episodios «primitivistas» de su carrera.[13]
Abandonado el propósito de vivir en Madrid para dedicarse a copiar a los grandes maestros, en febrero de 1899 estaba de vuelta en Barcelona,[14] donde comenzó a frecuentar la cervecería Els Quatre Gats, insignia de la bohemia modernista y lugar en el que realizó su primera exposición individual e hizo amistad con Jaime Sabartés y Carlos Casagemas. En este ambiente Picasso entró en contacto con el pensamiento anarquista, implantado en Barcelona. La miseria reinante en los barrios bajos de Barcelona, los soldados enfermos y heridos que volvían a España tras la desastrosa Guerra de Cuba, crearon un caldo de cultivo de violencia social que sin duda marcó, a un nivel individual y moral más que puramente político, la sensibilidad de Picasso, y que pueden ser apreciados en ciertos dibujos realizados entre 1897 y 1901: El prisionero, Un miting anarquista.[15] [16]
En octubre de 1900 visitó París con Casagemas para asistir a la Exposición Universal, donde se exhibía una obra suya, Últimos momentos, actualmente desaparecida.[17] En París se instaló en el estudio de Isidre Nonell, artista catalán que Picasso conocía del grupo Els Quatre Gats influenciado por el impresionismo y que reflejaba la situación social catalana de principios de siglo mediante retratos de personajes marginados y miserables. La obra de Nonell, junto a la de Toulouse-Lautrec, influyeron en gran medida en el estilo de Picasso de esta época, lo que puede apreciarse en obras como La espera (Margot), Bailarina enana y El final del número, ambas de 1901.[18] [16] También conoció al que sería su primer marchante, Pere Mañach (quien le ofreció 150 francos mensuales por toda su obra de un año) y entró en contacto con la galerista Berthe Weill. Regresó a Barcelona el 20 o 23 de diciembre (según distintas fuentes) con Casagemas, al que Picasso llevó consigo a celebrar el fin de año en Málaga.[17]
Entre Barcelona y París. El período azul
Artículo principal: Período azul de Picasso
El entierro de Casagemas
El entierro del conde de Orgaz (1586–1588, Santo Tomé, Toledo), obra más conocida de El Greco. La división del espacio en dos zonas inspiró a Picasso en su cuadro El entierro de Casagemas.
Se conoce como período azul de Picasso al que discurre aproximadamente entre 1901 hasta 1904: este nombre proviene del color que domina la gama cromática de las pinturas, y tiene su origen en el suicidio de su amigo Carlos Casagemas el 17 de febrero de 1901, que lo dejó lleno de dolor y tristeza.[19] Casagemas, después de haber tratado de asesinar a su amante Germaine, una bailarina del Moulin Rouge que frecuentaba el círculo de artistas españoles, se suicidó en París. Picasso, motivado y sensibilizado por la muerte de su amigo, pintó un cuadro que nombró El entierro de Casagemas,[20] cuadro alegórico que empezaba a mostrar su paso al período azul. La división del espacio del cuadro en dos partes, tierra y cielo, cuerpo y espíritu, recuerda la del Entierro del Conde de Orgaz, de El Greco.[21]
Van Gogh en un autorretrato dedicado a Gauguin.
Otras influencias en la obra de Picasso en este periodo fueron las de Van Gogh y Gauguin, el primero sobre todo a un nivel psicológico, como se refleja en la intensidad emotiva de los cuadros de esta época, aunque también se aprecia una simplificación de volúmenes y contornos definidos que hacen pensar en Gauguin, de quien también tomaría una concepción universal de la sentimentalidad.[19] Picasso manifestaba la soledad de los personajes aislándolos en un entorno impreciso, con un uso casi exclusivo del azul durante un período superior a dos años, hecho que prácticamente carecía de precedentes en la historia del arte. Asimismo, el alargamiento de las figuras que se iba introduciendo en sus obras recordaba de nuevo el estilo de El Greco.
Entre Barcelona y París
Picasso era un trabajador infatigable. A finales de abril de 1901 regresó a Barcelona, donde exponía Mujer en azul (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid)[22] en la Exposición General de Bellas Artes y luego en mayo volvió a París, donde se estableció en el número 130 del bulevar de Clichy, en el lugar en que Casagemas había tenido su estudio. Entre junio y julio del mismo año, Picasso e Iturrino realizaron una exposición en la galería de Vollard en París.[23] Sin dinero ni trabajo, en junio conoció al poeta Max Jacob, con el que mantendría una cercana relación hasta la muerte de Jacob en 1944. El poeta recordaría más tarde que descubrió la obra de Picasso y, siendo crítico de arte, expresó su admiración por el talento del pintor. Poco después recibió una invitación de Mañach para presentarle a su joven representado (Picasso tenía por entonces unos dieciocho años); que estuvieron todo el día viendo la ingente obra de Picasso, quien por aquella época pintaba uno o dos cuadros por noche, y los vendía por ciento cincuenta francos en la Rue Laffite.[24] Durante el otoño pintó Los dos saltimbanquis (arlequín y su compañera) (Museo de Bellas Artes Pushkin, Moscú),[25] Arlequín apoyado (MoMA, Nueva York)[26] y acabó El entierro de Casagemas. En invierno pintó una serie de retratos en azul; el Retrato de Jaime Sabartés (Museu Picasso, Barcelona),[27] el Retrato de Mateu Fernández de Soto (Museo Picasso, Málaga)[28] y el Autorretrato azul (Museo Picasso, París).[29]
A finales de enero de 1902 rompió su acuerdo con Mañach, y tras la liquidación correspondiente volvió a Barcelona. Empezó a trabajar en el estudio de Ángel Fernández de Soto, en el número 6 de la calle Nou de la Rambla, donde durante la primavera el color azul empezó a dominar su obra. Con Fernández de Soto visitó los burdeles de Barcelona, lo que quedó reflejado en una serie de dibujos eróticos entre los que se encuentra un Autorretrato con desnudo (colección privada, Alemania); un dibujo a la tinta y acuarela de Ángel Fernández de Soto con una mujer[30] y La macarra (composición alegórica),[31] propiedad del Museo Picasso de Barcelona.
Max Jacob en 1934. Fotografía de Carl van Vechten.
En París, Mañach arregló una exposición de pinturas y pasteles en la galería Berthe Weill, del 1 al 15 de abril, con obras de Picasso y Lemaire, y otra en junio en la misma galería con obras de Picasso y Matisse. En Barcelona Picasso recibió un aviso para incorporarse al servicio militar en octubre. Para eludirlo, debió pagar dos mil pesetas, cantidad que le fue proporcionada por su tío. Justo después volvió a París con Sébastien Junyer, y mostró sus pinturas azules por primera vez del 15 de noviembre al 15 de diciembre en una exposición colectiva organizada de nuevo por Mañach en la galería Berthe Weill.
De esa fecha data un Retrato de Germaine[32] que Acquavella Galleries adquirió por 18,6 millones de dólares en una subasta de Christie's en 2006.[33] En diciembre de 1902 se mudó un tiempo al apartamento de Max Jacob en el número 87 del bulevar Voltaire; la habitación sólo disponía de una cama, por lo que Picasso trabajaba de noche y dormía de día, mientras Jacob trabajaba. En este tiempo no podía comprar lienzo, y debía limitarse a dibujar.[34]
La vida
En enero de 1903 Picasso volvió a Barcelona. En primavera comenzó el cuadro La vida (Cleveland Museum of Fine Arts),[35] uno de los mayores y más complejos lienzos de su época azul, considerado su trabajo más importante de estos años, obra de un simbolismo inusualmente oscuro en sus primeras obras y sujeto a múltiples interpretaciones académicas, sobre las cuales el artista nunca se pronunció. Picasso realizó cuatro bocetos preparatorios para el cuadro, variando la composición de las figuras al menos dos veces; cabe destacar que la figura masculina, que empezó siendo un autorretrato, acabó siendo una representación de su amigo Carlos Casagemas.[36] La Vida resume la mayor parte de los temas y la atmósfera de la época azul: el pesimismo nihilista desarrollado en su época de formación en Barcelona, recrudecido bajo las dificultades materiales que sufre en la época. «Cree que el Arte es hijo de la Tristeza y del Dolor», decía su amigo Jaime Sabartés.[37] La soledad de los niños, la miseria de pobres, mendigos y ciegos son a menudo descritos en los cuadros de ese momento: Las dos hermanas (Museo del Hermitage, San Petersburgo),[38] Pobres a orillas del mar (Galería Nacional de Arte, Washington D.C.),[39] El viejo guitarrista ciego (Instituto de Arte de Chicago),[40] El asceta (Barnes Foundation, Filadelfia),[41] y La Celestina (Carlota Valdivia) (Museo Picasso, París)[42] se cuentan entre las primeras obras maestras de Picasso.
Hacia finales de 1903 Picasso empezó a pensar que sólo estableciéndose permanentemente en Francia su reputación superaría las fronteras de España. Se trasladó al estudio del escultor Pablo Gargallo (1881-1934), quien en aquel momento se encontraba en París, en el número 28 del Carrer del Comerç de Barcelona,[43] donde finalizó La Celestina (Carlota Valdivia) y comenzó un nuevo Retrato de Jaime Sabartés (Kunsternes Museum, Oslo)[44] que finalizó en la primavera de 1904.[45]
París, Bateau Lavoir. El período rosa
La belle Fernande
El edificio del Bateau-Lavoir fue nombrado así por el poeta Max Jacob porque su estructura de madera le recordaba a los barcos amarrados a las orillas del Sena y utilizados como lavaderos.
En abril de 1904 Picasso se instaló en París en el Bateau-Lavoir, situado en el barrio de Montmartre, en un taller que su amigo el escultor Paco Durrio estaba por dejar. Allí reanudó su contacto con varios artistas españoles que también vivían en el Bateau-Lavoir, especialmente con Ricardo Canals, quien le enseñó en septiembre del mismo año la técnica del aguafuerte, y con su mujer; también con Manuel Hugué y con su esposa Totote, y con Ramón Pichot y Germaine, la bailarina por la cual su amigo Casagemas se había suicidado. Durante el verano tuvo una relación con «Madeleine», que aparece en varios dibujos y pinturas, como La mujer del acróbata (Instituto de Arte de Chicago)[46] e inspiró el tema de La familia de Arlequín (1905).[47] En agosto de 1904 Picasso conoció a su primera compañera sentimental: Fernande Olivier (1881-1966), modelo de artistas y amiga de Benedetta, la mujer de Ricardo Canals, era conocida entre la colonia española del Bateau-Lavoir como «la belle Fernande». Con veintiún años los dos, Fernande fue el primer amor verdadero de Picasso, y se convirtió en su fuente de inspiración hasta 1910, aunque su relación no acabaría definitivamente hasta 1912.[45]
La bohemia del Lapin Agile
En octubre de 1904 Picasso conoció al poeta André Salmon, y también a Guillaume Apollinaire, poeta y escritor precursor del surrealismo, con los que estableció una relación muy cercana. Picasso se convirtió en un asiduo del cabaret Lapin Agile (el «Conejo ágil») y del Cirque Medrano. Desde que se instaló en Montmartre, la paleta y los temas de Picasso empezaron a cambiar; la pobreza y dureza de la vida de los artistas de circo y saltimbanquis aportaron un nuevo lirismo a sus cuadros en el paso de la época azul a la denominada época rosa. La época rosa se distingue por sus colores pastel y tonos cálidos, de líneas suaves y delicadas; con un especial énfasis sobre la línea y el dibujo, más que sobre el color, continuó trabajando las figuras con proporciones alargadas que recuerdan su admiración por El Greco, como en El actor (MoMA, Nueva York)[48] o en la acuarela El loco (Museo Picasso, Barcelona),[49] un recurso a fórmulas manieristas del que se ha señalado que Picasso hizo uso constante a lo largo de su carrera.[50] Los temas que trataba eran la alegría y la inquietud existencial; como en la época azul, subyace un toque de melancolía, pero en ese momento dominada por el afecto, con muchas referencias al mundo del zoológico y del circo. Pintó máscaras, arlequines, domadores y payasos; también es la época de las maternidades rosas. Obras representativas de esta época son Acróbata con balón (Muchacha con balón) (Pushkin State Museum of Fine Arts, Moscú),[51] La familia de saltimbanquis (Galería Nacional de Arte de Washington),[52] Acróbata y joven arlequín (Barnes Foundation, Filadelfia)[53] y Familia de acróbatas con mono (Göteborgs Kunstmuseum, Gotemburgo).[54]
La familia de saltimbanquis
Madame Cézanne en el invernadero (1891-92), de Paul Cézanne, un antecedente de la esquematización del rostro en la pintura de Picasso.
Del 25 de febrero al 6 de marzo de 1905 expuso en la Galería Sérurier sus primeras telas rosas. La crítica habló del anuncio de una transformación luminosa de su talento; tras el dramatismo de la época azul, Apollinaire describió las obras del período rosa en la Revue immoraliste: «Bajo los oropeles destellantes de sus saltimbanquis, se siente verdaderamente la piedad de las gentes del pueblo, versátiles, astutos, mañosos, pobres y mentirosos.» Según dijo Fernande Olivier, Picasso parecía amar aquello para lo que no estaba hecho, aquello que era diferente a él: los gitanos, las corridas de toros, los cabarets turbios, los payasos y el mundo del circo; amaba y se sumergía con delicia en todo aquello que tenía un color local violento.[55]
En la primavera del mismo año pintó una de sus principales obras de ese año, La familia de saltimbanquis,[52] una clara evolución hacia la época rosa; un paisaje desnudo y desdibujado en el que se enmarcan aisladas las bien dibujadas y estilizadas figuras de los titiriteros, personajes marginales cuya vida solitaria impresionaba a Picasso.[56] Una tarde, tras abandonar el Cirque Médrano con Max Jacob, decidió modelar su cabeza en barro, y conforme trabajaba la pieza en los siguientes días, añadió el sombrero y cascabeles de un bufón, al estilo de los personajes circenses. La pieza fue llamada El loco (cabeza de arlequín) (Museo Picasso, París),[57] que el galerista Ambroise Vollard consiguió que fuera fundida en bronce.[58]
Gertrude Stein
Gertrude Stein, fotografía de Carl van Vechten, 1935
Durante el verano, hizo un viaje al norte de los Países Bajos, y permaneció en Schoorl por seis semanas invitado por el escritor neerlandés Tom Schilperoort. Durante su estancia pintó un desnudo, La bella holandesa (Queensland Art Gallery, South Brisbane),[59] y Las tres holandesas (Museo Picasso, París),[60] una versión personal del tema clásico de las tres gracias. Tras un breve paso por París, pasó unas vacaciones en agosto con Fernande, en Tiana, al noreste de Barcelona. A su vuelta en septiembre, Fernande se mudó al modesto estudio de Picasso en el Bateau-Lavoir; el principio de su relación fue muy feliz, y las pinturas y dibujos que realizaba Picasso de Fernande celebraban su belleza y cercanía personal. Picasso tomó por costumbre visitar las pequeñas galerías, y junto con Fernande acudía a los populares vernissages de los salones oficiales.[58]
Gertrude Stein y su hermano Leo se habían instalado en París, y dedicaban su fortuna a reunir una extraordinaria colección de arte. Leo Stein compró Familia de acróbatas con mono[54] al marchante Clovis Sagot, por mediación del cual Leo y Gertrude fueron a visitar el estudio de Picasso y le compraron numerosas obras por 900 francos. Picasso se convirtió en un asíduo visitante del salón de Gertrude Stein en su apartamento de París; pintó un retrato de Leo y su hijo Michael e inició las primeras de las entre ochenta y noventa sesiones del famoso Retrato de Gertrude Stein (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York).[61] Gertrude había comprado recientemente Mujer con sombrero de Matisse, y decidió que ambos artistas debían encontrarse.[58]
Primitivismo ibérico
La Dama de Elche M.A.N. (Madrid).
En 1906, después de tres meses trabajando en el Retrato de Gertrude Stein,[61] lo abandonó temporalmente, y realizó los primeros bocetos de Las señoritas de Aviñón. Abandonó el tema de los arlequines por los jinetes y jóvenes en paisajes bucólicos, en la línea de Gauguin y Puvis de Chavannes, en una búsqueda de clasicismo tanto temático como formal, que condujo a Picasso al estudio del arte antiguo; en marzo descubrió el arte primitivo español en una exposición en el Louvre de esculturas ibéricas encontradas en Osuna y en el Cerro de los Santos, entre las que se encontraba la Dama de Elche. La galería de Ambroise Vollard adquirió la mayoría de las telas rosas también en marzo. En mayo se fue con Fernande Olivier a Barcelona, donde la presentó a amigos y parientes, y luego durante el verano a Gósol, en Lérida, donde entró de nuevo en contacto con el primitivismo esencial de la cultura popular, y pintó escenas de baños y desnudos vistos desde un exquisito dominio del rojo; esta paleta rojiza de Gósol refleja una preocupación por el modelado de los volúmenes, y un retorno a las raíces de un mediterráneo arcaico.[62] Esto le inspiró una serie de cuadros con personajes que rescatan ciertas características de ese primitivismo, rompiendo con su estilo anterior. Aunque la simplificación de rasgos y volúmenes son rasgos precursores del cubismo, ésta fue una etapa con entidad propia, que no puede incluirse en ningún estilo reconocido. Podemos observar en estos cuadros sus propios rasgos faciales incluso entre las figuras femeninas, lo que puede apreciarse comparándolos con los autorretratos de esta serie.[63] Esta estancia tuvo un impacto importante en la obra de Picasso, pues las pinturas de Gósol marcaron el comienzo de su revolución cubista el año siguiente; años más tarde Picasso retomó lo que hubiera sido el transcurrir lógico de este estilo, en su época neoclásica.
Protocubismo
Paul Gauguin: Autorretrato, 1893
En agosto de 1906, al volver de Gósol, retomó el Retrato de Gertrude Stein[61] trabajando de memoria (Stein se encontraba en Italia) y redujo su rostro a una especie de máscara ibérica, impasible y expresiva a la vez.[64] [61] Picasso dijo del Retrato de Gertrude Stein: «Todo el mundo piensa que ella no es en absoluto como su retrato, pero no importa, al final conseguirá parecerse a él.»[62] Bajo la influencia de la escultura ibérica y la pintura de Cézanne, que contemplaba expuesta en los salones, Picasso investigaba la forma y el volumen,[65] lo que puede apreciarse en el Autorretrato con paleta (Museo de arte de Filadelfia),[66] cuadro de un arcaísmo casi salvaje que también adelantaba las influencias acumuladas por Picasso desde 1905.[67] [63]
El Salón de Otoño de 1906 exhibió una retrospectiva de Gauguin que impresionó profundamente a Picasso y tuvo gran influencia en su trabajo; el Salón también incluía diez obras de Cézanne, que falleció por esas mismas fechas. En invierno Picasso pintó Dos mujeres desnudas (MoMA, Nueva York),[68] en las que llevó al extremo la estilización escultórica; la monumentalidad de las figuras y el uso autónomo de las luces y sombras remiten a Las grandes bañistas de Cézanne. Hacia final de año dejó de pintar, y se enfrascó en una serie de estudios y bocetos de desnudos para una composición de múltiples figuras bajo el tema del burdel, que culminaría en 1907 con la revolución que supusieron Las señoritas de Aviñón.[62]
Un burdel de la calle Avinyó
La primera reacción del entorno de Picasso ante los estudios previos de las señoritas fue en general poco favorable: sus amigos no acababan de entender este nuevo estilo. En un cuaderno de notas, Apollinaire lo describió como un «maravilloso lenguaje que ninguna literatura puede expresar, porque nuestras palabras ya han sido creadas.» Durante la primavera de 1907 Picasso conoció, a través de Apollinaire, a Georges Braque, quien tras visitar su estudio manifestó cierta agitación frente a la gran pintura.[69]
A mediados de mayo pintó Autorretrato (Národni Galerie, Praga):[70] la línea se convierte en un elemento estructural dominante, marcando las facciones y delineando incluso el resto de áreas de la imagen, casi todas llenas de color, y muy pocas de ellas modeladas. Incluso dejó zonas del lienzo sin pintar.[71] Hacia finales de mayo inició el lienzo definitivo de Las señoritas de Aviñón, y las figuras masculinas desaparecieron: una de ellas, un marinero, fue eliminada, y un estudiante situado a la izquierda fue reemplazado por una mujer desnuda sosteniendo una cortina.[69]
Influencias africanas
Escultura fang del siglo XIX, similar en estilo a las que Picasso conoció en París antes de finalizar Las señoritas de Aviñón.
Animado por André Derain, Picasso visitó en 1907 el Museo de Etnografía en el Palacio del Trocadero de París. Este fue su primer contacto con un amplio número de piezas africanas y oceánicas, que tanto Derain como Matisse coleccionaban desde hacía tiempo,[72] pero a las cuales Picasso no había prestado demasiada atención hasta ese momento. El descubrimiento del arte no-occidental dio un nuevo empuje a las Las señoritas de Aviñón, y también ejerció una considerable influencia sobre su trabajo escultórico.[73] Picasso modificó entonces los rostros de algunas de las señoritas, los dos de aspecto más «cubista» de los cinco, que se asemejan a máscaras africanas, mientras los dos centrales son más afines al estilo de los frescos medievales y las primitivas esculturas ibéricas; también el rostro de la figura de la izquierda presenta un perfil que recuerda las pinturas egipcias. Sin embargo, «art négre, connais pas», era la respuesta de Picasso a una pregunta de la revista Action en 1920; este período protocubista,[74] que se sitúa entre 1907 y 1909, es conocido también como el Período Africano, Período Negro o Período Oscuro de Picasso; su estilo se vio fuertemente influenciado por la escultura africana, pero el artista pretendió siempre lo contrario.[75]
Las señoritas de Aviñón
Las señoritas de Aviñón (MoMA, Nueva York)[76] supuso un nuevo punto de partida para Picasso, que eliminó las referencias a la tradición rompiendo con el realismo, abandonando los cánones de profundidad espacial y perspectiva, así como el ideal hasta entonces existente del cuerpo femenino, al reducir la obra a un conjunto de planos angulares, sin fondo delimitado ni perspectiva espacial, en el que las formas están marcadas por líneas claro-oscuras. Los tonos ocre-rojizos son característicos de su más amable época rosa, pero la crudeza del cuadro los convierte en agresivos.
El cuadro pudo estar también influenciado por las figuras alargadas de El Greco, en particular por su Visión del Apocalipsis, que Picasso posiblemente vio ese verano en París;[69] su estructura y composición deriva de Las grandes bañistas de Cézanne; la pintura de Cézanne hace de los objetos una presencia real, con especial énfasis en los volúmenes y el peso de los mismos, sin la palpitación atmosférica propia del impresionismo. Según Fermigier (1969:69), su retrospectiva en el Salón de Otoño de 1907 determinó la evolución ulterior de Picasso. También Braque, inspirado por Cézanne, inicia una serie de paisajes que muestran su transición del fovismo a su época protocubista.[69]
Hacia el cubismo
Las grandes bañistas de Cézanne, 1906, Museo de Arte de Filadelfia: una posible influencia.
La relación con Fernande entró en crisis, y decidieron separarse a finales de verano de 1907,[77] aunque se reconciliaron a finales de noviembre. En su ausencia, Max Jacob y Apollinaire habían persuadido a Picasso de fumar opio; Picasso se movía entre las bendiciones de las visiones y el temor a entregarse a la apatía y el hastío hacia el trabajo. La paleta de Picasso se llenó de brillantes colores «africanos»: pintó Mujer desnuda (la bailarina de Aviñón)(colección privada, Lausana),[78] un epílogo a Las señoritas de Aviñón en el que los elementos basados en el arte ibérico y africano alcanzan un nuevo grado de simplificación geométrica; en el mismo estilo, La danza de los velos (desnudo con drapeado) (Museo del Hermitage, San Petersburgo),[79] iniciado en verano y que fue comprado por Gertrude Stein junto a los bocetos preparatorios del mismo;[69] también Flores sobre una mesa (MoMA, Nueva York).[80] En las subsiguientes obras, las carnaciones se vuelven ocres y marrones, y Picasso se enfrenta a la vez con muchos experimentos de ruptura en sus cuadros: el abandono de la perspectiva; la conquista del espacio, fragmentando los planos mediante tonos planos con contornos gruesos y definidos; la búsqueda del relieve, mediante exagerados contornos azules en un fondo marrón y sombreados espesos; entre ellas se cuentan La amistad (Museo del Hermitage, San Petersburgo)[81] y Desnudo con toalla (colección privada, París).[82] El estudio de Picasso se convirtió en un centro de discusiones y debate, y no sólo sobre su obra. Braque llevó sus propias obras allí, Matisse y Picasso intercambiaron cuadros: el bodegón Cántaro, bol y limón (Fundación Beyeler, Riehen, Basilea)[83] de Picasso por el Retrato de Marguerite, la hija de Matisse.[69] La relación de Picasso y Matisse iba de la competición a la burla, pasando por una intensa admiración mutua; Matisse dijo que nadie había mirado su obra como Picasso, y nadie había mirado la obra de Picasso como él.[84]
Cubismo
Véase también: Cubismo
Teniendo Las señoritas de Aviñón como punto de partida, Braque y Picasso acabaron formulando el cubismo en 1908. El cubismo fue un punto de inflexión radical en la historia del arte que inspiró al resto de vanguardias artísticas el abandono del ilusionismo pictórico, rechazando la descripción naturalista en beneficio de composiciones de formas abstraídas de la percepción convencional, jugando con la tridimensionalidad y la estructura de las superficies.[85] Esta técnica, iniciada por Picasso y Braque, tuvo muchos seguidores, como Juan Gris, Francis Picabia, Brancusi, Delaunay y Albert Gleizes.
Cubismo cezannesco
Paul Cézanne: Mont Sainte-Victoire (1904), Museo de Arte de Filadelfia. Los paisajes de Cézanne inspiraron las primeras fases del cubismo.
En enero de 1908 Matisse abrió su escuela, la Ácademie Matisse. Por otro lado, Derain y Braque eran seguidores de Picasso, lo cual, añadido a su creciente amistad con Gertrude Stein, irritaba a Matisse. En el Salón de los Independientes de mayo de ese año, Derain y Braque presentaron cuadros inspirados en el nuevo estilo de Picasso que causaron un gran impacto entre la crítica. A Picasso le indignó que se hiciese la primera exhibición de arte cubista sin que se reconociera su papel como fuente de inspiración; especialmente Mujer (1908), un desnudo de Braque muy reciente, que no había comentado con nadie, ni siquiera con Picasso. Tras la clausura del Salón, Braque marchó a L'Estaque hasta septiembre. Los elementos africanos fueron cediendo terreno en la obra de Picasso en beneficio de efectos de relieve influencia de Cézanne, quizás relacionados con el reductivismo cezannista de los paisajes de Braque.[86]
Su amigo el pintor alemán Wieghels se suicidó en el Bateau-Lavoir, tras una velada en la que consumió un exceso de drogas variadas; esta tragedia convenció a Picasso y Fernande de abandonar el consumo de opio; Composición con cabeza de muerto (Museo del Hermitage, San Petersburgo),[87] finalizado a finales de primavera, podría ser una commemoración de la muerte de Wieghels.[86]
Durante el verano, Braque elaboró en L'Estaque una serie de paisajes cubistas en los que más que una inspiración, la ruptura de la perspectiva mecanizada de Cézanne es considerada una iniciación por el pintor. Picasso alquiló una granja en la Rue des Bois-par-Creil-Verneuil-Oise, a 60 kilómetros al norte de París; Fernande mencionó que con este retiro Picasso buscaba superar el estado de agitación nerviosa que la muerte de Wieghels le había provocado.[86] Ambos artistas comenzaron a representar la sensación de relieve mediante la aplicación arbitraria de las luces y sombras en detrimento del sombreado naturalista; las formas se simplificaron al extremo, con una mayor y más profunda esculturalidad en los cuadros de Picasso, cuya paleta se restringió a una gama de marrones, grises y verdes.[88] En los paisajes de Picasso se aprecian influencias de Henri Rousseau (1844-1910) y un primitivo Cezanne.
Matisse bautiza el Cubismo. Período verde
Henri Matisse en mayo de 1933.
Cuando en septiembre Braque presentó sus paisajes al Salón de Otoño el jurado, entre cuyos miembros estaba Matisse, rechazó las obras. Según Apollinaire, Matisse fue el primero en aplicar los términos «cubista» y «cubismo», al rechazar las obras de Braque presentadas al Salón. Esta historia es considerada desde 1912 el origen oficial del movimiento. Josep Palau i Fabre señala que en otoño de 1908 se inició lo que denomina período verde de Picasso: los bodegones que pintó en esa época muestran una estilización formal que se debe, posiblemente, a la aplicación de los postulados cezanescos, según los cuales las formas debían reducirse a conos, cilindros y esferas. Esta esquematización geométrica no lleva consigo una pérdida de corporeidad en los objetos representados, por lo que puede hablarse de un relieve plano.[89] Durante todo el verano y el mes de octubre completó la versión final de las Tres mujeres (Museo del Ermitage, San Petersburgo),[90] donde las influencias africanas de los primeros estudios del cuadro se diluyen en el nuevo estilo del período verde.
El banquete de Rousseau
Henri Rousseau: Portrait de femme (1895), Museo Picasso, París.
Tras la exposición de las obras de Braque en la galería de Daniel-Henry Kahnweiler, que fue mejor recibida por la crítica que sus obras presentadas al Salón de los Independientes, Picasso organizó en el Bateau-Lavoir un banquete en honor a Rousseau, para celebrar que acababa de comprar una obra del pintor, Retrato de una mujer, por cinco francos. Durante ese invierno el intercambio de ideas entre Braque y Picasso se incrementó hasta un nivel diario, al tiempo que su amistad se consolidaba.[86] El bodegón de frutas, un motivo emblemático de Cézanne, era uno de los temas que ambos pintores compartían en este momento:[91] Le compotier (Plato de fruta) (MoMA, Nueva York),[92] Naturaleza muerta con pescados y botellas (Musée d'Art Moderne de Lille Métropole, Villeneuve d'Ascq).[93] También trabajó durante el invierno en el Carnaval en el bistrot (Museo Picasso, París),[94] que cristalizaría a principios de 1909 en Panes y frutero con frutas sobre una mesa (Museo de Arte de Basilea).[95]
Cubismo analítico
Retorno a Horta de Sant Joan
Picasso empezó a ser apreciado por los coleccionistas; amigo de los Stein, que acababan de comprarle las Tres mujeres, el suizo Hermann Rupf compró varias obras suyas, y Dutilleul (cliente también de Braque) inició su colección. En marzo de 1909 se publicó en el Mercure de France un artículo de Charles Morice en el que por primera vez apareció impreso el término Cubismo. En mayo, Picasso y Fernande fueron a Barcelona a visitar a la familia y viejos amigos; pintó un Retrato de Manuel Pallarés (The Detroit Institute of Arts)[96] en el estudio de su amigo. Posteriormente se trasladaron a Horta de Sant Joan, once años después de su primera visita.[97] Allí pintó y dibujó naturalezas muertas y numerosos retratos de Fernande, entre ellos Mujer desnuda en un sillón (colección privada, Francia)[98] y Busto de mujer (Fernande) (Hiroshima Museum of Art).[99] La serie de retratos de Fernande iniciada en París culminó en Mujer con peras (Fernande) (MoMA, Nueva York).[100] También realizó seis grandes paisajes, entre ellos El embalse (Horta de Ebro) (MoMA, Nueva York);[101] La fábrica de Horta (Museo del Ermitage, San Petersburgo)[102] y Casas en la colina (Horta de Ebro) (Neue Nationalgalerie, Berlín).[103] Fueron los inicios del cubismo analítico, deudor de los conceptos de relieve, «perspectiva inversa» y modelado de Cézanne.
Cabaña cercana a la vía férrea Tortosa-Valdezafán a Horta de San Juan. El paisaje catalán, sus colores y la estructura casi cubista de los pueblos y construcciones coincidían con las ideas de Picasso; yo pinto lo que pienso, no lo que veo, dijo Picasso.[104]
En las obras que pintó en Horta los árboles y formas naturales fueron obviadas, y la roca superficialmente amorfa fue analizada y rota en planos para luego reconstruirla mediante la superposición de los planos; en algunos casos la geometrización se extendió al cielo, y el conjunto ofrecía una composición rigurosa con una profundidad que no envidiaba a la perspectiva tradicional. El uso de la luz era completamente arbitrario, estrictamente para acentuar los contornos y afilar los relieves. No obstante, el cubismo analítico era todavía una revisión y no un rechazo de la tradición; el cuadro seguía siendo una ventana ilusoria a un mundo representado, reconstruido. El cubismo sintético constituyó una negación de la tradición europea; el collage rompió la inviolabilidad de la superficie del cuadro y la representación de la realidad dejó de ser el objetivo del cuadro para ser su punto de partida.[104]
Traslado al bulevar de Clichy
En septiembre se trasladó a París, al nº 11 del bulevar de Clichy. Volvió cargado de obras del nuevo estilo y, pese al rechazo de público y crítica en la exposición que Vollard organizó con ellas, el selecto grupo de coleccionistas encabezado por Gertrude Stein y Sergei Shchukin seguía comprándola. Encerrado en su nuevo estudio, siguió desarrollando el cubismo, que en ese momento compartía además de con Braque, con un grupo de artistas de Montmartre fuertemente influenciados por el nuevo estilo entre los que estaban Derain, el español Juan Gris y Léger. El cubismo se extendía por Europa, con el constructivista y suprematista Malevich en Rusia y Mondrian en los Países Bajos, aunque ambos mostraban serias diferencias con el estilo de Picasso: según Penrose, su persecución de una geometría pura de las formas les alejaba del sujeto pictórico hacia la abstracción, algo que no formaba parte de los instintos de Picasso, para quien eliminar los símbolos y las alusiones poéticas de la pintura era una forma de castración; también inspiró a los futuristas liderados por Marinetti en Italia y los vorticistas en Inglaterra, que basaron su teoría estética en la forma y el movimiento y ritmo mecánicos, intentando introducir el tiempo en la representación pictórica. Pero Picasso no buscaba el desarrollo de teorías o escuelas; su necesidad era la ruptura con el pasado y darle a la obra de arte su propia vida interna.[105]
En el estudio de Manuel Hugué hizo esculturas como Cabeza de mujer (Fernande) (MoMA, Nueva York),[106] inspirada en las telas que pintó en Horta.[97] Fernande no se sentía a gusto con los cambios que se producían en su entorno y estilo de vida, añoraba la espontaneidad de sus primeros tiempos juntos.[107]
Los retratos cubistas
Ya en 1909 Picasso realizó una serie de retratos en los que el rigor en su disciplina de búsqueda de una nueva concepción del espacio le condujo a una reducción progresiva en el uso del color; en los paisajes de Horta y en Mujer que cose (Colección Claire B. Zeisler, Chicago),[108] pintado durante el invierno de 1909 a 1910, la paleta se restringió a ocres, grises y verdes, hasta eliminar este color y entrar en una monocromía que en ocasiones se rompía con sutiles gradaciones de grises y ocres. En 1910, pintó entre otros los retratos de Ambroise Vollard (Museo Pushkin, Moscú),[109] Wilhelm Uhde (Colección Pulitzer, St. Louis)[110] y Daniel-Henry Kahnweiler (Instituto de Arte de Chicago),[111] en los que, a pesar de su tendencia progresiva a pintar con el ojo del pensamiento más que directamente de la naturaleza, trabajó en numerosas sesiones con los modelos, a semejanza del de Gertrud Stein anteriormente; a pesar del progresivo proceso de segmentación analítica del espacio y la forma, Picasso captaba la fisonomía de los personajes.[112]
Picasso y Fernande pasaron el verano de 1910 en Cadaqués (Gerona, España), donde su amigo Ramón Pichot pasaba las vacaciones; alquilaron una casa a pie de mar, y se les unieron Derain y su esposa. Tras las vacaciones, Picasso volvió cargado de obras inacabadas en las que se hizo patente un avance hacia el nuevo lenguaje del cubismo;[113] en el Retrato de Daniel-Henry Kahnweiler[111] que pintó tras las vacaciones el personaje es tratado como una estructura tridimensional que se manifiesta en elementos trastocados en el espacio en una trama transparente, vista desde múltiples ángulos y aun así conformando una totalidad coherente,[114] como también sucede en cuadros como Mujer desnuda en pie (Museo de Arte de Filadelfia).[115]
El invierno de 1910 a 1911 Picasso y Braque mantuvieron una colaboración tan estrecha que es difícil aventurar el origen de las ideas que ambos pusieron en marcha, y al no firmar los cuadros hubo momentos en que se les hizo difícil distinguir la propia obra de la del otro; a medida que avanzaban en su análisis del objeto, Picasso y Braque sentían perder la referencia con su realidad reconocible. La inclusión de elementos de la realidad en sus composiciones cubistas les condujo posteriormente al trampantojo o trompe l'œil, y de aquí a la invención del collage, con lo que rompían con la tradición de no emplear más de un medio para una obra y ponían en cuestión los principios de la pintura misma.[116]
Reconocimiento del cubismo
Retrato de Picasso por Juan Gris (1912) en estilo cubista.
Picasso viajó a Céret, un pueblo en la Cataluña francesa, en julio de 1911. Fernande Olivier y Braque se reúnen con él en agosto, y ambos pintores prosiguieron con su estrecha colaboración en la definición del cubismo. Realizaron varios cuadros en los que introducían la cabecera del periódico local en sus obras, con una tipografía gótica reconocible, como El abanico ('L'Indépendant') (colección privada, Ascona, Suiza).[117] El 5 de septiembre Picasso regresó a París y en el Salón de Otoño de 1911 presentó una sala cubista, de la cual tanto él como Braque estuvieron ausentes. Este hecho chocó entre la prensa de Nueva York, Madrid y Ámsterdam, que cubrían el evento, puesto que era sabido que ellos eran los fundadores del estilo; se publicaron varios artículos y ensayos en torno a Picasso y Braque por toda Europa. La relación con Fernande se había deteriorado, y en otoño de ese año Picasso conoció a Eva Gouel (Marcelle Humbert), hasta el momento pareja sentimental del pintor polaco Louis Markus, a la que llamó ma jolie (mi bella) en varias de sus pinturas.[118]
A principios de 1912 Picasso realizó la primera escultura construida,[119] Guitarra (MoMA, Nueva York), hecha de cartón, cordel y alambre.[120] Picasso inició en gran medida un proceso que provocó la liberación de la escultura de conceptos clásicos como el volumen y la sustitución de los procesos de modelado o talla por todo tipo de técnicas constructivas que constituyeron una transformación revolucionaria en la escultura.[121] En un paralelismo con la técnica del collage cubista, cuya primera muestra es Naturaleza muerta con silla trenzada (Museo Picasso, París),[122] creado en la primavera de 1912,[119] las formas se redujeron a planos que podían articularse libremente. Los conceptos de ensamblaje y construcción hicieron posible la introducción de nuevas técnicas y materiales; la descomposición del volumen aportó nuevas perspectivas, la valoración del vacío y de la luz como elementos escultóricos de importancia equivalente a la masa.[121]
Cubismo hermético
Entre Céret y Sorgues
Entre 1912 y 1915 Picasso y Braque desarrollaron la segunda fase del cubismo, en la que retornaron a su obra un equivalente a los conceptos tradicionales que habían roto o eliminado en la fase precedente; formas, objetos y palabras se volvieron reconocibles al tiempo que se reconstituyó la superficie; recuperaron el uso de un cromatismo más sólido y brillante, los planos se contornearon y demarcaron claramente, superponiéndose y apareciendo una implicación con superficies texturadas y estampados decorativos.[123]
Entre abril y mayo de 1912 se celebró una exposición cubista en la Galería Dalmau de Barcelona sin obras de Picasso ni de Braque. La relación con Fernande se acabó; Picasso escribió a Braque: «Fernande me ha dejado tirado por un futurista». El 18 de mayo llega a Céret con Eva, donde realiza algunos dibujos en los que aplica papeles pintados del siglo XIX y pedazos de diarios. Cuando en junio Picasso se entera de que Fernande planea ir a Céret el verano con Pitxot y su mujer, escribe a Kahnweiler para que le diga que no espere nada de él, que estaría feliz si no volviera a verla más, al tiempo que reafirma su amor por Eva, indicando que va a escribirlo en sus pinturas. Es probable que entre junio y septiembre trabajara en Desnudo femenino ('J'aime Eva') (Museo de Arte de Columbus, Ohio),[119] donde aparece la declaración de amor escrita en el cuadro; se trata de una obra más ligera de cromatismo, con toques de colores ácidos, en la que la construcción de la figura femenina deriva de la técnica del collage que estaba aplicando en sus dibujos.[124] Escapando de la visita de Fernande, el 25 de junio se instala en la Villa des Clochettes, en Sorgues-sur-L'ouvèze. Las pinturas de Céret impresionaron a Braque, Picasso le pidió su opinión sobre Violín ('Jolie Eva') (Nueva Galería Estatal de Stuttgart),[125] en la que pintó superficies imitando añadidos de madera y de papeles escritos, o sobre El aficionado (Le torero) (Museo de Arte de Basilea).[126] Braque se instaló en agosto en Sorgues, donde reiniciaron su trabajo y siguieron perfilando sus conceptos artísticos.[119]
Traslado al bulevar Raspail
Cartel del Armory Show (1913).
En septiembre de 1912 visita París un par de semanas para organizar su traslado a un nuevo estudio en el 242 del bulevar Raspail, pero vuelve a Sorgues, donde trabaja sobre El aficionado (Le torero) y El poeta (Museo de Arte de Basilea).[127] ; el endurecimiento y aplanamiento de las formas caracteriza el cubismo hermético, que marca el inicio de la transición al cubismo sintético. Hacia finales de septiembre vuelve a París con Eva para recoger sus pertenencias y mudarse al nuevo estudio, donde se instalan el primero de octubre. A mediados de noviembre comienza la primera serie de papiers collés,[128] en respuesta al trabajo de Braque en este medio,[119] aplicando las técnicas de ensamblaje e incorporación de materiales en Guitarra, partitura, vaso (Museo de Arte McNay, San Antonio, Texas):[129] sobre un fondo de papel pintado, Picasso pegó fragmentos de papel entre los que hay un titular de Le Journal en el que preservó las palabras La bataille s'est engagé[e] (ha empezado la batalla).
A mediados de diciembre volvió a Céret, desde donde viajó a Barcelona con Eva durante las fiestas navideñas. Volvió a París el 21 de enero de 1913, donde empezó a trabajar en Violín colgado en la pared (Museo de Bellas Artes, Berna), en el que puso en práctica el uso de añadir arena en la pintura y en una doble imitación, simula el efecto de collage mediante planos que recuerdan los recortes de papel (que a su vez imitan una textura de madera) que solían usar Braque y Picasso en sus collages.[130] al tiempo que realizó una segunda serie de papiers collés[131] en los que utiliza diarios contemporáneos de París (en varios de ellos utilizó Le Figaro) o de Céret en la que se observa un incremento de la abstración y mayor colorido.[132]
A finales de febrero se celebró la primera retrospectiva de Picasso en Alemania, en la Moderne Galerie Heinrich Thannhauser en Múnich; también se incluyeron ocho obras suyas y tres de Braque en la International Exhibition of Modern Art (el Armory Show) en Nueva York, en el 69th Regiment Armory, que posteriormente viajaría a Chicago y Boston, uno de los eventos más influyentes en la historia del arte estadounidense en la que también estaba el famoso Desnudo descendiendo una escalera de Marcel Duchamp.[132]
Cubismo sintético
Cubismo poético
Picasso y Eva volvieron a Céret en marzo de 1913, aunque viajaría en varias ocasiones a Barcelona. Su padre murió a principios de mayo y Picasso acudió a su funeral. La salud de Eva tampoco era buena, y empeoró a finales de la primavera. En junio Picasso volvió a París, al tiempo que cayó enfermo con anginas o bronquitis (de las que se recuperaría a finales de julio), al igual que Eva, que al parecer nunca se recuperó del todo. En agosto vuelven a Céret, donde completó Hombre con guitarra (MoMA, Nueva York),[133] en el que se muestra el cubismo sintético desarrollado: motivos fragmentados del cubismo analítico sintetizados en formas grandes y planas que son «signos» de objetos. Tras una corta estancia, volvieron el 19 de agosto a París, donde comenzaron la mudanza a un nuevo estudio en el número 5bis de la calle Schoelcher, en el bulevar Raspail, con vistas al cementerio de Montmartre. En ese momento se inició el periodo llamado cubismo poético.[132]
Alrededor de la época del Salón de Otoño, Picasso pintó dos grandes obras de particular importancia, el Jugador de cartas (MoMA, Nueva York),[134] que contiene muchos elementos del collage trampantojo, y Mujer en camisa sentada en un sillón (colección privada, Nueva York), en la que se combinan el color del cubismo analítico y los patrones esquemáticos del sintético. Sigue desarrollando por otro lado sus ensamblajes; hacia finales de año el ruso Vladímir Tatlin, que conocía su trabajo por la colección Shchukin de Moscú, visitó París para ver a Picasso y su estudio, donde vio las construcciones de éste. A su retorno a Moscú, Tatlin hizo sus primeras construcciones.[132]
Cubismo surrealista
En 1914 Picasso realizó una tercera serie de papiers collés.[135] El 14 de enero Kahnweiler publicó El sitio de Jerusalén de Max Jacob, ilustrado por Picasso. Fue el inicio del cubismo surrealista.[136] También trabajó en sus construcciones, entre las que destaca El vaso de absenta (MoMA, Nueva York),[137] de la que su marchante Kahnweiler ordenó seis copias en bronce,[138] pintadas de distintos modos, algunas altamente coloreadas, otras con textura de arena.[136]
Cubismo puntillista y cubismo frío
A finales de junio Picasso y Eva se instalaron en Aviñón, cerca de Derain, que estaba en Montfavet, y de Braque en Sorgues. El atentado de Sarajevo en el que fueron asesinados el archiduque Francisco Fernando de Austria y su esposa desencadenó el inicio de la Primera Guerra Mundial. Apollinaire solicitó la ciudadanía francesa para alistarse como voluntario; Braque y Derain fueron movilizados, Picasso se despidió de ellos en la estación de Avignon el 2 de agosto de 1914.[136] En otoño, aún en Avignon, Naipes, vasos, botella de ron (Vive la France) (Colección Leigh B. Bloch, Chicago)[139] abrió el periodo del cubismo puntillista. Trabajó en series de dibujos de hombres apoyados en una balaustrada, una mesa o una silla, en estilos que van del naturalismo al cubismo; el lienzo inacabado El artista y su modelo (Museo Picasso, París),[140] que presumiblemente sería Eva, muestra una tendencia de retorno a la figuración representacional que resurgirá posteriormente.[136]
De retorno a París a mediados de noviembre, su en cierto modo ambivalente actitud hacia la guerra y su relación con sus patrones alemanes Kahnweiler y Thannhauser, unidos a que la mayor parte de los hombres jóvenes estaban en el frente, provocaron que Picasso fuera visto con desconfianza. En invierno pintó el óleo Naturaleza muerta: guitarra, periódico, vaso y as de trébol (Museo Picasso, París),[141] que introdujo el periodo llamado cubismo frío,[136] donde la composición se trabajaba en colores fríos, con una predominancia del azul.
Enfermedad y muerte de Eva
En enero de 1915 realizó el dibujo a lápiz Retrato de Max Jacob (Museo Picasso, París),[142] en un estilo naturalista. La salud de Eva sigue declinando y sufre una operación; en mayo, mientras ella se encuentra en un sanatorio, Picasso tiene un romance con Gabrielle Depeyre, con la que realizó ese mismo año un viaje en secreto a Saint-Tropez. En agosto realiza otro dibujo, Retrato de Ambroise Vollard (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York),[143] de técnica clásica y parecido casi fotográfico. Este tipo de dibujos seguían siendo contemporáneos con pinturas cubistas, como Arlequín (MoMA, Nueva York),[144] una composición austera de grandes áreas geométricas monocromas sobre un fondo negro, parte de una serie larga sobre ese tema, que puede entenderse como una alegoría de la pérdida, particularmente la enfermedad fatal de Eva, que fue trasladada al hospital de Auteil en noviembre. Picasso pasó momentos muy duros, «mi vida es un infierno», le escribía a Gertude Stein. Eva falleció el 14 de diciembre de 1915.[145]
Durante la guerra su trabajo se centró en bodegones cubistas y retratos de estilo naturalista; el cubismo, puntillismo, manierismo y neoclasicismo coexistieron en su trabajo desde 1917. Al finalizar la guerra, aunque siguió trabajando simultáneamente en estos estilos tan dispares, Picasso tendió poco a poco hacia un estilo neoclásico, que se mostró plenamente desarrollado en 1920 y que sustentó su interés hasta 1924.[146]
Los Ballets Rusos
Las señoritas de Aviñón en el Salón de Otoño
En 1916 tuvo relaciones con dos mujeres: Gabrielle Lespinasse, una corista de Montparnasse con la que tuvo un romance sin consecuencias y Elvira Paladini, sensual y sibarita, cuya presencia estimuló una cierta premonición de Italia en la obra de Picasso. En marzo, Apollinaire regresa herido del frente y Picasso realizó varios dibujos retratándole en los siguientes tres meses, como Retrato de Apollinaire (colección privada),[147] también en un estilo realista. En junio comenzó a mudarse al número 22 de la calle Victor-Hugo, en el barrio de Montrouge. Realizó varios retratos de Elvira Paladini y de Apollinaire, en un estilo realista, y varios dibujos de arlequines que recuerdan en su trazo a la época rosa. En julio se produjo la primera exhibición al público de Las señoritas de Aviñón en el Salón de Otoño, que organizó André Salmon. Al igual que sucedía con el cubismo, la crítica fue bastante dura con una obra que no alcanzaban a comprender.[148]
Parade
Retrato de Jean Cocteau (1916) por Amedeo Modigliani.
Tras un par de visitas previas, Jean Cocteau, a quien conoció en diciembre del año anterior, le invita el 1 de mayo a realizar el diseño del decorado para la compañía de los Ballets Rusos, dirigida por Sergéi Diágilev, con libreto del mismo Cocteau y música de Erik Satie; durante la visita realizaría un retrato realista del escritor. A finales de mayo Cocteau llevó a Diágilev a visitarle a su estudio, donde discutieron planes para el ballet, Parade. En agosto de 1916 aceptó finalmente trabajar en el ballet Parade. Picasso introdujo varios cambios en la obra, ideas que gustaban a Satie más que las de Cocteau. Finalmente en septiembre se pusieron de acuerdo,[148] y en enero de 1917 confirmó con Diágilev el acuerdo para realizar los decorados y vestuario para el ballet por la suma de 5000 francos, con 1000 francos adicionales si tuviera que ir a Roma. Entre febrero y marzo trabajó sobre el Telón para el ballet Parade (Musée National d'Art Moderne, Centro Georges Pompidou, París).[149]
El 19 de febrero llegó con Cocteau a Roma para unirse a Diágilev y los Ballets Rusos. Permaneció ocho semanas en el Grand Hôtel de Russie, en la esquina de Via del Babuino y la Piazza del Popolo, donde hizo muchos dibujos de la Villa Médici desde su ventana. Produjo muchos bocetos para los vestidos y decoración del ballet en un estudio alquilado en el 53b de la Via Margutta. Cuando no estaba trabajando socializaba con Diágilev, el coreógrafo de la obra Léonide Massine, el diseñador escénico Léon Bakst, Cocteau e Igor Stravinsky, de los que hizo retratos rápidos y caricaturas. También se encontró con los artistas futuristas italianos y visitó los lugares famosos de la ciudad con ellos, la Capilla Sixtina, las Estancias de Rafael y los museos vaticanos de escultura. Su estancia en Roma renovó su interés en el estilo académico de Ingres, cuya influencia se reflejaría en su obra en los años siguientes. Durante este periodo conoció a la bailarina Olga Khokhlova, miembro de la compañía de Diágilev con la que acabaría casándose.[146]
Partitura de Parade, música de Erik Satie. Este ballet fue la primera de una serie de colaboraciones de Picasso para la realización de telones, decorados y vestuarios para el teatro o la danza.
En marzo de 1917, Diágilev llevó a Picasso, Stravinsky, Cocteau y Massine de viaje a Nápoles, desde donde visitaron las ruinas de Herculano y Pompeya. En esos días vio la luz en París el magacín de literatura vanguardista Nord-Sud, que durante su corta existencia destacó como un poderoso foro de discusión vanguardista sobre cubismo, e intentó reunir los centros parisinos de literatura tradicional y de vanguardia, Montmartre y Montparnasse. Entre sus colaboradores se encontraban buena parte de los escritores que darían forma al surrealismo: Apollinaire (que acuñó el término por esas fechas), André Breton, Louis Aragon y Tristan Tzara entre otros. En abril, Cocteau regresó a París y Picasso se unió a la compañía de los Ballets Rusos en su viaje por Italia para estar cerca de Olga, pasando por Florencia (donde visitó la Capilla de los Médici, con las tumbas realizadas por Miguel Ángel) y Venecia.[146]
Tras la gira por Italia, la compañía se dirigió a finales de abril a París, donde el 18 de mayo de 1917 tuvo lugar la primera presentación de Parade en el Théâtre du Châtelet. La conjunción de estilos vanguardistas en arte, música y coreografía de la obra, en un periodo marcado por la guerra en Europa, convirtió ésta en el escándalo que Diágilev esperaba, siendo tachada de «ofensivamente anti-francesa». Apollinaire señaló en su ensayo para el programa del ballet que la síntesis de los diseños de Picasso y la coreografía de Massine alcanzaba por primera vez un tipo de «surrealismo donde veo el punto de partida de una serie de manifestaciones de este Nuevo Espíritu». Las noticias en la prensa fueron, por otro lado, terribles.[146] Entre mayo y junio realizó un realista Autoretrato (Museo Picasso, París)[150] y Los ojos del artista (Museo Picasso, Málaga)[151]
Estancia en Barcelona
Enamorado de Olga, Picasso acompañó a los Ballets Rusos a Madrid, donde actuaron durante el mes de junio; por influencia de Olga y su contacto con la compañía, Picasso frecuentó la alta sociedad madrileña. El 23 de junio llegaron a Barcelona, donde los Ballets Rusos representaron Las Meninas en el Teatro del Liceo. A finales de mes la compañía partió para Sudamérica, mientras que Olga y Picasso, ya comprometidos, se quedaron cuatro meses en Barcelona, donde sus amigos artistas catalanes Miguel Utrillo, Ángel Fernández de Soto, Ramón Reventós, Pallarés, Ricardo Canals, los hermanos Vidal y Francisco Iturriño le dieron un banquete de bienvenida en las Galerias Layetanes en julio.[146] Pintó el naturalista Arlequín de Barcelona (Museo Picasso, Barcelona)[152] y Olga Kokhlova con mantilla (Museo Picasso, Málaga);[153] Mujer con vestido español (La Salchichona) (Museo Picasso, Barcelona), con técnica divisionista;[154] en un estilo cubista, Mujer sentada en un sillón (Personaje) (Museo Picasso, Barcelona)[155] y Frutero (Museo Picasso, Barcelona).[156] También realizó numerosos dibujos de corridas de toros y retratos y dibujos de Olga.[157]
La tumba de Apollinaire en el cementerio del Père Lachaise presenta un monumento-menhir concebido por Picasso y financiado por la venta de dos obras de Matisse y Picasso el 21 de junio de 1924.
En noviembre los Ballets Rusos volvieron a España; representaron Parade en Barcelona, con una tibia recepción; durante la representación la hermana de Picasso, Lola, y su marido le presentaron al por entonces estudiante de arte Joan Miró. A finales de noviembre Olga y Picasso se preparan para volver a París.[146]
Periodo duquesa
1918 marca el inicio de lo que Max Jacob identificó como el periodo duquesa, que términó sobre 1923. Desde el 23 de enero hasta el 15 de febrero de 1918, Picasso expuso con Matisse en la galería de Paul Guillaume, una serie de pinturas protocubistas. En un clima aún hostil al cubismo, la exposición suscitó numerosos comentarios en la prensa; es posible que Las señoritas de Aviñón fueran parte de la exposición.[158] Finalizó un Retrato de Olga en un sillón (Museo Picasso, París)[159] en el estilo neoclásico de Ingres; Olga insistía en que sus retratos fueran reconocibles.[146]
Entre abril y mayo se mudó con Olga al Hotel Lutetia, un hotel de moda de primera clase en el bulevar Raspail; su estilo de vida cambió, frecuentaba el círculo de los Ballets Rusos y se movía entre la alta sociedad. El 12 de julio se casó con Olga, primero en la ceremonia legal requerida y luego en una misa de tres horas en la Iglesia Ortodoxa Rusa de la calle Daru, en París. Sus familias no acudieron, y Picasso pidió a Jean Cocteau, Max Jacob y Apollinaire que actuaran como testigos. Tras la boda, Olga se negó a ir a Montrouge, diciendo que no volvería jamás a esa casa «que olía a demasiadas mujeres». El 30 de julio llegaban a Biarritz en luna de miel; permanecieron en la Villa La Mimoseraie, de su amiga Eugenia Errazuriz. Allí desarrolló temas marinos, como Las bañistas (Museo Picasso, París),[160] en un estilo manierista con reminiscencias de sus figuras alargadas inspiradas en el estilo de El Greco. Su anfitriona le presentó a los marchantes de arte Georges Wildenstein y Paul Rosenberg; Rosenberg, en nombre de Wildenstein, hizo un contrato con Picasso. Realizó algunos retratos al estilo neoclásico de Ingres de sus mujeres y de la sociedad pudiente que venía de visita.[158]
A finales de septiembre volvió con Olga a Montrouge. Paul Rosenberg se convirtió en el marchante oficial de Picasso, quien sólo aceptó un acuerdo verbal con éste, que otorgaba al marchante la primera opción a la obra del artista; Daniel-Henry Kahnweiler había sido su marchante desde 1907 hasta que estalló la guerra entre Alemania y Francia y se vio forzado a marchar a Suiza. El 8 de octubre Picasso alquiló un gran apartamento en la rue de La Boëtie. Es probable que conociera en aquella época a Louis Aragon, y a través de éste y Apollinaire a André Breton. Poco después, el 9 de noviembre de 1918, dos días antes de que se firmara el armisticio de Rethondes que ponía fin a la Primera Guerra Mundial, murió Apollinaire de gripe española en su apartamento del bulevar Saint-Germain. Desde entones, Picasso visitó en esa fecha cada año la tumba de su amigo en el cementerio del Père-Lachaise.[158]
El sombrero de tres picos
Manuel de Falla en la década de 1920. Picasso colaboró con el músico gaditano en la realización de decorados y vestuario para los Ballets Rusos en las producciones de El sombrero de tres picos (1919) y Cuadro flamenco (1921).
Durante 1919 siguió trabajando en obras cubistas y realistas simultáneamente. Realizó algunas obras realistas, en las que se aprecia cierta monumentalidad y peso escultórico en las figuras, como Naturaleza muerta con jarra y manzanas (Museo Picasso, París)[161] y La siesta (MoMA, Nueva York)[162] en el estilo robusto y clásico del último Ingres, un carácter escultural y apariencia masiva en las figuras que se manifestaría en sus obras neoclásicas de 1920.[163]
La llegada de los Ballets Rusos a Londres tras la guerra coincidió con un momento en que interesarse por el arte, especialmente en arte de vanguardia, estaba de moda. El ballet permitía combinar el prestigio de los grandes bailarines con el escándalo de los jóvenes artistas revolucionarios, lo que tanto agradaba a esnobs como atraía a los intelectuales.[164] En mayo Picasso llegó a Londres, donde Diágilev preparaba un nuevo ballet con música de Manuel de Falla, El sombrero de tres picos, basado en la novela homónima de Pedro de Alarcón. Picasso se entusiasmó con la historia, ambientada en el sur de Italia en el siglo XVIII; y con la oportunidad de trabajar de nuevo con Massine y por primera vez con Falla. Durante los tres meses que estuvo en Londres realizó numerosos bocetos, dibujos y acuarelas para los decorados, el vestuario y el telón, que pintó personalmente asistido por Vladimir Polunin y su esposa Elizabeth. Cuando no estaban ocupados con los ensayos y pruebas del ballet se relacionaban con la sociedad inglesa, donde Picasso conoció a muchos artistas y escritores.[163]
El estreno de El sombrero de tres picos en el Alhambra Theatre el 22 de julio de 1919 fue un enorme éxito que hizo que en poco tiempo se abrieran escuelas de danza española en Londres.[163] Massine había aprendido los ritmos del flamenco y los aplicó en la coreografía de los bailarines, cuyo vestuario se adaptaba a la acción. Picasso había utilizado instintivamente curvas y zig-zags, motivos característicos de los carros de los campesinos españoles, ritmos que descienden probablemente de los arabescos caligráficos árabes. El contraste de verdes, rosas, rojo y negro evocaban igualmente España. El crítico Jean Bernier escribió: «todo el vestuario está, sin excepción, lleno de calidez y fuerza, templado por un gusto por la dignidad que es muy andaluz».[164]
Acompañando al éxito del ballet vino la vida social; Picasso y Olga, para deleite de ésta, fueron invitados a una serie de fiestas de la alta sociedad. Picasso encargó trajes en los mejores sastres y aparecía impecablemente vestido en las recepciones de moda.[164] En agosto Olga y Picasso volvieron a París, y de allí marcharon a Saint-Raphaël, en la Costa Azul; es probable que en el trayecto en tren Picasso observara la escena de cosecha que describió en La siesta. El tema de las ventanas en Saint-Raphaël, que trabajó ese verano en muchas acuarelas y dibujos, persistió en la obra de Picasso a su retorno en otoño a París hasta inicios de 1920.[163]
Pulcinella
Instalado en su apartamento de la rue de la Boëtie, Picasso se fue distanciando de la bohemia en la que vivía antes de la guerra; su vida personal era más tranquila, aunque se le podía ver vestido elegantemente en cócteles o comiendo fuera acompañado de Olga, vestida de Chanel. Su vinculación a los Ballets Rusos y los marchantes Léonce y Paul Rosenberg le proporcionó una atención más favorable de la crítica y una mayor visibilidad.[165]
En diciembre de 1919 Diágilev, de nuevo en París tras la temporada de Londres, le invitó a colaborar en un nuevo ballet inspirado en la Commedia dell'Arte, Pulcinella, con música de Stravinsky. Diágilev rechazó los primeros bocetos por ser demasiado modernos y recargados, posteriormente Picasso los simplificaría.[163] A principios de 1920 desarrolló un gran número de bocetos y estudios para Pulcinella.[166]
El 23 de enero de 1920 se representó El sombrero de tres picos en el Théâtre National de l'Opéra de París, al que invitó a su amigo Max Jacob, al que veía con menos frecuencia. Yendo hacia el teatro Jacob fue golpeado por un automóvil y hospitalizado; Picasso le visitó frecuentemente en el hospital, pero empezaron a verse menos a partir de entonces, dado que Jacob buscaba una vida social menos bulliciosa y pública.[165]
Igor Stravinsky en 1921. El músico ruso colaboró con Picasso en varias ocasiones, tanto para los Ballets Rusos como en la publicación de sus composiciones. Picasso dibujó en 1920 un Retrato de Igor Stravinsky (Museo Picasso, París).[167]
La idea de Massine para el ballet derivaba de las representaciones callejeras que vieron en el viaje que realizaron en 1917 a Nápoles. Junto a Diágilev, desarrollaron el libreto en base a antiguos textos napolitanos; la música de Stravinsky es un arreglo sobre música de Giovanni Battista Pergolesi, compositor italiano del siglo XVIII. Los primeros bocetos de Picasso eran de un estilo pseudorococó que, tras el rechazo inicial de Diágilev, simplificó en un estilo similar al cubismo con grandes superficies planas en azul, gris y blanco, sobre el que destacaba el vestuario de los personajes, basados en el estilo de los personajes tradicionales de la Commedia dell'Arte. Pulcinella se estrenó en el Théâtre National de l'Opéra de París en 15 de mayo de 1920.[165]
Este estilo de los decorados de Pulcinella se extendió a la pintura de Picasso, como puede verse en Pulcinella con una guitarra delante de un telón (Massine saludando);[168] los colores son vivos pero no estridentes, y la superficie pintada se volvió completamente plana.[165] Durante el verano en Juan-les-Pins siguió desarrollando este estilo y temática en una serie de gouaches coloristas, geométricos y planos sobre la Commedia dell'Arte, como Pierrot y arlequín (Galería Nacional de Arte, Washington).[169] En septiembre, aún en Juan-les-Pins, produjo una serie de dibujos y acuarelas sobre un tema de la antigüedad mediterránea, un episodio del intento de rapto de Deyanira, mujer de Hércules, por el centauro Neso, inspirados en los frescos pompeyanos que vio en su viaje a Nápoles en 1917.[165]
Cuadro flamenco
El 4 de febrero de 1921 nació su primer hijo, Pablo. En primavera inició los estudios para Cuadro flamenco, otro ballet de Diágilev, quien en esta ocasión contrató un grupo de ocho bailarines y cantantes andaluces para los que Falla hizo un arreglo de música popular. En principio había sido encargado al también español Juan Gris, pero Picasso, aduciendo que éste estaba enfermo y no tendría tiempo para desarrollar el proyecto con un plazo tan corto, se le adelantó presentando la idea que abandonó en Pulcinella de una cortina con ornamentos rococós y los proscenios con parejas observando el espectáculo,[170] como puede verse en Proyecto de decorado para Cuadro flamenco (Museo Picasso, París).[171] La relación con Gris se enfrió a consecuencia de ello, situación que se mantuvo hasta su fallecimiento en 1927.[172] El 22 de mayo se estrenó la obra, en el Théâtre de la Gaîté-Lyrique. La cubierta del programa estaba ilustrada con cuatro desnudos en la playa en un estilo neoclásico similar a otras obras del mismo tiempo. A su vuelta a París, continuó con trabajos en el estilo monumental neoclásico.[170]
Durante el verano, evitando el calor del sur de Francia, se trasladó con Olga y Pablo a Fontainebleau. El verano en Fontainebleau fue prolífico, con una mayoría de obras en el estilo escultural neoclásico. Los temas principales son madre y niño y mujeres en una fuente; puede verse en Madre e hijo en la orilla del mar (Instituto de Arte de Chicago),[173] y Tres mujeres en la fuente (Museo de la Orangerie, París),[174] con vestidos y peinados grecorromanos. También creó dos obras maestras del estilo cubista sintético: Músicos con máscaras (MoMA, Nueva York)[175] y Músicos con máscaras (Tres músicos) (Museo de Arte de Filadelfia);[176] el tema rememora su colaboración con los Ballets Rusos, particularmente algunos de los estudios para arlequines y pierrots de Pulcinella.[170]
Antígona
En 1922 Breton, asesor de Jacques Doucet en cuestiones de arte, comenzó a convencerle de la importancia de incorporar grandes obras de Picasso a su colección de arte moderno, que llevaría en 1924 a la adquisión de Las señoritas de Aviñón.[177] En junio, durante una visita a Dinard (Bretaña), pintó Dos mujeres corriendo por la playa (La carrera) (Museo Picasso, París).[178] una idealización de las figuras monumentales que pintó en 1921 con un nuevo elemento, el tratamiento del movimiento, que posteriormente sirvió de modelo para el telón de Le Train Bleu de Diágilev en 1924. También realizó algunos bocetos de su hijo y de su mujer y su hijo juntos, como puede verse en Familia a orillas del mar (Museo Picasso, París).[179] El 20 de diciembre de 1922 se estrenó la adaptación modernizada de Jean Cocteau de la Antígona de Sófocles en el Théâtre de l'Atelier, en Montmartre (París). La obra contó con decorado de Picasso, vestuario de Coco Chanel y música de Arthur Honegger.[177]
Léonide Massine, coreógrafo que colaboró habitualmente con Picasso en las producciones de los Ballets Rusos de Diágilev. Su Mercure fue el último ballet en el que trabajaría Picasso.
En 1923 Picasso continuó con el tema del arlequín; realizó varios retratos de Jacint Salvadó disfrazado de arlequín en un estilo menos monumental y más lírico. También realizó retratos de su hijo Pablo y de su mujer Olga;[180] y el Retrato de Doña María (la madre del artista) (colección privada).[181] Ese verano volvió de nuevo a la Riviera, instalándose en Antibes con Olga y Pablo. Realizó La flauta de Pan (Museo Picasso, París),[182] así como varios dibujos y bocetos sobre el mismo tema. En Antibes visitó mucha de la sociedad que pasaba sus vacaciones, como el pintor Gerald Murphy y su esposa Sarah (que aparece en sus dibujos) y el conde Étienne de Beaumont y su esposa; Beaumont le pidió que diseñara el decorado y vestuario para Mercure, que se estrenaría el verano de 1924.[180]
Mercure
El coreógrafo Léonide Massine había abandonado los Ballets Rusos para producir un ballet para el conde Étienne de Beaumont en una serie de espectáculos privados conocidos como Les Soirées de Paris en verano de 1924, con objeto de ayudar a la aristocracia rusa. Con música de Erik Satie y decorados y vestuario de Picasso, Massine produjo Mercure, el ballet más extraño y original desde Parade.[183] Los planos angulares y líneas rectas de Parade fueron reemplazadas por líneas curvas y onduladas, siluetas sinuosas en el decorado y el diseño de vestuario. El estreno de Mercure el 18 de junio en el Théâtre de la Cigale fue mal recibido por la crítica y el público. Algunos de los surrealistas criticaron que Picasso se involucrara en un proyecto burgués en ayuda de la aristocracia, pero Breton salió al paso defendiendo el trabajo artístico de Picasso, proclamando en su ensayo Hommage à Picasso (Homenaje a Picasso) «En lo que a mí respecta, considero la colaboración de Picasso en Mercure como el evento artístico más importante en los últimos años».[184]
Dos días después se estrenó Le train bleu, última colaboración con los Ballets Rusos de Sergéi Diágilev, en el Théâtre des Champs-Elysées. El telón fue pintado por el pintor de escenarios Alexander Shervashidze, a partir del gouache de Picasso Dos mujeres corriendo por la playa (La carrera).[178] El propio Picasso firmó el telón «Dedicado a Diágilev Picasso 24».[184]
En el verano de 1924 se instaló en la Villa La Vigie, en Juan-les-Pins. Picasso desarrolló en un cuaderno de bocetos una serie de dibujos pre-surrealistas, constelaciones de líneas y puntos, que fueron utilizados años después para una edición ilustrada preparada por Ambroise Vollard de Le Chef-d'œuvre Inconnu de Honoré de Balzac.[184] Para celebrar los cumpleaños de su hijo, Picasso realizaba retratos del niño cada año; en 1924 pintó Pablo de arlequín (Museo Picasso, París).[185]
La polémica en torno a las Soirées de Paris creció durante el verano y provocó un cisma entre los ex-dadás, enfrentando al grupo de Breton contra otro que giraba alrededor de Ivan Goll. En octubre Breton publicó el Manifiesto surrealista, en el que perfiló las consecuencias artísticas de la teoría del psicoanálisis y la interpretación de los sueños de Sigmund Freud. El término surrealismo, que acuñara Apollinaire en 1917, fue adoptado por Breton como nombre de su grupo. Aunque Picasso nunca se unió oficialmente al movimiento surrealista, su obra fue muy admirada por Breton, tanto como fue por Tristan Tzara y los dadaístas. La obra de Picasso aparece reproducida en ocho de los once números de La Révolution Surréaliste, publicados entre 1924 y 1929.[184]
Surrealismo
Periodo surrealista
Desde su matrimonio con Olga y el nacimiento de su primer hijo, Pablo, Picasso disfrutaba de una vida familiar feliz; llevaba una vida social muy activa, alternando con la aristocracia y la intelectualidad parisina; la crítica de vanguardia alababa sus logros artísticos, aunque se centraban en los aspectos formales, ignorando los elementos intuitivos y psicológicos de su obra. Aceptado por la sociedad y la crítica, Picasso estaba considerado como una parte de la tradición francesa que descollaba por encima de las travesuras de la nueva generación de dadaístas antiburgueses, que empezaban a ser suplantados por el grupo que se conocería como los surrealistas.[184]
André Breton fue un gran admirador del arte de Picasso, al que consideró como un exponente del Surrealismo, pese a que nunca se uniera oficialmente al movimiento.
En 1925 pintó, para el cuarto cumpleaños de su hijo, Pablo de pierrot (El hijo del artista) (Museo Picasso, París),[186] en un estilo naturalista similar al retrato de arlquín que pintó el año anterior. También pintó La danza (Tate Modern, Londres);[187] Se trata de un momento crucial en el desarrollo de Picasso, tras un periodo en el que trabajó tanto una forma decorativa del cubismo sintético como un estilo figurativo neoclasicista. La danza está en deuda con ambos estilos, pero su importancia radica en que marca una ruptura con una fase serena y clásica y el inicio de un nuevo periodo de violencia emocional y distorsión expresionista.[187]
La danza constituyó el inicio del periodo surrealista de Picasso, entre 1925 y 1938. Antítesis de sus dibujos clásicos sobre la danza, el carácter expresionista del cuadro simbolizaba la creciente irritación de Picasso hacia Olga y las mujeres en general; herido por la muerte de su amigo Ramón Pichot, creía que su mujer Germaine, que había sido la causa de la muerte de Casagemas, destruyó a su amigo como Olga le estaba destruyendo a él. Al dolor por la muerte de Pichot se une la del músico Erik Satie en julio.[188] En verano pintó, en Juan-les-Pins, El beso (Museo Picasso, París),[189] de un espíritu más agresivo aún que La danza. El motivo de las cabezas superpuestas, que aparece en la figura de la mujer y no en la escultura, encontraría continuidad en su obra posterior.[188] Las cualidades irracionales de esta serie de obras, así como las de las primeras obras cubistas, eran las que Breton encontraba análogas a la teoría del automatismo practicada por los artistas surrealistas.[188]
En el ensayo «El surrealismo y la pintura», publicado en julio de 1925 en el número 4 de La Révolution Surréaliste, Breton declaraba a Picasso como modelo de pintor y lo reclamaba como surrealista, al tiempo que señalaba la imposibilidad de aplicar una etiqueta que constriñera su trabajo: «La etiqueta "cubista" ha cometido mucho ese error». En noviembre se produjo la «Exposition: La Peinture Surréaliste», en la Galerie Pierre de París, en la que se expusieron dos de las pinturas del primer cubismo de Picasso, así como obras de Hans Arp, Giorgio de Chirico, Max Ernst, Paul Klee, André Masson, Joan Miró, Man Ray y Pierre Roy; Breton y Robert Desnos escribieron el prefacio del catálogo. La reseña de la exposición de Maurice Raynal en L'intransigeant decía: «¡El "padre del cubismo" se ha convertido en el hijo adoptivo de los surrealistas! Picasso acompañó en noviembre a su madre, que había pasado las vacaciones con ellos en la costa, a Barcelona. Allí conoció a Dalí, y visitó su primera exposición en solitario en la Galería Dalmau.[188]
Cubismo curvilíneo
En 1926 trabajó un estilo que se ha identificado como cubismo curvilíneo, en el que se combinaban las superficies sinuosas del cubismo decorativo, la superposición de cabezas en las figuras y las deformaciones curvas exploradas en los dibujos de constelaciones, aplicadas a una red cubista.[190] Puede verse en Las modistas (El taller de la modista) (Musée National d'Art Moderne, Centro Georges Pompidou, París)[191] y El pintor y su modelo (Museo Picasso, París),[192] obras monocromas pintadas en gris, negro, blanco y ocre canela. Realizó también varios retratos con cierto parecido a Marie-Thérèse Walter, una joven adolescente que según algunos autores presumiblemente conoció por vez primera a principios de 1925 en la Estación de París Saint-Lazare. Asimismo continuó trabajando el motivo de las cabezas superpuestas.[190]
En abril recibió la visita en su estudio de Dalí; pese a la mutua admiración, los dos artistas no llegaron a ser grandes amigos. Su recomendación a Diágilev de trabajar con Miró y Max Ernst los decorados y vestuario de su Romeo y Julieta llevó a que éstos fueran amenazados de expulsión del grupo surrealista, contrario a la colaboración con «una producción burguesa para la alta sociedad».[190]
Bañistas biomórficas
En enero de 1927 conoció a Marie-Thérèse Walter, una joven rubia de diecisiete años de edad, frente a las Galeries Lafayette de París (aunque algunos autores sitúan la fecha dos años antes). En seis meses se convirtieron en amantes. Aunque mantuvieron su relación en secreto hasta el nacimiento de su hija Maya en 1935, las referencias a Marie-Thérèse aparecieron en su obra poco tiempo después de conocerla. La tensión marital con Olga creció, su vida se volvía muy complicada intentando mantener el secreto de su relación. Pasó un infeliz verano en Cannes añorando a Marie-Thérèse mientras Olga se resentía porque Picasso nunca estaba presente en las reuniones sociales que organizaba.[193]
A finales de verano ejecutó un álbum de dibujos, Carnet des Métamorphoses, en el que dotó a bañistas biomórficas de formas esculturales elefantinas, con atributos sexuales que alcanzan proporciones monumentales, como puede verse en Bañista en la cabina (Figura femenina) (Museo Picasso, París).[194] Aunque probablemente se trata de estudios para un monumento a Apollinaire, Christian Zervos escribió en 1929 que Picasso los propuso como monumentos para la Croisette, el elegante paseo que separa la playa de los grandes hoteles en Cannes. A finales de 1927, de vuelta en París, trabajó con el impresor Louis Fort en una serie de trece grabados, encargados por Vollard, sobre el tema del «artista y modelo» para el libro Le Chef-d'œuvre Inconnu que publicaría en 1931.[193]
Escultura en hierro
En enero de 1928 realizó un gran collage llamado El Minotauro (Musée National d'Art Moderne, Centro Georges Pompidou, París.)[195] Consistente en dos piernas que salen de una cabeza de toro, es la primera aparición en su obra del tema mitológico del minotauro, mitad hombre, mitad toro, que culminó en el Guernica en 1937. También continuó trabajando el tema de las bañistas biomórficas y el pintor y su modelo.[196]
En marzo de 1928 retomó su amistad con el escultor Julio González, cuyo estudio de la rue de Médéah visitó frecuentemente para continuar aprendiendo técnicas de soldadura. En junio realizó su primera escultura tridimensional desde 1914, el bronce Metamorfosis I (Bañista) [Personaje femenino] (Museo Picasso, París),[197] a partir de dibujos de Marie-Thérèse completados en 1927.[196]
En verano se instaló con Olga y Pablo en Dinard, en la Bretaña francesa; en secreto, hospedó a Marie-Thérèse en un campamento de verano para niños cercano, y la inició en sus prácticas sexuales sadomasoquistas preferidas.[196] Continuó trabajando el tema de las bañistas biomórficas en cuadros y dibujos, como Bañista y cabina (MoMA, Nueva York),[198] y una serie de estudios sobre construcciones en metal soldado, en la línea de las constelaciones de puntos unidos por una red de líneas, de cara a un futuro monumento a Apollinaire. De vuelta en París, en otoño trabajó con González sobre este proyecto en una serie de maquetas realizadas con varillas de hierro,[199] que Kahnweiler describió como «dibujos en el espacio». Las maquetas fueron rechazadas por el comité encargado del monumento por considerarlas demasiado radicales e inapropiadas.[196]
La mujer castradora
En la primavera de 1929 realizó la escultura en hierro soldado y pintado La mujer en el jardín (Museo Picasso, París),[200] en el taller de González. También inició los primeros estudios para La crucifixión(Museo Picasso, París),[201] que completaría en 1930. La tensión de su matrimonio con Olga se reflejaba en obras como Busto de mujer y autorretrato (colección privada),[202] en el que una salvaje cabeza femenina con las fauces abiertas se impone sobre un perfil clásico de sí mismo. También en Gran desnudo en sillón rojo (Museo Picasso, París),[203] donde la figura femenina se contorsiona en un grito revelando elementos perturbadores en el subconsciente del artista. La naturaleza surreal de esta pintura se aprecia también en otras muchas obras.[204]
En enero de 1930 pintó Bañista sentada a orillas del mar (MoMA, Nueva York),[205] una mujer concebida como una estructura ósea, una criatura amenazante que contrasta con la serena atmósfera de la playa, cuya cabeza se asemeja a la de una mantis, uno de los símbolos favoritos de los surrealistas (la mantis devora a su compañero durante el acto sexual). Varias obras precedentes y posteriores de Picasso tienen ese mismo tipo de cabeza, y algunas también lo que se conoce como vagina dentata, evocando el «miedo a la castración psicosexual» que los surrealistas simbolizaban a través de la mantis religiosa.[206]
Boisgeloup
Sus obras se expusieron por vez primera en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), fundado el año anterior, como parte de la exposición «Painting in Paris». En junio adquirió el castillo de Boisgeloup, a setenta kilómetros al noroeste de París. Boisgeloup se convertiría en un refugio al que podía escapar con Marie-Thérèse; convirtió los establos en un estudio de escultura en el cual su deseo de volver a modelar en barro o escayola y la inspiración en su joven amante le estimularon a crear grandes bustos en escayola, algunos de ellos de una indudable naturaleza sexual. En otoño de 1930 realizó una serie de esculturas, la mayor parte talladas en madera y posteriormente fundidas en bronce, de pequeño tamaño y muy estilizadas.[207] Por esas fechas, Marie-Thérèse se trasladó al número 44 de la calle Boétie, frente al apartamento de Picasso.[206]
En septiembre de 1930 inició la serie de cien grabados que formarían la Suite Vollard; Picasso trabajó en esta serie desde 1930 a 1937, aunque el grueso del trabajo lo realizó entre 1933 (sesenta y un grabados) y 1934 (veinticuatro grabados). También trabajó sobre los grabados para Las metamorfosis de Ovidio,[208] publicado en 1931, un total de quince grabados a página completa y otros quince a media página.[206]
En enero de 1931 pintó Deux figures au bord de la mer y en marzo, Nature morte sur un guéridon. Ese año también se publicaron dos importantes libros ilustrados por Picasso: La Metamorfosis de Ovidio (Lausanne, Skira) y Le Chef d'œuvre inconnu de Balzac (París, Ambroise Vollard).
En 1932 termina Joven delante del espejo. Se llevó a cabo en junio una retrospectiva en la Galerie Georges Petit, entonces el Kunsthaus Zurich. Picasso trabaja en Boisgeloup las cabezas talladas de Marie-Therese y la serie de dibujos La Crucifixión de Grünewald.
El primer número del Minotauro, con una portada de Picasso, apareció en mayo de 1933. Pasó las vacaciones de verano 1933 en Cannes con Olga y Pablo. En septiembre, pintó en Boisgeloup La muerte de un torero.
De junio a septiembre de 1934 hizo unas series de toros, pintadas, dibujadas y grabadas. En agosto, viaja a España con Olga y Pablo, y fue a los toros en Burgos y Madrid. Visitó el Museo de Arte catalán Barcelona. Hizo las esculturas: Femme au feuillage y Femme à l'orange. En la primavera de 1935, la galería de exposiciones Pierre expone los papiers collés. Grabó Minotauromaquia. Se separó de Olga en junio y en octubre nació Maya Picasso, su hija con Marie-Therese Walter.
Hizo los dibujos al agua y otros sobre el tema del Minotauro. Ese mismo año, al comienzo de la Guerra Civil Española, fue nombrado director de Museo del Prado de Madrid. A principios de agosto, Picasso partió para Mougins y se reunió con Dora Maar.
Guernica y pacifismo
Placa en el hotel de la Rue des Grands-Augustins (París). «Pablo Picasso vivió en este inmueble de 1936 a 1955. En este estudio pintó 'Guernica' en 1937.
Igualmente aquí Balzac sitúa la acción de su novela 'Le Chef d'Oeuvre inconnu'».
Véase también: Guernica (cuadro)
En enero de 1937 el arquitecto catalán Josep Lluís Sert le pidió que colaborase con un gran mural para el pabellón de la Segunda República Española de la Exposición Internacional de París. El gobierno electo del país se enfrentaba a una posible derrota durante la Guerra Civil Española por los Nacionales de Franco, apoyados por la Alemania nazi y la Italia fascista. La república tenía la esperanza de demostrar al mundo que eran ellos los que representaban al pueblo español y sus logros. Picasso, que en 1936 había aceptado la invitación del entonces presidente de la república Manuel Azaña de convertirse en director honorario del Museo del Prado en Madrid,[209] se mostró reluctante en un principio, tanto por el tamaño del proyecto como porque nunca había aceptado antes un encargo con carácter propagandístico. Dora Maar encontró en febrero un estudio muy grande en el nº 7 de la rue des Grands-Augustins, donde Picasso podía llevar a cabo el proyecto.[210]
Ese mismo año realizó Sueños y mentiras de Franco, dos grabados con un formato semejante al cómic o a las aleluyas españolas,[211] con un total de dieciocho escenas, pensadas para ser reproducidas como estampas o postales, en las que denunciaba el golpe de estado fascista y señalaba los crímenes de la guerra, describiendo a Franco como una figura malvada y grotesca. A partir de junio sería acompañado por el poema del mismo nombre, con caricaturas del general Franco.[210]
El 26 de abril de 1937 se produjo el brutal bombardeo de la localidad de Guernica por parte de la alemana Legión Cóndor a petición de Franco. Picasso, que hasta entonces no tenía muy claro el tema para el cuadro, se inspiró en este hecho para desarrollar el mural del pabellón de la Segunda República, y se embarcó el 1 de mayo en la creación de una de sus obras más famosas: Guernica (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid), que fue finalmente expuesto en el Pabellón de España en la Exposición Internacional.[212] Dora Maar fotografió el proceso y los distintos estadios del cuadro, que Picasso finalizaría a principios de junio. El cuadro simboliza todo el horror de la guerra y la tragedia de la muerte de muchas víctimas inocentes.[213]
También en contra de la guerra, con motivo de su adhesión al Consejo Mundial de la Paz pintó el famoso La paloma de la paz en 1949. Recibió el premio internacional de la paz en 1955.
De octubre a diciembre de 1937, pintó La mujer que llora (París, Museo Picasso). Después en 1938, hizo un gran collage, Les Femmes à leur toilette (París, Musee National d'Art Moderne). En julio de 1938, va a Mougins con Dora Maar. En julio de 1939 fue con Dora Maar a vivir con Man Ray en Antibes, donde hizo Pêche de nuit à Antibes (Museo de Arte Moderno de Nueva York). A partir de septiembre de 1939 hasta principios de 1940, pintó en Royan el cuadro Séquence de femmes au chapeau.
Entre 1942 y 1943 realizó el ensamblaje, cabeza de toro (París, Museo Picasso), La Aubade (París, Musee National d'Art Moderne), L'Homme au mouton (París, Museo Picasso). Conoció a Francoise Gilot en mayo de 1943.
Compromiso con el Partido Comunista
Tras el final de la Segunda Guerra Mundial, sus cuadros se volvieron más optimistas, más alegres, mostrando, como el título de una serie de 1946, la alegría de vivir que se sentía entonces.
Picasso vive con Marie-Therese durante la insurrección de París en agosto de 1944. Se incorporó en octubre al Partido Comunista Francés y también en octubre abrió el Salón de Otoño y la retrospectiva de Picasso.
El Osario (Nueva York Museo de Arte Moderno) lo pintó en abril y mayo de 1945 a partir del recuerdo del descubrimiento en diciembre de 1944, del cuerpo de su amigo ajusticiado, el joven poeta surrealista Robert Rius. Picasso partió con Dora Maar hacia Cap d'Antibes en julio, y el 26 de noviembre Françoise volvió a convivir con Picasso.
Finalizada la guerra, el entorno de amistades de Picasso estaba compuesta por artistas e intelectuales comunistas, lo que marcó en cierto sentido al menos una parte de su obra entre 1946 y 1953.
Período de Vallauris
Vallauris y la cerámica
Palacio Grimaldi en Antibes, sede del Museo Picasso de la ciudad.
En 1946, Picasso y Françoise se fueron a vivir a Golfe-Juan, visitó a Matisse en Niza. A primeros de julio marchó a Ménerbes (Vaucluse) con Françoise, a la casa que había dado a Dora Maar. Recibía cartas a diario de Marie-Thérèse. Françoise estaba a disgusto y se marchó a las tres semanas en autostop a Marsella, con unos amigos; Picasso la encontró en el camino y le pidió que volviera, sugiriendo que tuvieran un hijo. Visitaron Vallauris, donde modeló tres piezas de cerámica en el taller de alfarería Madoura, de Georges Ramié.[214] A su retorno a Golfe-Juan en agosto, Françoise estaba embarazada. Picasso había conocido a Romual Dor de la Souchère, conservador del Museo de Antibes, en el Palacio Grimaldi, pero él prefiere decorar el museo; entre septiembre y octubre pintó veintidós paneles para el palacio, que más tarde sería Museo Picasso de Antibes, con temas marinos y composiciones mitológicas. Los estudios de faunos y figuras clásicas culminaron en el tríptico La joie de vivre (Pastorale) (Musée Picasso, Antibes),[215] título que tomó prestado de su amigo Matisse, para un cuadro que refleja la felicidad que compartía en aquella época con Françoise. En octubre coincidió durante la primera edición del Festival de Cine de Cannes con Breton, recién retornado del exilio en Estados Unidos. Breton, que se había negado en agosto a saludarle cuando coincidieron en Golfe-Juan, desairó de nuevo a Picasso por su afiliación al Partido Comunista; no volvieron a verse nunca más. Este gesto fue preludio a la ruptura violenta entre los surrealistas y el Comunismo desde 1947.[216]
Nacimiento de Claude
En 1947 trabajó naturalezas muertas con el tema búho en una silla, y grabados de faunos, centauros y bacantes, siguiendo la temática del verano en Antibes; a finales de enero, finalizó el óleo Monumento a los españoles muertos por Francia (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid),[217] que inició a finales de 1945. En febrero inició la serie de cuarenta y un aguafuertes y aguatintas para la edición de Luis de Góngora y Argote: Vingt Poèmes (Veinte poemas), publicado en París por Les Grands en 1949.[218] A finales de marzo hizo varias litografías sobre el David y Betsabé de Lucas Cranach el Viejo (1472–1553).[219] El 15 de mayo nació en París su hijo Claude, nombre que decidió Françoise en honor de Claude Gillot, maestro de Watteau. La pareja pasaba cada vez menos tiempo en el estudio de París y más en Golfe-Juan, donde se trasladaron con el niño a finales de junio; en agosto volvió a visitar el taller de cerámica de Georges Ramié en Vallauris, e inició una intensa producción, alrededor de dos mil piezas entre octubre de 1947 y 1948, introduciendo innovaciones formales, técnicas y colorísticas que condujeron a una revitalización de la industria cerámica de la ciudad, que declinaba desde la Primera Guerra Mundial. En pintura y grabado realizó unas pocas obras tan solo hasta final de año; siguió el trabajo sobre los grabados para los Vingt Poèmes de Góngora, algunos retratos de Françoise y naturalezas muertas. En diciembre realizó los escenarios para Oedipus Rex, de Sófocles, dirigida por Pierre Blanchar.[220]
Female head por Picasso en Halmstad, Suecia.
La Galloise, Vallauris
En la primavera de 1948 Picasso y Françoise abandonaron el apartamento que ocupaban en Golfe-Juan, y Picasso inició en mayo la realización de una serie de treinta y ocho grabados y cuatro aguatintas para ilustrar Carmen, de Próspero Mérimée (París, La Bibliothèque Française), que finalizaría en noviembre. En el verano se mudaron a una pequeña casa llamada La Galloise, en las colinas que rodean Vallauris. Françoise estableció un diálogo artístico abierto con Matisse, a través de correspondencia y de las visitas que realizaban al artista. Picasso finalizó el poema en seis actos Les Quatre Petites Filles, que empezó a escribir en noviembre de 1947. El 25 de agosto Picasso fue al Congreso de Intelectuales por la Paz en Breslavia, regresando a Vallauris a mediados de septiembre. En octubre volvió a su estudio en París, con Françoise de nuevo embarazada. Comenzó a trabajar el tema de la mujer-flor y varias naturalezas muertas. Pintó dos versiones de La Cuisine (La cocina), uno se encuentra en el Museo Picasso de París y el otro en el MoMA de (Nueva York), composiciones lineales construidas mediante ritmos y líneas de fuerza, con un uso escaso del color.[221] En diciembre realizó varios retratos de su hijo Claude, e imprimió veintisiete modelos de Femme assise dans un fauteuil, serie en la que Françoise luce un abrigo que Picasso le trajo de Polonia, y que continuó durante enero de 1949.[221] También continuó trabajando en naturalezas muertas con crustáceos; Nature morte au poron (Naturaleza muerta con porrón, Galerie Fabien Boulakia), Le grand homard rouge (El gran bogavante rojo, colección privada).[222]
Paloma
En febrero de 1949 Louis Aragon acudió al estudio parisino de Picasso a seleccionar un dibujo para el cartel del Congreso Mundial de Partisanos por la Paz que había de celebrarse en París en abril del mismo año. La colombe, un dibujo a lápiz azul sobre papel, fue el motivo escogido por Aragon, y la imagen fue conocida rápidamente como La paloma de la paz.
En marzo inició una serie de cuadros de Françoise sentada, con el título Femme assise,(Mujer sentada). En primavera volvió brevemente a Vallauris y compró una fábrica de esencias abandonada para usarla como estudio, y utilizó algunas habitaciones para almacenar su trabajo en cerámica. También comenzó a recolectar objetos y cachivaches, que posteriormente reutilizaría en distintas piezas. Intensificó su trabajo en escultura, que había reanudado en el año anterior: Femme enceinte (Mujer embarazada) figura una forma femenina a partir de una vara de metal larga, a la que añadió dos brazos arriba y dos piernas abajo, y un vientre hinchado con dos pequeños pechos en el centro. Realizó de nuevo una serie de obras inspiradas en cuadros de Lucas Cranach el Viejo: las litografías Vénus et l'Amour (Cranach) (Venus y Amor (Cranach)); Jeune fille inspirée par Cranach (Muchacha inspirada por Cranach), propiedad de Christie's y David et Bethsabée (Cranach) VII (David y Betsabé (Cranach) VII), del Museo Picasso de París. Las variaciones de Picasso sobre el David y Betsabé de Cranach tuvieron su origen en una reproducción en blanco y negro del catálogo de una exposición de 1937 sobre el artista realizada en Berlín, que Kahnweiler le había regalado.[223]
El 19 de abril de 1949 nació su segunda hija, el día de la apertura del Congreso por la Paz, y decidió llamarla Paloma en honor al símbolo que creó para los carteles que aparecían por todas las calles de París. Tras el parto, Françoise retomó su trabajo como pintora, y Kahnweiler le ofreció un contrato para ser su marchante en exclusiva.[224] Picasso volvió su interés hacia la pintura, dejando un poco de lado la cerámica y centrando su inspiración en sus hijos Claude y Paloma. La familia retornó a Vallauris en otoño, y Picasso, perdido un poco el interés por la cerámica, volvió a la pintura y la escultura de un modo más concentrado, realizando varios bronces, algunos de motivos africanos. Durante el año siguiente la escultura ocupó la mayor parte de su tiempo.[225]
El 6 de agosto de 1950 Laurent Casanova inauguró la exposición L'Homme au mouton en Vallauris. Picasso hizo La cabra, La mujer del cochecito y Niña saltando a la cuerda. El 15 de enero de 1951, pintó Masacre en Corea. En 1952, dibujó La guerra y La paz para decorar la capilla de Vallauris, escribió una segunda obra de teatro: Les Quatre Petites Filles.
En abril de 1954 hizo los retratos de Sylvette David. En diciembre comenzó la serie de variaciones sobre Las mujeres de Argel de Delacroix. Se instaló en mayo de 1955 con Jacqueline Roque en la villa La California en Cannes. En junio, se celebró una retrospectiva en el Museo de Artes Decorativas. Durante el verano trabajó con Henri-Georges Clouzot para la película Picasso Mystère.
En 1956 realizó Los Bañistas, esculturas en madera (Stuttgard, Staatsgalerie) que después fueron esculpidas en bronce. Pintó El taller de la California. El 17 de agosto de 1957 empezó a trabajar en las Meninas (Barcelona, Museo Picasso). El 29 de marzo de 1958 se presentó la decoración para la Unesco: La caída de Ícaro. En septiembre, Picasso compró el castillo de Vauvenargues y pintó La bahía de Cannes.
La ubicación del Museo Picasso (París) en el hotel Salé fue decidida en 1974. El fondo de obras se nutrió básicamente de la donación producida a la muerte del artista por sus sucesores, como intercambio por los impuestos derivados de la herencia. El museo fue abierto al público en 1985.[226]
Se casó con Jacqueline en Vallauris el 2 de marzo de 1961, y en junio se trasladó a Notre-Dame-de-Vie en Mougins (cerca de Cannes). Hizo: La Femme aux bras écartés, La silla, La mujer y los niños, Los Futbolistas. En noviembre de 1962 pintó El rapto de las sabinas del cual una versión está en el Museo Nacional de Arte Moderno de París. La inauguración de la retrospectiva en el Grand Palais y en el Petit Palais tuvo lugar el 19 de noviembre de 1966.
En enero de 1970, el Museo Picasso de Barcelona recibió la donación de las obras conservadas por su familia. Una exposición suya tuvo lugar en el Palacio de los Papas de Aviñón de mayo a octubre. En abril de 1971 la Galería Louise Leiris expuso 194 dibujos realizados entre el 15 de diciembre de 1969 y 12 de enero de 1971. Nueva exposición en la galería Louise Leiris en enero de 1973, mostrando los 156 aguafuertes realizados entre fines de 1970 y marzo de 1972. En 1973 murió debido a un edema pulmonar, en su casa de Mougins (Francia).
Obras
Véase también: Categoría:Cuadros de Pablo Picasso
• La primera comunión (1895-1896)
• Mujer con mantilla (1894), Museo Picasso Málaga
• Autorretrato mal peinado (1896) Museo Picasso de Barcelona
• Autorretrato con el pelo corto (1896), Museo Picasso de Barcelona
• Autorretrato (1899-1901)
• Autorretrato Yo, Picasso (primavera 1901), colección particular (New York)
• Maternidad, Picasso (1901)
• La muerte de Casagemas (1901)
• Autorretrato : Yo (1901), John Hay Whitney Collection (New York)
• En un café (1902)
• Autorretrato 1901 (fin 1901), Museo Picasso (París)
• la Sra. Soler (1903), Pinakothek der Moderne, Múnich
• Dama en Eden Concert (1903)
• Repasseuse(1903)
• La Tragedia (1903)
• La vida (1903)
• Retrato de Jaime Sabarté (1904)
• Retrato de Suzanne Bloch (1904), museo de Sao Paulo.
• Chico con pipa (1905), collection particulière
• Arlequin, sentado (1905)
• Los Saltimbanquis (1905)
• La Femme à l'éventail (1905)
• Garçon á la Collerette (1905) colección privada
• Retrato de Benedetta Canals (1905)
• Retrato de Gertrude Stein (1906)[61]
• Cabeza de hombre joven (1906)
• Cabeza de mujer (1906)
• Dos desnudos (1906)
• Autorretrato (primavera 1906), Gellman Collection (México)
• Autorretrato (verano 1906), colección particular
• Autorretrato con la paleta (verano/otono 1906), Philadelphia Museum of Art (Philadelphie)
• Marin, roulant une cigarette (1907)
• Autorretrato (Verano 1907), Národni Gallery (Prague)
• Las señoritas de Avignon (1907), Museo de Arte Moderno de Nueva York (New York)
• Desnudo amarillo (1907)
• Coupe des fruits avec des poires et des pommes (1908)
• Casas sobre una colina (Horta de Ebro) (1909)
• Mujer en verde (1909), Abbemuseum, Eindhoven, Países Bajos
• Cabeza de mujer (Fernanda) (1909), Stadel Museum à Francfort.
• Retrato de Georges Braque (1910)
• Violon (1912)
• Nature morte à la chaise cannée (primavera de 1912), Musée Picasso (París)
• Guitare et journal (1916)
• Arlequin, (1917, Museo Picasso de Barcelona).
• Olga Kokhlova à la mantille (1917), Museo Picasso Málaga
• Las Bañistas (1918)
• Nature morte devant une fenêtre à St. Raphael (1919)
• Retrato de la familia Sisley (1919)
• Baignants (1920)
• Los Tres Músicos (1921), Museum of Modern Art (New York)
• Maternidad (1921-1922), Museo Picasso Málaga
• Retrato de Paulo con gorro blanco (1923), Museo Picasso Málaga
• Olga au col de fourrure (1923), Palais des Beaux-Arts de Lille
• Paul en Arlequin (1924) Museo Picasso (París)
• Nature morte à la charlotte (1924), Centre Georges-Pompidou (París)
• Buste de jeune fille (1926), retrato de Marie-Thérèse Walter en el Musée d'art moderne et contemporain de Strasbourg.
• Marie-Thérèse à 21 ans dessin dérobé en février 2007 collection privée de Diana Widmaier, petite-fille du peintre.
• Grand nu au fauteuil rouge (1929), Museo Picasso de París
• Le Sculpteur (1931)
• [La Lecture] (1932)
• Desnudo, hojas verdes y busto, retrato de Marie-Thérèse Walter (1932)
• Corrida : la mort de la femme torero (1933)
• Minotauromachie (1935)
• Femmes lisant (1935)
• La Dépouille de Minotaure en costume d'Arlequin rideau de scène de la pièce de Romain Rolland, Le 14 juillet, Les Abattoirs de Toulouse
• Guernica (1937) museo Reina Sofia (Madrid)
• Maya à la poupée (1937), colección privada de Diana Widmaier, petite-fille du peintre (dérobé en février 2007, retrouvé le 7 août 2007)
• Femme assise sur la plage (1937) Musée des Beaux-arts, Lyon (legs Jacqueline Delubac 1997)
• Maya à la poupée et au cheval de bois, 22 de enero (1938)
• La femme qui pleure (1937)
• Portrait de femme au col vert (1938), Museo Picasso Málaga
• Dora Maar au chat (1941), colección particular, comprado por 9,2 millones de euros en mayo de 2006.
• La paloma de la paz (1949)
• Buste de femme, les bras croisés derrière la tête (1939), Museo Picasso Málaga
• Le Pull-over jaune (1939)
• Femme dans un fauteuil (1946), Museo Picasso Málaga
• La Joie de vivre (1946)
• La Colombe de la paix (1949)
• Massacre en Corée (1951)
• Madame Z ou Jacqueline aux fleurs (1954), colección particular
• Jacqueline au rocking-chair (1954), pinacoteca de París
• Jacqueline assise (1954), Museo Picasso Málaga
• Jacqueline en costume turc (abril de 1955), colección particular
• Jacqueline assise (1955)
• Las Palomas (1957)
• Portait de Jacqueline, 11 de febrero de 1961, colección privada de Diana Widmaier,
• Homme assis (autorretrato) (1965), colección particular
• Le Matador (1970)
• Baigneuse (1971), Museo Picasso Málaga
• Autoportrait (30 de junio de 1972), Fuji Television Gallery (Tokio)
• Tête d'Arlequin, vendido por 15,16 millones de dólares en 2007.
• Mousquetaire et nu assis vendido en una subasta por 9,954 millones de euros en junio de 2007.
• Las meninas (1957)
Escritura y libros ilustrados
En 1931 participó en la publicación de dos grandes obras ilustradas con estampas. Por un lado, Las Metamorfosis de Ovidio, con treinta grabados al aguafuerte y La obra maestra desconocida de Balzac, con 13 grabados al aguafuerte. En total, Picasso ilustró más de 150 libros durante su vida, incluyendo obras maestras del siglo XX: el Cantar de los muertos de Reverdy con 125 litografías, La Celestina, con 66 aguafuertes y aguatintas, veinte poemas de Góngora, con 41 aguafuertes y aguatintas, La Historia natural del Conde de Buffon con 31 grabados al aguatinta, la tauromaquia con veintisiete grabados al aguafuerte y aguatinta.
Durante la Segunda Guerra Mundial, Picasso escribió en el 1941 una obra de teatro de estilo surrealista, El Deseo atrapado por la cola, del que hará una lectura en marzo de 1944 en casa de Michel Leiris con sus amigos Simone de Beauvoir, Jean-Paul Sartre, Albert Camus, Louise Leiris y Pierre Reverdy entre otros. La obra se estrenó finalmente en julio de 1967. También escribió otras dos obras literarias: Las cuatro niñas y El entierro del Conde Orgaz.
Hijos
• Paulo Picasso (4 de febrero de 1921 - 5 de junio de 1975) - con Olga Khokhlova
• Maya Widmaier-Picasso (5 de septiembre de 1935) - con Marie-Thérèse Walter
• Claude Picasso (15 de mayo de 1947) - con Françoise Gilot
• Paloma Picasso (19 de abril de 1949) - con Françoise Gilot
Véase también
• Fundación Picasso. Museo Casa Natal (Málaga)
• Museos dedicados a su obra en el mundo
• Bateau-Lavoir
Referencias
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70. ↑ Online Picasso Project. «Autoportrait, 1907» (en inglés).
71. ↑ Online Picasso Project. «Obra, 1907» (en inglés).
72. ↑ Nota: Durante este tiempo, el imperio colonial francés fue expandiéndose por África, y los museos de París se llenaron de los artefactos que los franceses traían de vuelta de África.La prensa se hacía eco con exageradas historias de canibalismo y exóticos cuentos sobre el reino africano de Dahomey. También se hablaba del maltrato de los africanos en el Congo belga con el popular libro El corazón de las tinieblas (1899) de Joseph Conrad.Es natural, por lo tanto, que este clima de interés por África sirviese de inspiración para algunos de sus trabajos, interés quizás también provocado por Henri Matisse, quien le mostró una máscara de la región africana de Dan. Los estudiosos sostienen que Matisse compró esta pieza en la tienda de artefactos no-occidentales de Emile Heymenn en París.
73. ↑ Artículo sobre exposición Picasso. «Pequeña Figura. La Colección en contexto.» 4 junio- 16 de septiembre de 2007, Museo Picasso Málaga.
74. ↑ «Pablo Ruiz Picasso. Protocubismo». MSN Encarta. Consultado el 24 de marzo de 2009.
75. ↑ André Fermigier, Picasso, 1969, p.80
76. ↑ Online Picasso Project. «Les Demoiselles d'Avignon, 1907» (en inglés).
77. ↑ Nota: Ambroise Vollard compró el estudio de Picasso y la pareja se repartió el dinero; a mediados de septiembre, Fernande habitaba su propio apartamento.
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186. ↑ Online Picasso Project. «Paul en pierrot (Le fils d'artiste) (1925)» (en inglés).
187. ↑ a b Online Picasso Project. «Paul en pierrot (Le fils d'artiste) (1925)» (en inglés).; véase comentario asociado.
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199. ↑ Online Picasso Project. «Escultura (septiembre-diciembre de 1928)» (en inglés).
200. ↑ Online Picasso Project. «La femme au jardin (1929)» (en inglés).
201. ↑ Online Picasso Project. «La crucifixion (1930)» (en inglés).
202. ↑ Online Picasso Project. «Buste de femme et autoportrait (1929)» (en inglés).
203. ↑ Online Picasso Project. «Grand nu au fauteuil rouge (1929)» (en inglés).
204. ↑ Online Picasso Project. «Biografía, 1929» (en inglés).
205. ↑ Online Picasso Project. «Baigneuse assise au bord de la mer (1930)» (en inglés).
206. ↑ a b c Online Picasso Project. «Biografía, 1930» (en inglés).
207. ↑ Online Picasso Project. «Esculturas, 1930» (en inglés).
208. ↑ Online Picasso Project. «Grabados, 1930» (en inglés).
209. ↑ Nota: Las obras de arte habían sido trasladadas a un lugar seguro, y picasso comentó Entonces, ¡soy el director de un museo vacío!
210. ↑ a b Online Picasso Project. «Biografía, 1937» (en inglés).
211. ↑ Aleluya según el DRAE: 10. f. Cada una de las estampas que, formando serie, contiene un pliego de papel, con la explicación del asunto, generalmente en versos pareados.
212. ↑ Online Picasso Project. «Guernica (1937)» (en inglés).
213. ↑ Estando en París durante la Segunda Guerra Mundial, al parecer se reunió Picasso en su estudio con funcionarios alemanes muy interesados en su trabajo. Los agentes, al ver el famoso cuadro Guernica, le preguntaron: «¿Lo hizo usted?». Picasso presuntamente contestó: «No ... usted».Penrose, Roland (1958). Picasso. Flammarion.
214. ↑ Galerie Madoura. «Sitio web oficial» (en inglés).
215. ↑ Online Picasso Project. «La joie de vivre (Pastorale) (1946)» (en inglés).
216. ↑ Online Picasso Project. «Biografía, 1946» (en inglés).
217. ↑ Online Picasso Project. «Monument aux espagnols morts pour la France (1947)» (en inglés).
218. ↑ Para la serie completa, escribió textos en español e iluminó los márgenes. En marzo hizo la litografía Retrato de Góngora
219. ↑ Emuseo de la Universidad Autónoma Metropolitana de Azcapotzalco. «Pablo Picasso, paráfrasis y poética» (en español). Consultado el 8 de abril de 2009. «Pablo Picasso realizó a través de perceptualizaciones la paráfrasis de la historia universal del arte visual.».
220. ↑ Online Picasso Project. «Obra, 1947» (en inglés).
221. ↑ a b Online Picasso Project. «Biografía, 1948» (en inglés).
222. ↑ Online Picasso Project. «Obra, 1948» (en inglés).
223. ↑ Online Picasso Project. «Obra, 1949» (en inglés).
224. ↑ Françoise fue una de las dos únicas mujeres que el influyente marchante tendría a lo largo de su carrera bajo contrato.
225. ↑ Online Picasso Project. «Biografía, 1949» (en inglés).
226. ↑ Musée Picasso de Paris. «De l'Hôtel Salé au Musée Picasso» (en francés). Consultado el 8 de abril de 2009.
Licencia
• Este artículo fue creado a partir de la traducción del artículo Picasso de la Wikipedia en francés, bajo licencia Creative Commons Compartir Igual 3.0 y GFDL.
Bibliografía
• «On-line Picasso Project» (en inglés).
• Carl Gustav Jung, Picasso (1932), libro 9 del Volumen 15 de la Obra Completa: Sobre el fenómeno del espíritu en el arte y en la ciencia (Madrid: Trotta, 1999 [3ª edición 2007]. ISBN 84-8164-342-4)
• Santiago Sebastián El Guernica y otras obras de Picasso : Contextos iconográficos, Editum: Ediciones de la Universidad de Murcia 1984 ISBN 84-86031-49-4
• Christian Zervos, Catalogue raisonné des œuvres de Pablo Picasso, París, éditions Cahiers d'art, 1932-1978.
• Léo Steinberg, Trois études sur Picasso, coll. Arts et Esthétiques n° 9, Éditions Carré, 1996 ISBN|2-908393-44-1
• Élisabeth Lièvre-Crosson, Du cubisme au surréalisme, coll. Les essentiels n°20, Milan, 1995 ISBN|2-84113-272-2
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• Penrose, Roland (1981) (en inglés). Picasso, his life and work. University of California Press. ISBN 9780520042070. http://books.google.es/books?id=carMd_8ii2kC&printsec=frontcover&source=gbs_atb#v=onepage&q&f=false.
Enlaces externos
• Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Pablo Picasso.Commons
• Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Pablo Picasso. Wikiquote
Museos y exposiciones
• Fundación Picasso, Museo Casa Natal
• Exposición "Picasso. Tradición y vanguardia" Museo del Prado y Reina Sofía, Madrid 2006 Incluye catálogo completo de la exposición
Otros enlaces de interés
• Sitio oficial de la sucesión de Picasso (en español)
• Picasso en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York (en inglés)
• Pablo Picasso en la Artcyclopedia, con enlaces a museos y exposiciones en todo el mundo. (en inglés)
• Galleryofart: Pablo Picasso (en inglés)
• drasolt.com: Rey Picasso Excelente banco de imágenes de la obra del artista.
• masdearte.com: Pablo Picasso: Biografía
• Pablo Ruiz Picasso en museovirtual.org
• Pablo Picasso: Toros dibujados con luz
• clarin.com: Pablo Picasso: el artista que hizo del siglo XX una obra propia
• Hª-del-arte-erotico.com: El desnudo en la obra de Picasso
Pablo Picasso
Foto de Pablo Picasso (enero de 1962).
Nombre de nacimiento
Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso[1]
Nacimiento
25 de octubre de 1881
Málaga (Andalucía), España
Fallecimiento
8 de abril de 1973 (91 años)
Mougins, Francia
Nacionalidad
España
Área
Pintura, dibujo y escultura
Firma de Pablo Picasso.
Pablo Ruiz Picasso (Málaga, España, 25 de octubre de 1881 - Mougins, Francia, 8 de abril de 1973), conocido como Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista.
Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis de muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras actualmente presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales.
En lo político, Picasso se declaraba pacifista y comunista. Fue miembro del Partido Comunista Francés hasta su muerte,[2] el 8 de abril de 1973 en Notre-Dame-de-Vie (Mougins, Francia) a los 91 años. Está enterrado en el parque del castillo de Vauvenargues (Bouches-du-Rhone).
Contenido
• 1 Biografía
o 1.1 Infancia
o 1.2 Primeras pinturas
o 1.3 Entre Barcelona y París. El período azul
1.3.1 El entierro de Casagemas
1.3.2 Entre Barcelona y París
1.3.3 La vida
o 1.4 París, Bateau Lavoir. El período rosa
1.4.1 La belle Fernande
1.4.2 La bohemia del Lapin Agile
1.4.3 La familia de saltimbanquis
1.4.4 Gertrude Stein
1.4.5 Primitivismo ibérico
o 1.5 Protocubismo
1.5.1 Un burdel de la calle Avinyó
1.5.2 Influencias africanas
1.5.3 Las señoritas de Aviñón
1.5.4 Hacia el cubismo
o 1.6 Cubismo
1.6.1 Cubismo cezannesco
1.6.1.1 Matisse bautiza el Cubismo. Período verde
1.6.1.2 El banquete de Rousseau
1.6.2 Cubismo analítico
1.6.2.1 Retorno a Horta de Sant Joan
1.6.2.2 Traslado al bulevar de Clichy
1.6.2.3 Los retratos cubistas
1.6.2.4 Reconocimiento del cubismo
1.6.3 Cubismo hermético
1.6.3.1 Entre Céret y Sorgues
1.6.3.2 Traslado al bulevar Raspail
1.6.4 Cubismo sintético
1.6.4.1 Cubismo poético
1.6.4.2 Cubismo surrealista
1.6.4.3 Cubismo puntillista y cubismo frío
1.6.4.4 Enfermedad y muerte de Eva
o 1.7 Los Ballets Rusos
1.7.1 Las señoritas de Aviñón en el Salón de Otoño
1.7.2 Parade
1.7.3 Estancia en Barcelona
1.7.4 Periodo duquesa
1.7.5 El sombrero de tres picos
1.7.6 Pulcinella
1.7.7 Cuadro flamenco
1.7.8 Antígona
1.7.9 Mercure
o 1.8 Surrealismo
1.8.1 Periodo surrealista
1.8.2 Cubismo curvilíneo
1.8.3 Bañistas biomórficas
1.8.4 Escultura en hierro
1.8.5 La mujer castradora
1.8.6 Boisgeloup
o 1.9 Guernica y pacifismo
o 1.10 Compromiso con el Partido Comunista
o 1.11 Período de Vallauris
1.11.1 Vallauris y la cerámica
1.11.2 Nacimiento de Claude
1.11.3 La Galloise, Vallauris
1.11.4 Paloma
• 2 Obras
o 2.1 Escritura y libros ilustrados
• 3 Hijos
• 4 Véase también
• 5 Referencias
o 5.1 Licencia
• 6 Bibliografía
• 7 Enlaces externos
o 7.1 Museos y exposiciones
o 7.2 Otros enlaces de interés
Biografía
Infancia
Casa donde nació Picasso, Plaza de la Merced de Málaga.
«Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso» (según su certificado de nacimiento) o «Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Crispiniano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso» (según su partida de bautismo),[1] [3] fue el primer hijo de José Ruiz Blasco y María Picasso López. Nació el 25 de octubre de 1881 en Málaga, España, en el seno de una familia pequeñoburguesa. Picasso tuvo dos hermanas, Dolores (1884-1958) y Concepción (1887-1895).
De su padre se sabe que quiso ser pintor y fue profesor de dibujo en la escuela de Málaga llamada San Telmo. De la madre se conoce poco; al parecer era de una personalidad más fuerte que la de su marido, y Picasso tuvo siempre hacia ella mayor respeto y ternura, lo que algunos creen ver en el retrato que le dibujó en 1923.[4]
Picasso empezó a pintar desde edad temprana. En 1889, a los ocho años, tras una corrida de toros y bajo la dirección de su padre pintó El pequeño picador, su primera pintura al óleo,[5] [6] de la que siempre se negó a separarse.
En 1891, la familia abandonó Málaga, cuando el padre fue nombrado profesor en el Instituto de La Coruña. Allí, Pablo trabajó en sus dibujos y mostró una fuerte confianza en sí y en sus dotes; tenía diez años. Sus primeros trabajos, de un realismo vigoroso y casi feroz, mostraban una temprana predilección por los personajes populares.[4]
El de 1895 fue un año de sucesos importantes en su infancia; en enero, falleció su hermana Concepción, y en septiembre su padre obtuvo una cátedra en la Lonja, Escuela de Artes y Oficios de Barcelona, donde el joven Pablo fue admitido como alumno y cursó estudios durante dos años, lo que le condujo a pintar, quizás por complacer a su padre, una serie de cuadros en los que el academicismo sentimental del estilo sorprendía tras la vitalidad de los retratos que había realizado en La Coruña.[4]
Estudiante brillante y precoz, Picasso superó en un solo día, a la edad de catorce años, el examen de ingreso en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, y se le permitió saltarse las dos primeras clases. De acuerdo con una de las muchas leyendas sobre el artista, su padre, tras reconocer el extraordinario talento de su hijo al contemplar sus primeros trabajos infantiles, le entregó sus pinceles y su paleta y prometió no volver a pintar en su vida.[4]
A diferencia de la música, no hay niños prodigios en la pintura. Lo que la gente percibe como genio prematuro es el genio de la infancia. No desaparece gradualmente a medida que envejece. Es posible que ese niño se convierta en un verdadero pintor un día, quizás incluso un gran pintor. Pero tendría que empezar desde el principio. Por lo tanto, por lo que a mí respecta, yo no era un genio. Mis primeros dibujos nunca se han mostrado en una exposición de dibujos infantiles. Me faltaba la torpeza de un niño, su ingenuidad. He hecho dibujos académicos a la edad de siete años, con una precisión de la que me asusto.
Picasso
Primeras pinturas
Durante el invierno de 1895 realizó su primer gran lienzo académico, La primera comunión (Museo Picasso, Barcelona),[7] en Barcelona, ciudad en la que residió unos nueve años, salvo algunas vacaciones de verano y estancias más o menos largas en Madrid y París.[8] En 1897 presentó el lienzo Ciencia y caridad (Museo Picasso, Barcelona) en la Exposición General de Bellas Artes de Madrid.[9] Durante el verano pasó, una vez más, sus vacaciones en Málaga, donde pintó paisajes y corridas de toros.[10]
Entrada al café Els Quatre Gats.
En septiembre, marchó a Madrid para iniciar estudios en la Academia de San Fernando,[10] pero pronto abandonó la Academia: la atmósfera intelectual de la capital, impermeable al modernismo catalán que Picasso intentaba introducir (fundó una pequeña revista en 1901, Arte Joven, que tuvo una existencia bastante breve) no le convencía. No obstante, aprovechó sus frecuentes visitas al Museo del Prado para conocer mejor la obra de El Greco, que era vindicada por artistas y estudiosos de finales del siglo XIX.[11]
Desde 1898 firmó sus obras como «Pablo Ruiz Picasso», luego como «Pablo R. Picasso», y sólo como «Picasso» desde 1901. El cambio no implica un rechazo de la figura paterna, sino que obedecía al deseo de Picasso de distinguirse como personaje, iniciado por sus amigos catalanes, que tomaron la costumbre de llamarlo por el apellido materno, mucho menos corriente que el Ruiz paterno.[12]
Un captaire a París, 1897, de Isidre Nonell.
Volvió a Barcelona en junio de 1898, enfermo de escarlatina y se trasladó a Horta de Ebro (actual Horta de San Juan), el pueblo de su amigo Manuel Pallarés, situado al sur del Ebro cerca de la ciudad de Gandesa (Terra Alta, Tarragona). En esta estancia, Picasso se reencontró con las raíces primordiales del país y con un cierto retorno a la naturaleza, más en consonancia con el ideario modernista, lo que constituyó uno de los primeros episodios «primitivistas» de su carrera.[13]
Abandonado el propósito de vivir en Madrid para dedicarse a copiar a los grandes maestros, en febrero de 1899 estaba de vuelta en Barcelona,[14] donde comenzó a frecuentar la cervecería Els Quatre Gats, insignia de la bohemia modernista y lugar en el que realizó su primera exposición individual e hizo amistad con Jaime Sabartés y Carlos Casagemas. En este ambiente Picasso entró en contacto con el pensamiento anarquista, implantado en Barcelona. La miseria reinante en los barrios bajos de Barcelona, los soldados enfermos y heridos que volvían a España tras la desastrosa Guerra de Cuba, crearon un caldo de cultivo de violencia social que sin duda marcó, a un nivel individual y moral más que puramente político, la sensibilidad de Picasso, y que pueden ser apreciados en ciertos dibujos realizados entre 1897 y 1901: El prisionero, Un miting anarquista.[15] [16]
En octubre de 1900 visitó París con Casagemas para asistir a la Exposición Universal, donde se exhibía una obra suya, Últimos momentos, actualmente desaparecida.[17] En París se instaló en el estudio de Isidre Nonell, artista catalán que Picasso conocía del grupo Els Quatre Gats influenciado por el impresionismo y que reflejaba la situación social catalana de principios de siglo mediante retratos de personajes marginados y miserables. La obra de Nonell, junto a la de Toulouse-Lautrec, influyeron en gran medida en el estilo de Picasso de esta época, lo que puede apreciarse en obras como La espera (Margot), Bailarina enana y El final del número, ambas de 1901.[18] [16] También conoció al que sería su primer marchante, Pere Mañach (quien le ofreció 150 francos mensuales por toda su obra de un año) y entró en contacto con la galerista Berthe Weill. Regresó a Barcelona el 20 o 23 de diciembre (según distintas fuentes) con Casagemas, al que Picasso llevó consigo a celebrar el fin de año en Málaga.[17]
Entre Barcelona y París. El período azul
Artículo principal: Período azul de Picasso
El entierro de Casagemas
El entierro del conde de Orgaz (1586–1588, Santo Tomé, Toledo), obra más conocida de El Greco. La división del espacio en dos zonas inspiró a Picasso en su cuadro El entierro de Casagemas.
Se conoce como período azul de Picasso al que discurre aproximadamente entre 1901 hasta 1904: este nombre proviene del color que domina la gama cromática de las pinturas, y tiene su origen en el suicidio de su amigo Carlos Casagemas el 17 de febrero de 1901, que lo dejó lleno de dolor y tristeza.[19] Casagemas, después de haber tratado de asesinar a su amante Germaine, una bailarina del Moulin Rouge que frecuentaba el círculo de artistas españoles, se suicidó en París. Picasso, motivado y sensibilizado por la muerte de su amigo, pintó un cuadro que nombró El entierro de Casagemas,[20] cuadro alegórico que empezaba a mostrar su paso al período azul. La división del espacio del cuadro en dos partes, tierra y cielo, cuerpo y espíritu, recuerda la del Entierro del Conde de Orgaz, de El Greco.[21]
Van Gogh en un autorretrato dedicado a Gauguin.
Otras influencias en la obra de Picasso en este periodo fueron las de Van Gogh y Gauguin, el primero sobre todo a un nivel psicológico, como se refleja en la intensidad emotiva de los cuadros de esta época, aunque también se aprecia una simplificación de volúmenes y contornos definidos que hacen pensar en Gauguin, de quien también tomaría una concepción universal de la sentimentalidad.[19] Picasso manifestaba la soledad de los personajes aislándolos en un entorno impreciso, con un uso casi exclusivo del azul durante un período superior a dos años, hecho que prácticamente carecía de precedentes en la historia del arte. Asimismo, el alargamiento de las figuras que se iba introduciendo en sus obras recordaba de nuevo el estilo de El Greco.
Entre Barcelona y París
Picasso era un trabajador infatigable. A finales de abril de 1901 regresó a Barcelona, donde exponía Mujer en azul (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid)[22] en la Exposición General de Bellas Artes y luego en mayo volvió a París, donde se estableció en el número 130 del bulevar de Clichy, en el lugar en que Casagemas había tenido su estudio. Entre junio y julio del mismo año, Picasso e Iturrino realizaron una exposición en la galería de Vollard en París.[23] Sin dinero ni trabajo, en junio conoció al poeta Max Jacob, con el que mantendría una cercana relación hasta la muerte de Jacob en 1944. El poeta recordaría más tarde que descubrió la obra de Picasso y, siendo crítico de arte, expresó su admiración por el talento del pintor. Poco después recibió una invitación de Mañach para presentarle a su joven representado (Picasso tenía por entonces unos dieciocho años); que estuvieron todo el día viendo la ingente obra de Picasso, quien por aquella época pintaba uno o dos cuadros por noche, y los vendía por ciento cincuenta francos en la Rue Laffite.[24] Durante el otoño pintó Los dos saltimbanquis (arlequín y su compañera) (Museo de Bellas Artes Pushkin, Moscú),[25] Arlequín apoyado (MoMA, Nueva York)[26] y acabó El entierro de Casagemas. En invierno pintó una serie de retratos en azul; el Retrato de Jaime Sabartés (Museu Picasso, Barcelona),[27] el Retrato de Mateu Fernández de Soto (Museo Picasso, Málaga)[28] y el Autorretrato azul (Museo Picasso, París).[29]
A finales de enero de 1902 rompió su acuerdo con Mañach, y tras la liquidación correspondiente volvió a Barcelona. Empezó a trabajar en el estudio de Ángel Fernández de Soto, en el número 6 de la calle Nou de la Rambla, donde durante la primavera el color azul empezó a dominar su obra. Con Fernández de Soto visitó los burdeles de Barcelona, lo que quedó reflejado en una serie de dibujos eróticos entre los que se encuentra un Autorretrato con desnudo (colección privada, Alemania); un dibujo a la tinta y acuarela de Ángel Fernández de Soto con una mujer[30] y La macarra (composición alegórica),[31] propiedad del Museo Picasso de Barcelona.
Max Jacob en 1934. Fotografía de Carl van Vechten.
En París, Mañach arregló una exposición de pinturas y pasteles en la galería Berthe Weill, del 1 al 15 de abril, con obras de Picasso y Lemaire, y otra en junio en la misma galería con obras de Picasso y Matisse. En Barcelona Picasso recibió un aviso para incorporarse al servicio militar en octubre. Para eludirlo, debió pagar dos mil pesetas, cantidad que le fue proporcionada por su tío. Justo después volvió a París con Sébastien Junyer, y mostró sus pinturas azules por primera vez del 15 de noviembre al 15 de diciembre en una exposición colectiva organizada de nuevo por Mañach en la galería Berthe Weill.
De esa fecha data un Retrato de Germaine[32] que Acquavella Galleries adquirió por 18,6 millones de dólares en una subasta de Christie's en 2006.[33] En diciembre de 1902 se mudó un tiempo al apartamento de Max Jacob en el número 87 del bulevar Voltaire; la habitación sólo disponía de una cama, por lo que Picasso trabajaba de noche y dormía de día, mientras Jacob trabajaba. En este tiempo no podía comprar lienzo, y debía limitarse a dibujar.[34]
La vida
En enero de 1903 Picasso volvió a Barcelona. En primavera comenzó el cuadro La vida (Cleveland Museum of Fine Arts),[35] uno de los mayores y más complejos lienzos de su época azul, considerado su trabajo más importante de estos años, obra de un simbolismo inusualmente oscuro en sus primeras obras y sujeto a múltiples interpretaciones académicas, sobre las cuales el artista nunca se pronunció. Picasso realizó cuatro bocetos preparatorios para el cuadro, variando la composición de las figuras al menos dos veces; cabe destacar que la figura masculina, que empezó siendo un autorretrato, acabó siendo una representación de su amigo Carlos Casagemas.[36] La Vida resume la mayor parte de los temas y la atmósfera de la época azul: el pesimismo nihilista desarrollado en su época de formación en Barcelona, recrudecido bajo las dificultades materiales que sufre en la época. «Cree que el Arte es hijo de la Tristeza y del Dolor», decía su amigo Jaime Sabartés.[37] La soledad de los niños, la miseria de pobres, mendigos y ciegos son a menudo descritos en los cuadros de ese momento: Las dos hermanas (Museo del Hermitage, San Petersburgo),[38] Pobres a orillas del mar (Galería Nacional de Arte, Washington D.C.),[39] El viejo guitarrista ciego (Instituto de Arte de Chicago),[40] El asceta (Barnes Foundation, Filadelfia),[41] y La Celestina (Carlota Valdivia) (Museo Picasso, París)[42] se cuentan entre las primeras obras maestras de Picasso.
Hacia finales de 1903 Picasso empezó a pensar que sólo estableciéndose permanentemente en Francia su reputación superaría las fronteras de España. Se trasladó al estudio del escultor Pablo Gargallo (1881-1934), quien en aquel momento se encontraba en París, en el número 28 del Carrer del Comerç de Barcelona,[43] donde finalizó La Celestina (Carlota Valdivia) y comenzó un nuevo Retrato de Jaime Sabartés (Kunsternes Museum, Oslo)[44] que finalizó en la primavera de 1904.[45]
París, Bateau Lavoir. El período rosa
La belle Fernande
El edificio del Bateau-Lavoir fue nombrado así por el poeta Max Jacob porque su estructura de madera le recordaba a los barcos amarrados a las orillas del Sena y utilizados como lavaderos.
En abril de 1904 Picasso se instaló en París en el Bateau-Lavoir, situado en el barrio de Montmartre, en un taller que su amigo el escultor Paco Durrio estaba por dejar. Allí reanudó su contacto con varios artistas españoles que también vivían en el Bateau-Lavoir, especialmente con Ricardo Canals, quien le enseñó en septiembre del mismo año la técnica del aguafuerte, y con su mujer; también con Manuel Hugué y con su esposa Totote, y con Ramón Pichot y Germaine, la bailarina por la cual su amigo Casagemas se había suicidado. Durante el verano tuvo una relación con «Madeleine», que aparece en varios dibujos y pinturas, como La mujer del acróbata (Instituto de Arte de Chicago)[46] e inspiró el tema de La familia de Arlequín (1905).[47] En agosto de 1904 Picasso conoció a su primera compañera sentimental: Fernande Olivier (1881-1966), modelo de artistas y amiga de Benedetta, la mujer de Ricardo Canals, era conocida entre la colonia española del Bateau-Lavoir como «la belle Fernande». Con veintiún años los dos, Fernande fue el primer amor verdadero de Picasso, y se convirtió en su fuente de inspiración hasta 1910, aunque su relación no acabaría definitivamente hasta 1912.[45]
La bohemia del Lapin Agile
En octubre de 1904 Picasso conoció al poeta André Salmon, y también a Guillaume Apollinaire, poeta y escritor precursor del surrealismo, con los que estableció una relación muy cercana. Picasso se convirtió en un asiduo del cabaret Lapin Agile (el «Conejo ágil») y del Cirque Medrano. Desde que se instaló en Montmartre, la paleta y los temas de Picasso empezaron a cambiar; la pobreza y dureza de la vida de los artistas de circo y saltimbanquis aportaron un nuevo lirismo a sus cuadros en el paso de la época azul a la denominada época rosa. La época rosa se distingue por sus colores pastel y tonos cálidos, de líneas suaves y delicadas; con un especial énfasis sobre la línea y el dibujo, más que sobre el color, continuó trabajando las figuras con proporciones alargadas que recuerdan su admiración por El Greco, como en El actor (MoMA, Nueva York)[48] o en la acuarela El loco (Museo Picasso, Barcelona),[49] un recurso a fórmulas manieristas del que se ha señalado que Picasso hizo uso constante a lo largo de su carrera.[50] Los temas que trataba eran la alegría y la inquietud existencial; como en la época azul, subyace un toque de melancolía, pero en ese momento dominada por el afecto, con muchas referencias al mundo del zoológico y del circo. Pintó máscaras, arlequines, domadores y payasos; también es la época de las maternidades rosas. Obras representativas de esta época son Acróbata con balón (Muchacha con balón) (Pushkin State Museum of Fine Arts, Moscú),[51] La familia de saltimbanquis (Galería Nacional de Arte de Washington),[52] Acróbata y joven arlequín (Barnes Foundation, Filadelfia)[53] y Familia de acróbatas con mono (Göteborgs Kunstmuseum, Gotemburgo).[54]
La familia de saltimbanquis
Madame Cézanne en el invernadero (1891-92), de Paul Cézanne, un antecedente de la esquematización del rostro en la pintura de Picasso.
Del 25 de febrero al 6 de marzo de 1905 expuso en la Galería Sérurier sus primeras telas rosas. La crítica habló del anuncio de una transformación luminosa de su talento; tras el dramatismo de la época azul, Apollinaire describió las obras del período rosa en la Revue immoraliste: «Bajo los oropeles destellantes de sus saltimbanquis, se siente verdaderamente la piedad de las gentes del pueblo, versátiles, astutos, mañosos, pobres y mentirosos.» Según dijo Fernande Olivier, Picasso parecía amar aquello para lo que no estaba hecho, aquello que era diferente a él: los gitanos, las corridas de toros, los cabarets turbios, los payasos y el mundo del circo; amaba y se sumergía con delicia en todo aquello que tenía un color local violento.[55]
En la primavera del mismo año pintó una de sus principales obras de ese año, La familia de saltimbanquis,[52] una clara evolución hacia la época rosa; un paisaje desnudo y desdibujado en el que se enmarcan aisladas las bien dibujadas y estilizadas figuras de los titiriteros, personajes marginales cuya vida solitaria impresionaba a Picasso.[56] Una tarde, tras abandonar el Cirque Médrano con Max Jacob, decidió modelar su cabeza en barro, y conforme trabajaba la pieza en los siguientes días, añadió el sombrero y cascabeles de un bufón, al estilo de los personajes circenses. La pieza fue llamada El loco (cabeza de arlequín) (Museo Picasso, París),[57] que el galerista Ambroise Vollard consiguió que fuera fundida en bronce.[58]
Gertrude Stein
Gertrude Stein, fotografía de Carl van Vechten, 1935
Durante el verano, hizo un viaje al norte de los Países Bajos, y permaneció en Schoorl por seis semanas invitado por el escritor neerlandés Tom Schilperoort. Durante su estancia pintó un desnudo, La bella holandesa (Queensland Art Gallery, South Brisbane),[59] y Las tres holandesas (Museo Picasso, París),[60] una versión personal del tema clásico de las tres gracias. Tras un breve paso por París, pasó unas vacaciones en agosto con Fernande, en Tiana, al noreste de Barcelona. A su vuelta en septiembre, Fernande se mudó al modesto estudio de Picasso en el Bateau-Lavoir; el principio de su relación fue muy feliz, y las pinturas y dibujos que realizaba Picasso de Fernande celebraban su belleza y cercanía personal. Picasso tomó por costumbre visitar las pequeñas galerías, y junto con Fernande acudía a los populares vernissages de los salones oficiales.[58]
Gertrude Stein y su hermano Leo se habían instalado en París, y dedicaban su fortuna a reunir una extraordinaria colección de arte. Leo Stein compró Familia de acróbatas con mono[54] al marchante Clovis Sagot, por mediación del cual Leo y Gertrude fueron a visitar el estudio de Picasso y le compraron numerosas obras por 900 francos. Picasso se convirtió en un asíduo visitante del salón de Gertrude Stein en su apartamento de París; pintó un retrato de Leo y su hijo Michael e inició las primeras de las entre ochenta y noventa sesiones del famoso Retrato de Gertrude Stein (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York).[61] Gertrude había comprado recientemente Mujer con sombrero de Matisse, y decidió que ambos artistas debían encontrarse.[58]
Primitivismo ibérico
La Dama de Elche M.A.N. (Madrid).
En 1906, después de tres meses trabajando en el Retrato de Gertrude Stein,[61] lo abandonó temporalmente, y realizó los primeros bocetos de Las señoritas de Aviñón. Abandonó el tema de los arlequines por los jinetes y jóvenes en paisajes bucólicos, en la línea de Gauguin y Puvis de Chavannes, en una búsqueda de clasicismo tanto temático como formal, que condujo a Picasso al estudio del arte antiguo; en marzo descubrió el arte primitivo español en una exposición en el Louvre de esculturas ibéricas encontradas en Osuna y en el Cerro de los Santos, entre las que se encontraba la Dama de Elche. La galería de Ambroise Vollard adquirió la mayoría de las telas rosas también en marzo. En mayo se fue con Fernande Olivier a Barcelona, donde la presentó a amigos y parientes, y luego durante el verano a Gósol, en Lérida, donde entró de nuevo en contacto con el primitivismo esencial de la cultura popular, y pintó escenas de baños y desnudos vistos desde un exquisito dominio del rojo; esta paleta rojiza de Gósol refleja una preocupación por el modelado de los volúmenes, y un retorno a las raíces de un mediterráneo arcaico.[62] Esto le inspiró una serie de cuadros con personajes que rescatan ciertas características de ese primitivismo, rompiendo con su estilo anterior. Aunque la simplificación de rasgos y volúmenes son rasgos precursores del cubismo, ésta fue una etapa con entidad propia, que no puede incluirse en ningún estilo reconocido. Podemos observar en estos cuadros sus propios rasgos faciales incluso entre las figuras femeninas, lo que puede apreciarse comparándolos con los autorretratos de esta serie.[63] Esta estancia tuvo un impacto importante en la obra de Picasso, pues las pinturas de Gósol marcaron el comienzo de su revolución cubista el año siguiente; años más tarde Picasso retomó lo que hubiera sido el transcurrir lógico de este estilo, en su época neoclásica.
Protocubismo
Paul Gauguin: Autorretrato, 1893
En agosto de 1906, al volver de Gósol, retomó el Retrato de Gertrude Stein[61] trabajando de memoria (Stein se encontraba en Italia) y redujo su rostro a una especie de máscara ibérica, impasible y expresiva a la vez.[64] [61] Picasso dijo del Retrato de Gertrude Stein: «Todo el mundo piensa que ella no es en absoluto como su retrato, pero no importa, al final conseguirá parecerse a él.»[62] Bajo la influencia de la escultura ibérica y la pintura de Cézanne, que contemplaba expuesta en los salones, Picasso investigaba la forma y el volumen,[65] lo que puede apreciarse en el Autorretrato con paleta (Museo de arte de Filadelfia),[66] cuadro de un arcaísmo casi salvaje que también adelantaba las influencias acumuladas por Picasso desde 1905.[67] [63]
El Salón de Otoño de 1906 exhibió una retrospectiva de Gauguin que impresionó profundamente a Picasso y tuvo gran influencia en su trabajo; el Salón también incluía diez obras de Cézanne, que falleció por esas mismas fechas. En invierno Picasso pintó Dos mujeres desnudas (MoMA, Nueva York),[68] en las que llevó al extremo la estilización escultórica; la monumentalidad de las figuras y el uso autónomo de las luces y sombras remiten a Las grandes bañistas de Cézanne. Hacia final de año dejó de pintar, y se enfrascó en una serie de estudios y bocetos de desnudos para una composición de múltiples figuras bajo el tema del burdel, que culminaría en 1907 con la revolución que supusieron Las señoritas de Aviñón.[62]
Un burdel de la calle Avinyó
La primera reacción del entorno de Picasso ante los estudios previos de las señoritas fue en general poco favorable: sus amigos no acababan de entender este nuevo estilo. En un cuaderno de notas, Apollinaire lo describió como un «maravilloso lenguaje que ninguna literatura puede expresar, porque nuestras palabras ya han sido creadas.» Durante la primavera de 1907 Picasso conoció, a través de Apollinaire, a Georges Braque, quien tras visitar su estudio manifestó cierta agitación frente a la gran pintura.[69]
A mediados de mayo pintó Autorretrato (Národni Galerie, Praga):[70] la línea se convierte en un elemento estructural dominante, marcando las facciones y delineando incluso el resto de áreas de la imagen, casi todas llenas de color, y muy pocas de ellas modeladas. Incluso dejó zonas del lienzo sin pintar.[71] Hacia finales de mayo inició el lienzo definitivo de Las señoritas de Aviñón, y las figuras masculinas desaparecieron: una de ellas, un marinero, fue eliminada, y un estudiante situado a la izquierda fue reemplazado por una mujer desnuda sosteniendo una cortina.[69]
Influencias africanas
Escultura fang del siglo XIX, similar en estilo a las que Picasso conoció en París antes de finalizar Las señoritas de Aviñón.
Animado por André Derain, Picasso visitó en 1907 el Museo de Etnografía en el Palacio del Trocadero de París. Este fue su primer contacto con un amplio número de piezas africanas y oceánicas, que tanto Derain como Matisse coleccionaban desde hacía tiempo,[72] pero a las cuales Picasso no había prestado demasiada atención hasta ese momento. El descubrimiento del arte no-occidental dio un nuevo empuje a las Las señoritas de Aviñón, y también ejerció una considerable influencia sobre su trabajo escultórico.[73] Picasso modificó entonces los rostros de algunas de las señoritas, los dos de aspecto más «cubista» de los cinco, que se asemejan a máscaras africanas, mientras los dos centrales son más afines al estilo de los frescos medievales y las primitivas esculturas ibéricas; también el rostro de la figura de la izquierda presenta un perfil que recuerda las pinturas egipcias. Sin embargo, «art négre, connais pas», era la respuesta de Picasso a una pregunta de la revista Action en 1920; este período protocubista,[74] que se sitúa entre 1907 y 1909, es conocido también como el Período Africano, Período Negro o Período Oscuro de Picasso; su estilo se vio fuertemente influenciado por la escultura africana, pero el artista pretendió siempre lo contrario.[75]
Las señoritas de Aviñón
Las señoritas de Aviñón (MoMA, Nueva York)[76] supuso un nuevo punto de partida para Picasso, que eliminó las referencias a la tradición rompiendo con el realismo, abandonando los cánones de profundidad espacial y perspectiva, así como el ideal hasta entonces existente del cuerpo femenino, al reducir la obra a un conjunto de planos angulares, sin fondo delimitado ni perspectiva espacial, en el que las formas están marcadas por líneas claro-oscuras. Los tonos ocre-rojizos son característicos de su más amable época rosa, pero la crudeza del cuadro los convierte en agresivos.
El cuadro pudo estar también influenciado por las figuras alargadas de El Greco, en particular por su Visión del Apocalipsis, que Picasso posiblemente vio ese verano en París;[69] su estructura y composición deriva de Las grandes bañistas de Cézanne; la pintura de Cézanne hace de los objetos una presencia real, con especial énfasis en los volúmenes y el peso de los mismos, sin la palpitación atmosférica propia del impresionismo. Según Fermigier (1969:69), su retrospectiva en el Salón de Otoño de 1907 determinó la evolución ulterior de Picasso. También Braque, inspirado por Cézanne, inicia una serie de paisajes que muestran su transición del fovismo a su época protocubista.[69]
Hacia el cubismo
Las grandes bañistas de Cézanne, 1906, Museo de Arte de Filadelfia: una posible influencia.
La relación con Fernande entró en crisis, y decidieron separarse a finales de verano de 1907,[77] aunque se reconciliaron a finales de noviembre. En su ausencia, Max Jacob y Apollinaire habían persuadido a Picasso de fumar opio; Picasso se movía entre las bendiciones de las visiones y el temor a entregarse a la apatía y el hastío hacia el trabajo. La paleta de Picasso se llenó de brillantes colores «africanos»: pintó Mujer desnuda (la bailarina de Aviñón)(colección privada, Lausana),[78] un epílogo a Las señoritas de Aviñón en el que los elementos basados en el arte ibérico y africano alcanzan un nuevo grado de simplificación geométrica; en el mismo estilo, La danza de los velos (desnudo con drapeado) (Museo del Hermitage, San Petersburgo),[79] iniciado en verano y que fue comprado por Gertrude Stein junto a los bocetos preparatorios del mismo;[69] también Flores sobre una mesa (MoMA, Nueva York).[80] En las subsiguientes obras, las carnaciones se vuelven ocres y marrones, y Picasso se enfrenta a la vez con muchos experimentos de ruptura en sus cuadros: el abandono de la perspectiva; la conquista del espacio, fragmentando los planos mediante tonos planos con contornos gruesos y definidos; la búsqueda del relieve, mediante exagerados contornos azules en un fondo marrón y sombreados espesos; entre ellas se cuentan La amistad (Museo del Hermitage, San Petersburgo)[81] y Desnudo con toalla (colección privada, París).[82] El estudio de Picasso se convirtió en un centro de discusiones y debate, y no sólo sobre su obra. Braque llevó sus propias obras allí, Matisse y Picasso intercambiaron cuadros: el bodegón Cántaro, bol y limón (Fundación Beyeler, Riehen, Basilea)[83] de Picasso por el Retrato de Marguerite, la hija de Matisse.[69] La relación de Picasso y Matisse iba de la competición a la burla, pasando por una intensa admiración mutua; Matisse dijo que nadie había mirado su obra como Picasso, y nadie había mirado la obra de Picasso como él.[84]
Cubismo
Véase también: Cubismo
Teniendo Las señoritas de Aviñón como punto de partida, Braque y Picasso acabaron formulando el cubismo en 1908. El cubismo fue un punto de inflexión radical en la historia del arte que inspiró al resto de vanguardias artísticas el abandono del ilusionismo pictórico, rechazando la descripción naturalista en beneficio de composiciones de formas abstraídas de la percepción convencional, jugando con la tridimensionalidad y la estructura de las superficies.[85] Esta técnica, iniciada por Picasso y Braque, tuvo muchos seguidores, como Juan Gris, Francis Picabia, Brancusi, Delaunay y Albert Gleizes.
Cubismo cezannesco
Paul Cézanne: Mont Sainte-Victoire (1904), Museo de Arte de Filadelfia. Los paisajes de Cézanne inspiraron las primeras fases del cubismo.
En enero de 1908 Matisse abrió su escuela, la Ácademie Matisse. Por otro lado, Derain y Braque eran seguidores de Picasso, lo cual, añadido a su creciente amistad con Gertrude Stein, irritaba a Matisse. En el Salón de los Independientes de mayo de ese año, Derain y Braque presentaron cuadros inspirados en el nuevo estilo de Picasso que causaron un gran impacto entre la crítica. A Picasso le indignó que se hiciese la primera exhibición de arte cubista sin que se reconociera su papel como fuente de inspiración; especialmente Mujer (1908), un desnudo de Braque muy reciente, que no había comentado con nadie, ni siquiera con Picasso. Tras la clausura del Salón, Braque marchó a L'Estaque hasta septiembre. Los elementos africanos fueron cediendo terreno en la obra de Picasso en beneficio de efectos de relieve influencia de Cézanne, quizás relacionados con el reductivismo cezannista de los paisajes de Braque.[86]
Su amigo el pintor alemán Wieghels se suicidó en el Bateau-Lavoir, tras una velada en la que consumió un exceso de drogas variadas; esta tragedia convenció a Picasso y Fernande de abandonar el consumo de opio; Composición con cabeza de muerto (Museo del Hermitage, San Petersburgo),[87] finalizado a finales de primavera, podría ser una commemoración de la muerte de Wieghels.[86]
Durante el verano, Braque elaboró en L'Estaque una serie de paisajes cubistas en los que más que una inspiración, la ruptura de la perspectiva mecanizada de Cézanne es considerada una iniciación por el pintor. Picasso alquiló una granja en la Rue des Bois-par-Creil-Verneuil-Oise, a 60 kilómetros al norte de París; Fernande mencionó que con este retiro Picasso buscaba superar el estado de agitación nerviosa que la muerte de Wieghels le había provocado.[86] Ambos artistas comenzaron a representar la sensación de relieve mediante la aplicación arbitraria de las luces y sombras en detrimento del sombreado naturalista; las formas se simplificaron al extremo, con una mayor y más profunda esculturalidad en los cuadros de Picasso, cuya paleta se restringió a una gama de marrones, grises y verdes.[88] En los paisajes de Picasso se aprecian influencias de Henri Rousseau (1844-1910) y un primitivo Cezanne.
Matisse bautiza el Cubismo. Período verde
Henri Matisse en mayo de 1933.
Cuando en septiembre Braque presentó sus paisajes al Salón de Otoño el jurado, entre cuyos miembros estaba Matisse, rechazó las obras. Según Apollinaire, Matisse fue el primero en aplicar los términos «cubista» y «cubismo», al rechazar las obras de Braque presentadas al Salón. Esta historia es considerada desde 1912 el origen oficial del movimiento. Josep Palau i Fabre señala que en otoño de 1908 se inició lo que denomina período verde de Picasso: los bodegones que pintó en esa época muestran una estilización formal que se debe, posiblemente, a la aplicación de los postulados cezanescos, según los cuales las formas debían reducirse a conos, cilindros y esferas. Esta esquematización geométrica no lleva consigo una pérdida de corporeidad en los objetos representados, por lo que puede hablarse de un relieve plano.[89] Durante todo el verano y el mes de octubre completó la versión final de las Tres mujeres (Museo del Ermitage, San Petersburgo),[90] donde las influencias africanas de los primeros estudios del cuadro se diluyen en el nuevo estilo del período verde.
El banquete de Rousseau
Henri Rousseau: Portrait de femme (1895), Museo Picasso, París.
Tras la exposición de las obras de Braque en la galería de Daniel-Henry Kahnweiler, que fue mejor recibida por la crítica que sus obras presentadas al Salón de los Independientes, Picasso organizó en el Bateau-Lavoir un banquete en honor a Rousseau, para celebrar que acababa de comprar una obra del pintor, Retrato de una mujer, por cinco francos. Durante ese invierno el intercambio de ideas entre Braque y Picasso se incrementó hasta un nivel diario, al tiempo que su amistad se consolidaba.[86] El bodegón de frutas, un motivo emblemático de Cézanne, era uno de los temas que ambos pintores compartían en este momento:[91] Le compotier (Plato de fruta) (MoMA, Nueva York),[92] Naturaleza muerta con pescados y botellas (Musée d'Art Moderne de Lille Métropole, Villeneuve d'Ascq).[93] También trabajó durante el invierno en el Carnaval en el bistrot (Museo Picasso, París),[94] que cristalizaría a principios de 1909 en Panes y frutero con frutas sobre una mesa (Museo de Arte de Basilea).[95]
Cubismo analítico
Retorno a Horta de Sant Joan
Picasso empezó a ser apreciado por los coleccionistas; amigo de los Stein, que acababan de comprarle las Tres mujeres, el suizo Hermann Rupf compró varias obras suyas, y Dutilleul (cliente también de Braque) inició su colección. En marzo de 1909 se publicó en el Mercure de France un artículo de Charles Morice en el que por primera vez apareció impreso el término Cubismo. En mayo, Picasso y Fernande fueron a Barcelona a visitar a la familia y viejos amigos; pintó un Retrato de Manuel Pallarés (The Detroit Institute of Arts)[96] en el estudio de su amigo. Posteriormente se trasladaron a Horta de Sant Joan, once años después de su primera visita.[97] Allí pintó y dibujó naturalezas muertas y numerosos retratos de Fernande, entre ellos Mujer desnuda en un sillón (colección privada, Francia)[98] y Busto de mujer (Fernande) (Hiroshima Museum of Art).[99] La serie de retratos de Fernande iniciada en París culminó en Mujer con peras (Fernande) (MoMA, Nueva York).[100] También realizó seis grandes paisajes, entre ellos El embalse (Horta de Ebro) (MoMA, Nueva York);[101] La fábrica de Horta (Museo del Ermitage, San Petersburgo)[102] y Casas en la colina (Horta de Ebro) (Neue Nationalgalerie, Berlín).[103] Fueron los inicios del cubismo analítico, deudor de los conceptos de relieve, «perspectiva inversa» y modelado de Cézanne.
Cabaña cercana a la vía férrea Tortosa-Valdezafán a Horta de San Juan. El paisaje catalán, sus colores y la estructura casi cubista de los pueblos y construcciones coincidían con las ideas de Picasso; yo pinto lo que pienso, no lo que veo, dijo Picasso.[104]
En las obras que pintó en Horta los árboles y formas naturales fueron obviadas, y la roca superficialmente amorfa fue analizada y rota en planos para luego reconstruirla mediante la superposición de los planos; en algunos casos la geometrización se extendió al cielo, y el conjunto ofrecía una composición rigurosa con una profundidad que no envidiaba a la perspectiva tradicional. El uso de la luz era completamente arbitrario, estrictamente para acentuar los contornos y afilar los relieves. No obstante, el cubismo analítico era todavía una revisión y no un rechazo de la tradición; el cuadro seguía siendo una ventana ilusoria a un mundo representado, reconstruido. El cubismo sintético constituyó una negación de la tradición europea; el collage rompió la inviolabilidad de la superficie del cuadro y la representación de la realidad dejó de ser el objetivo del cuadro para ser su punto de partida.[104]
Traslado al bulevar de Clichy
En septiembre se trasladó a París, al nº 11 del bulevar de Clichy. Volvió cargado de obras del nuevo estilo y, pese al rechazo de público y crítica en la exposición que Vollard organizó con ellas, el selecto grupo de coleccionistas encabezado por Gertrude Stein y Sergei Shchukin seguía comprándola. Encerrado en su nuevo estudio, siguió desarrollando el cubismo, que en ese momento compartía además de con Braque, con un grupo de artistas de Montmartre fuertemente influenciados por el nuevo estilo entre los que estaban Derain, el español Juan Gris y Léger. El cubismo se extendía por Europa, con el constructivista y suprematista Malevich en Rusia y Mondrian en los Países Bajos, aunque ambos mostraban serias diferencias con el estilo de Picasso: según Penrose, su persecución de una geometría pura de las formas les alejaba del sujeto pictórico hacia la abstracción, algo que no formaba parte de los instintos de Picasso, para quien eliminar los símbolos y las alusiones poéticas de la pintura era una forma de castración; también inspiró a los futuristas liderados por Marinetti en Italia y los vorticistas en Inglaterra, que basaron su teoría estética en la forma y el movimiento y ritmo mecánicos, intentando introducir el tiempo en la representación pictórica. Pero Picasso no buscaba el desarrollo de teorías o escuelas; su necesidad era la ruptura con el pasado y darle a la obra de arte su propia vida interna.[105]
En el estudio de Manuel Hugué hizo esculturas como Cabeza de mujer (Fernande) (MoMA, Nueva York),[106] inspirada en las telas que pintó en Horta.[97] Fernande no se sentía a gusto con los cambios que se producían en su entorno y estilo de vida, añoraba la espontaneidad de sus primeros tiempos juntos.[107]
Los retratos cubistas
Ya en 1909 Picasso realizó una serie de retratos en los que el rigor en su disciplina de búsqueda de una nueva concepción del espacio le condujo a una reducción progresiva en el uso del color; en los paisajes de Horta y en Mujer que cose (Colección Claire B. Zeisler, Chicago),[108] pintado durante el invierno de 1909 a 1910, la paleta se restringió a ocres, grises y verdes, hasta eliminar este color y entrar en una monocromía que en ocasiones se rompía con sutiles gradaciones de grises y ocres. En 1910, pintó entre otros los retratos de Ambroise Vollard (Museo Pushkin, Moscú),[109] Wilhelm Uhde (Colección Pulitzer, St. Louis)[110] y Daniel-Henry Kahnweiler (Instituto de Arte de Chicago),[111] en los que, a pesar de su tendencia progresiva a pintar con el ojo del pensamiento más que directamente de la naturaleza, trabajó en numerosas sesiones con los modelos, a semejanza del de Gertrud Stein anteriormente; a pesar del progresivo proceso de segmentación analítica del espacio y la forma, Picasso captaba la fisonomía de los personajes.[112]
Picasso y Fernande pasaron el verano de 1910 en Cadaqués (Gerona, España), donde su amigo Ramón Pichot pasaba las vacaciones; alquilaron una casa a pie de mar, y se les unieron Derain y su esposa. Tras las vacaciones, Picasso volvió cargado de obras inacabadas en las que se hizo patente un avance hacia el nuevo lenguaje del cubismo;[113] en el Retrato de Daniel-Henry Kahnweiler[111] que pintó tras las vacaciones el personaje es tratado como una estructura tridimensional que se manifiesta en elementos trastocados en el espacio en una trama transparente, vista desde múltiples ángulos y aun así conformando una totalidad coherente,[114] como también sucede en cuadros como Mujer desnuda en pie (Museo de Arte de Filadelfia).[115]
El invierno de 1910 a 1911 Picasso y Braque mantuvieron una colaboración tan estrecha que es difícil aventurar el origen de las ideas que ambos pusieron en marcha, y al no firmar los cuadros hubo momentos en que se les hizo difícil distinguir la propia obra de la del otro; a medida que avanzaban en su análisis del objeto, Picasso y Braque sentían perder la referencia con su realidad reconocible. La inclusión de elementos de la realidad en sus composiciones cubistas les condujo posteriormente al trampantojo o trompe l'œil, y de aquí a la invención del collage, con lo que rompían con la tradición de no emplear más de un medio para una obra y ponían en cuestión los principios de la pintura misma.[116]
Reconocimiento del cubismo
Retrato de Picasso por Juan Gris (1912) en estilo cubista.
Picasso viajó a Céret, un pueblo en la Cataluña francesa, en julio de 1911. Fernande Olivier y Braque se reúnen con él en agosto, y ambos pintores prosiguieron con su estrecha colaboración en la definición del cubismo. Realizaron varios cuadros en los que introducían la cabecera del periódico local en sus obras, con una tipografía gótica reconocible, como El abanico ('L'Indépendant') (colección privada, Ascona, Suiza).[117] El 5 de septiembre Picasso regresó a París y en el Salón de Otoño de 1911 presentó una sala cubista, de la cual tanto él como Braque estuvieron ausentes. Este hecho chocó entre la prensa de Nueva York, Madrid y Ámsterdam, que cubrían el evento, puesto que era sabido que ellos eran los fundadores del estilo; se publicaron varios artículos y ensayos en torno a Picasso y Braque por toda Europa. La relación con Fernande se había deteriorado, y en otoño de ese año Picasso conoció a Eva Gouel (Marcelle Humbert), hasta el momento pareja sentimental del pintor polaco Louis Markus, a la que llamó ma jolie (mi bella) en varias de sus pinturas.[118]
A principios de 1912 Picasso realizó la primera escultura construida,[119] Guitarra (MoMA, Nueva York), hecha de cartón, cordel y alambre.[120] Picasso inició en gran medida un proceso que provocó la liberación de la escultura de conceptos clásicos como el volumen y la sustitución de los procesos de modelado o talla por todo tipo de técnicas constructivas que constituyeron una transformación revolucionaria en la escultura.[121] En un paralelismo con la técnica del collage cubista, cuya primera muestra es Naturaleza muerta con silla trenzada (Museo Picasso, París),[122] creado en la primavera de 1912,[119] las formas se redujeron a planos que podían articularse libremente. Los conceptos de ensamblaje y construcción hicieron posible la introducción de nuevas técnicas y materiales; la descomposición del volumen aportó nuevas perspectivas, la valoración del vacío y de la luz como elementos escultóricos de importancia equivalente a la masa.[121]
Cubismo hermético
Entre Céret y Sorgues
Entre 1912 y 1915 Picasso y Braque desarrollaron la segunda fase del cubismo, en la que retornaron a su obra un equivalente a los conceptos tradicionales que habían roto o eliminado en la fase precedente; formas, objetos y palabras se volvieron reconocibles al tiempo que se reconstituyó la superficie; recuperaron el uso de un cromatismo más sólido y brillante, los planos se contornearon y demarcaron claramente, superponiéndose y apareciendo una implicación con superficies texturadas y estampados decorativos.[123]
Entre abril y mayo de 1912 se celebró una exposición cubista en la Galería Dalmau de Barcelona sin obras de Picasso ni de Braque. La relación con Fernande se acabó; Picasso escribió a Braque: «Fernande me ha dejado tirado por un futurista». El 18 de mayo llega a Céret con Eva, donde realiza algunos dibujos en los que aplica papeles pintados del siglo XIX y pedazos de diarios. Cuando en junio Picasso se entera de que Fernande planea ir a Céret el verano con Pitxot y su mujer, escribe a Kahnweiler para que le diga que no espere nada de él, que estaría feliz si no volviera a verla más, al tiempo que reafirma su amor por Eva, indicando que va a escribirlo en sus pinturas. Es probable que entre junio y septiembre trabajara en Desnudo femenino ('J'aime Eva') (Museo de Arte de Columbus, Ohio),[119] donde aparece la declaración de amor escrita en el cuadro; se trata de una obra más ligera de cromatismo, con toques de colores ácidos, en la que la construcción de la figura femenina deriva de la técnica del collage que estaba aplicando en sus dibujos.[124] Escapando de la visita de Fernande, el 25 de junio se instala en la Villa des Clochettes, en Sorgues-sur-L'ouvèze. Las pinturas de Céret impresionaron a Braque, Picasso le pidió su opinión sobre Violín ('Jolie Eva') (Nueva Galería Estatal de Stuttgart),[125] en la que pintó superficies imitando añadidos de madera y de papeles escritos, o sobre El aficionado (Le torero) (Museo de Arte de Basilea).[126] Braque se instaló en agosto en Sorgues, donde reiniciaron su trabajo y siguieron perfilando sus conceptos artísticos.[119]
Traslado al bulevar Raspail
Cartel del Armory Show (1913).
En septiembre de 1912 visita París un par de semanas para organizar su traslado a un nuevo estudio en el 242 del bulevar Raspail, pero vuelve a Sorgues, donde trabaja sobre El aficionado (Le torero) y El poeta (Museo de Arte de Basilea).[127] ; el endurecimiento y aplanamiento de las formas caracteriza el cubismo hermético, que marca el inicio de la transición al cubismo sintético. Hacia finales de septiembre vuelve a París con Eva para recoger sus pertenencias y mudarse al nuevo estudio, donde se instalan el primero de octubre. A mediados de noviembre comienza la primera serie de papiers collés,[128] en respuesta al trabajo de Braque en este medio,[119] aplicando las técnicas de ensamblaje e incorporación de materiales en Guitarra, partitura, vaso (Museo de Arte McNay, San Antonio, Texas):[129] sobre un fondo de papel pintado, Picasso pegó fragmentos de papel entre los que hay un titular de Le Journal en el que preservó las palabras La bataille s'est engagé[e] (ha empezado la batalla).
A mediados de diciembre volvió a Céret, desde donde viajó a Barcelona con Eva durante las fiestas navideñas. Volvió a París el 21 de enero de 1913, donde empezó a trabajar en Violín colgado en la pared (Museo de Bellas Artes, Berna), en el que puso en práctica el uso de añadir arena en la pintura y en una doble imitación, simula el efecto de collage mediante planos que recuerdan los recortes de papel (que a su vez imitan una textura de madera) que solían usar Braque y Picasso en sus collages.[130] al tiempo que realizó una segunda serie de papiers collés[131] en los que utiliza diarios contemporáneos de París (en varios de ellos utilizó Le Figaro) o de Céret en la que se observa un incremento de la abstración y mayor colorido.[132]
A finales de febrero se celebró la primera retrospectiva de Picasso en Alemania, en la Moderne Galerie Heinrich Thannhauser en Múnich; también se incluyeron ocho obras suyas y tres de Braque en la International Exhibition of Modern Art (el Armory Show) en Nueva York, en el 69th Regiment Armory, que posteriormente viajaría a Chicago y Boston, uno de los eventos más influyentes en la historia del arte estadounidense en la que también estaba el famoso Desnudo descendiendo una escalera de Marcel Duchamp.[132]
Cubismo sintético
Cubismo poético
Picasso y Eva volvieron a Céret en marzo de 1913, aunque viajaría en varias ocasiones a Barcelona. Su padre murió a principios de mayo y Picasso acudió a su funeral. La salud de Eva tampoco era buena, y empeoró a finales de la primavera. En junio Picasso volvió a París, al tiempo que cayó enfermo con anginas o bronquitis (de las que se recuperaría a finales de julio), al igual que Eva, que al parecer nunca se recuperó del todo. En agosto vuelven a Céret, donde completó Hombre con guitarra (MoMA, Nueva York),[133] en el que se muestra el cubismo sintético desarrollado: motivos fragmentados del cubismo analítico sintetizados en formas grandes y planas que son «signos» de objetos. Tras una corta estancia, volvieron el 19 de agosto a París, donde comenzaron la mudanza a un nuevo estudio en el número 5bis de la calle Schoelcher, en el bulevar Raspail, con vistas al cementerio de Montmartre. En ese momento se inició el periodo llamado cubismo poético.[132]
Alrededor de la época del Salón de Otoño, Picasso pintó dos grandes obras de particular importancia, el Jugador de cartas (MoMA, Nueva York),[134] que contiene muchos elementos del collage trampantojo, y Mujer en camisa sentada en un sillón (colección privada, Nueva York), en la que se combinan el color del cubismo analítico y los patrones esquemáticos del sintético. Sigue desarrollando por otro lado sus ensamblajes; hacia finales de año el ruso Vladímir Tatlin, que conocía su trabajo por la colección Shchukin de Moscú, visitó París para ver a Picasso y su estudio, donde vio las construcciones de éste. A su retorno a Moscú, Tatlin hizo sus primeras construcciones.[132]
Cubismo surrealista
En 1914 Picasso realizó una tercera serie de papiers collés.[135] El 14 de enero Kahnweiler publicó El sitio de Jerusalén de Max Jacob, ilustrado por Picasso. Fue el inicio del cubismo surrealista.[136] También trabajó en sus construcciones, entre las que destaca El vaso de absenta (MoMA, Nueva York),[137] de la que su marchante Kahnweiler ordenó seis copias en bronce,[138] pintadas de distintos modos, algunas altamente coloreadas, otras con textura de arena.[136]
Cubismo puntillista y cubismo frío
A finales de junio Picasso y Eva se instalaron en Aviñón, cerca de Derain, que estaba en Montfavet, y de Braque en Sorgues. El atentado de Sarajevo en el que fueron asesinados el archiduque Francisco Fernando de Austria y su esposa desencadenó el inicio de la Primera Guerra Mundial. Apollinaire solicitó la ciudadanía francesa para alistarse como voluntario; Braque y Derain fueron movilizados, Picasso se despidió de ellos en la estación de Avignon el 2 de agosto de 1914.[136] En otoño, aún en Avignon, Naipes, vasos, botella de ron (Vive la France) (Colección Leigh B. Bloch, Chicago)[139] abrió el periodo del cubismo puntillista. Trabajó en series de dibujos de hombres apoyados en una balaustrada, una mesa o una silla, en estilos que van del naturalismo al cubismo; el lienzo inacabado El artista y su modelo (Museo Picasso, París),[140] que presumiblemente sería Eva, muestra una tendencia de retorno a la figuración representacional que resurgirá posteriormente.[136]
De retorno a París a mediados de noviembre, su en cierto modo ambivalente actitud hacia la guerra y su relación con sus patrones alemanes Kahnweiler y Thannhauser, unidos a que la mayor parte de los hombres jóvenes estaban en el frente, provocaron que Picasso fuera visto con desconfianza. En invierno pintó el óleo Naturaleza muerta: guitarra, periódico, vaso y as de trébol (Museo Picasso, París),[141] que introdujo el periodo llamado cubismo frío,[136] donde la composición se trabajaba en colores fríos, con una predominancia del azul.
Enfermedad y muerte de Eva
En enero de 1915 realizó el dibujo a lápiz Retrato de Max Jacob (Museo Picasso, París),[142] en un estilo naturalista. La salud de Eva sigue declinando y sufre una operación; en mayo, mientras ella se encuentra en un sanatorio, Picasso tiene un romance con Gabrielle Depeyre, con la que realizó ese mismo año un viaje en secreto a Saint-Tropez. En agosto realiza otro dibujo, Retrato de Ambroise Vollard (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York),[143] de técnica clásica y parecido casi fotográfico. Este tipo de dibujos seguían siendo contemporáneos con pinturas cubistas, como Arlequín (MoMA, Nueva York),[144] una composición austera de grandes áreas geométricas monocromas sobre un fondo negro, parte de una serie larga sobre ese tema, que puede entenderse como una alegoría de la pérdida, particularmente la enfermedad fatal de Eva, que fue trasladada al hospital de Auteil en noviembre. Picasso pasó momentos muy duros, «mi vida es un infierno», le escribía a Gertude Stein. Eva falleció el 14 de diciembre de 1915.[145]
Durante la guerra su trabajo se centró en bodegones cubistas y retratos de estilo naturalista; el cubismo, puntillismo, manierismo y neoclasicismo coexistieron en su trabajo desde 1917. Al finalizar la guerra, aunque siguió trabajando simultáneamente en estos estilos tan dispares, Picasso tendió poco a poco hacia un estilo neoclásico, que se mostró plenamente desarrollado en 1920 y que sustentó su interés hasta 1924.[146]
Los Ballets Rusos
Las señoritas de Aviñón en el Salón de Otoño
En 1916 tuvo relaciones con dos mujeres: Gabrielle Lespinasse, una corista de Montparnasse con la que tuvo un romance sin consecuencias y Elvira Paladini, sensual y sibarita, cuya presencia estimuló una cierta premonición de Italia en la obra de Picasso. En marzo, Apollinaire regresa herido del frente y Picasso realizó varios dibujos retratándole en los siguientes tres meses, como Retrato de Apollinaire (colección privada),[147] también en un estilo realista. En junio comenzó a mudarse al número 22 de la calle Victor-Hugo, en el barrio de Montrouge. Realizó varios retratos de Elvira Paladini y de Apollinaire, en un estilo realista, y varios dibujos de arlequines que recuerdan en su trazo a la época rosa. En julio se produjo la primera exhibición al público de Las señoritas de Aviñón en el Salón de Otoño, que organizó André Salmon. Al igual que sucedía con el cubismo, la crítica fue bastante dura con una obra que no alcanzaban a comprender.[148]
Parade
Retrato de Jean Cocteau (1916) por Amedeo Modigliani.
Tras un par de visitas previas, Jean Cocteau, a quien conoció en diciembre del año anterior, le invita el 1 de mayo a realizar el diseño del decorado para la compañía de los Ballets Rusos, dirigida por Sergéi Diágilev, con libreto del mismo Cocteau y música de Erik Satie; durante la visita realizaría un retrato realista del escritor. A finales de mayo Cocteau llevó a Diágilev a visitarle a su estudio, donde discutieron planes para el ballet, Parade. En agosto de 1916 aceptó finalmente trabajar en el ballet Parade. Picasso introdujo varios cambios en la obra, ideas que gustaban a Satie más que las de Cocteau. Finalmente en septiembre se pusieron de acuerdo,[148] y en enero de 1917 confirmó con Diágilev el acuerdo para realizar los decorados y vestuario para el ballet por la suma de 5000 francos, con 1000 francos adicionales si tuviera que ir a Roma. Entre febrero y marzo trabajó sobre el Telón para el ballet Parade (Musée National d'Art Moderne, Centro Georges Pompidou, París).[149]
El 19 de febrero llegó con Cocteau a Roma para unirse a Diágilev y los Ballets Rusos. Permaneció ocho semanas en el Grand Hôtel de Russie, en la esquina de Via del Babuino y la Piazza del Popolo, donde hizo muchos dibujos de la Villa Médici desde su ventana. Produjo muchos bocetos para los vestidos y decoración del ballet en un estudio alquilado en el 53b de la Via Margutta. Cuando no estaba trabajando socializaba con Diágilev, el coreógrafo de la obra Léonide Massine, el diseñador escénico Léon Bakst, Cocteau e Igor Stravinsky, de los que hizo retratos rápidos y caricaturas. También se encontró con los artistas futuristas italianos y visitó los lugares famosos de la ciudad con ellos, la Capilla Sixtina, las Estancias de Rafael y los museos vaticanos de escultura. Su estancia en Roma renovó su interés en el estilo académico de Ingres, cuya influencia se reflejaría en su obra en los años siguientes. Durante este periodo conoció a la bailarina Olga Khokhlova, miembro de la compañía de Diágilev con la que acabaría casándose.[146]
Partitura de Parade, música de Erik Satie. Este ballet fue la primera de una serie de colaboraciones de Picasso para la realización de telones, decorados y vestuarios para el teatro o la danza.
En marzo de 1917, Diágilev llevó a Picasso, Stravinsky, Cocteau y Massine de viaje a Nápoles, desde donde visitaron las ruinas de Herculano y Pompeya. En esos días vio la luz en París el magacín de literatura vanguardista Nord-Sud, que durante su corta existencia destacó como un poderoso foro de discusión vanguardista sobre cubismo, e intentó reunir los centros parisinos de literatura tradicional y de vanguardia, Montmartre y Montparnasse. Entre sus colaboradores se encontraban buena parte de los escritores que darían forma al surrealismo: Apollinaire (que acuñó el término por esas fechas), André Breton, Louis Aragon y Tristan Tzara entre otros. En abril, Cocteau regresó a París y Picasso se unió a la compañía de los Ballets Rusos en su viaje por Italia para estar cerca de Olga, pasando por Florencia (donde visitó la Capilla de los Médici, con las tumbas realizadas por Miguel Ángel) y Venecia.[146]
Tras la gira por Italia, la compañía se dirigió a finales de abril a París, donde el 18 de mayo de 1917 tuvo lugar la primera presentación de Parade en el Théâtre du Châtelet. La conjunción de estilos vanguardistas en arte, música y coreografía de la obra, en un periodo marcado por la guerra en Europa, convirtió ésta en el escándalo que Diágilev esperaba, siendo tachada de «ofensivamente anti-francesa». Apollinaire señaló en su ensayo para el programa del ballet que la síntesis de los diseños de Picasso y la coreografía de Massine alcanzaba por primera vez un tipo de «surrealismo donde veo el punto de partida de una serie de manifestaciones de este Nuevo Espíritu». Las noticias en la prensa fueron, por otro lado, terribles.[146] Entre mayo y junio realizó un realista Autoretrato (Museo Picasso, París)[150] y Los ojos del artista (Museo Picasso, Málaga)[151]
Estancia en Barcelona
Enamorado de Olga, Picasso acompañó a los Ballets Rusos a Madrid, donde actuaron durante el mes de junio; por influencia de Olga y su contacto con la compañía, Picasso frecuentó la alta sociedad madrileña. El 23 de junio llegaron a Barcelona, donde los Ballets Rusos representaron Las Meninas en el Teatro del Liceo. A finales de mes la compañía partió para Sudamérica, mientras que Olga y Picasso, ya comprometidos, se quedaron cuatro meses en Barcelona, donde sus amigos artistas catalanes Miguel Utrillo, Ángel Fernández de Soto, Ramón Reventós, Pallarés, Ricardo Canals, los hermanos Vidal y Francisco Iturriño le dieron un banquete de bienvenida en las Galerias Layetanes en julio.[146] Pintó el naturalista Arlequín de Barcelona (Museo Picasso, Barcelona)[152] y Olga Kokhlova con mantilla (Museo Picasso, Málaga);[153] Mujer con vestido español (La Salchichona) (Museo Picasso, Barcelona), con técnica divisionista;[154] en un estilo cubista, Mujer sentada en un sillón (Personaje) (Museo Picasso, Barcelona)[155] y Frutero (Museo Picasso, Barcelona).[156] También realizó numerosos dibujos de corridas de toros y retratos y dibujos de Olga.[157]
La tumba de Apollinaire en el cementerio del Père Lachaise presenta un monumento-menhir concebido por Picasso y financiado por la venta de dos obras de Matisse y Picasso el 21 de junio de 1924.
En noviembre los Ballets Rusos volvieron a España; representaron Parade en Barcelona, con una tibia recepción; durante la representación la hermana de Picasso, Lola, y su marido le presentaron al por entonces estudiante de arte Joan Miró. A finales de noviembre Olga y Picasso se preparan para volver a París.[146]
Periodo duquesa
1918 marca el inicio de lo que Max Jacob identificó como el periodo duquesa, que términó sobre 1923. Desde el 23 de enero hasta el 15 de febrero de 1918, Picasso expuso con Matisse en la galería de Paul Guillaume, una serie de pinturas protocubistas. En un clima aún hostil al cubismo, la exposición suscitó numerosos comentarios en la prensa; es posible que Las señoritas de Aviñón fueran parte de la exposición.[158] Finalizó un Retrato de Olga en un sillón (Museo Picasso, París)[159] en el estilo neoclásico de Ingres; Olga insistía en que sus retratos fueran reconocibles.[146]
Entre abril y mayo se mudó con Olga al Hotel Lutetia, un hotel de moda de primera clase en el bulevar Raspail; su estilo de vida cambió, frecuentaba el círculo de los Ballets Rusos y se movía entre la alta sociedad. El 12 de julio se casó con Olga, primero en la ceremonia legal requerida y luego en una misa de tres horas en la Iglesia Ortodoxa Rusa de la calle Daru, en París. Sus familias no acudieron, y Picasso pidió a Jean Cocteau, Max Jacob y Apollinaire que actuaran como testigos. Tras la boda, Olga se negó a ir a Montrouge, diciendo que no volvería jamás a esa casa «que olía a demasiadas mujeres». El 30 de julio llegaban a Biarritz en luna de miel; permanecieron en la Villa La Mimoseraie, de su amiga Eugenia Errazuriz. Allí desarrolló temas marinos, como Las bañistas (Museo Picasso, París),[160] en un estilo manierista con reminiscencias de sus figuras alargadas inspiradas en el estilo de El Greco. Su anfitriona le presentó a los marchantes de arte Georges Wildenstein y Paul Rosenberg; Rosenberg, en nombre de Wildenstein, hizo un contrato con Picasso. Realizó algunos retratos al estilo neoclásico de Ingres de sus mujeres y de la sociedad pudiente que venía de visita.[158]
A finales de septiembre volvió con Olga a Montrouge. Paul Rosenberg se convirtió en el marchante oficial de Picasso, quien sólo aceptó un acuerdo verbal con éste, que otorgaba al marchante la primera opción a la obra del artista; Daniel-Henry Kahnweiler había sido su marchante desde 1907 hasta que estalló la guerra entre Alemania y Francia y se vio forzado a marchar a Suiza. El 8 de octubre Picasso alquiló un gran apartamento en la rue de La Boëtie. Es probable que conociera en aquella época a Louis Aragon, y a través de éste y Apollinaire a André Breton. Poco después, el 9 de noviembre de 1918, dos días antes de que se firmara el armisticio de Rethondes que ponía fin a la Primera Guerra Mundial, murió Apollinaire de gripe española en su apartamento del bulevar Saint-Germain. Desde entones, Picasso visitó en esa fecha cada año la tumba de su amigo en el cementerio del Père-Lachaise.[158]
El sombrero de tres picos
Manuel de Falla en la década de 1920. Picasso colaboró con el músico gaditano en la realización de decorados y vestuario para los Ballets Rusos en las producciones de El sombrero de tres picos (1919) y Cuadro flamenco (1921).
Durante 1919 siguió trabajando en obras cubistas y realistas simultáneamente. Realizó algunas obras realistas, en las que se aprecia cierta monumentalidad y peso escultórico en las figuras, como Naturaleza muerta con jarra y manzanas (Museo Picasso, París)[161] y La siesta (MoMA, Nueva York)[162] en el estilo robusto y clásico del último Ingres, un carácter escultural y apariencia masiva en las figuras que se manifestaría en sus obras neoclásicas de 1920.[163]
La llegada de los Ballets Rusos a Londres tras la guerra coincidió con un momento en que interesarse por el arte, especialmente en arte de vanguardia, estaba de moda. El ballet permitía combinar el prestigio de los grandes bailarines con el escándalo de los jóvenes artistas revolucionarios, lo que tanto agradaba a esnobs como atraía a los intelectuales.[164] En mayo Picasso llegó a Londres, donde Diágilev preparaba un nuevo ballet con música de Manuel de Falla, El sombrero de tres picos, basado en la novela homónima de Pedro de Alarcón. Picasso se entusiasmó con la historia, ambientada en el sur de Italia en el siglo XVIII; y con la oportunidad de trabajar de nuevo con Massine y por primera vez con Falla. Durante los tres meses que estuvo en Londres realizó numerosos bocetos, dibujos y acuarelas para los decorados, el vestuario y el telón, que pintó personalmente asistido por Vladimir Polunin y su esposa Elizabeth. Cuando no estaban ocupados con los ensayos y pruebas del ballet se relacionaban con la sociedad inglesa, donde Picasso conoció a muchos artistas y escritores.[163]
El estreno de El sombrero de tres picos en el Alhambra Theatre el 22 de julio de 1919 fue un enorme éxito que hizo que en poco tiempo se abrieran escuelas de danza española en Londres.[163] Massine había aprendido los ritmos del flamenco y los aplicó en la coreografía de los bailarines, cuyo vestuario se adaptaba a la acción. Picasso había utilizado instintivamente curvas y zig-zags, motivos característicos de los carros de los campesinos españoles, ritmos que descienden probablemente de los arabescos caligráficos árabes. El contraste de verdes, rosas, rojo y negro evocaban igualmente España. El crítico Jean Bernier escribió: «todo el vestuario está, sin excepción, lleno de calidez y fuerza, templado por un gusto por la dignidad que es muy andaluz».[164]
Acompañando al éxito del ballet vino la vida social; Picasso y Olga, para deleite de ésta, fueron invitados a una serie de fiestas de la alta sociedad. Picasso encargó trajes en los mejores sastres y aparecía impecablemente vestido en las recepciones de moda.[164] En agosto Olga y Picasso volvieron a París, y de allí marcharon a Saint-Raphaël, en la Costa Azul; es probable que en el trayecto en tren Picasso observara la escena de cosecha que describió en La siesta. El tema de las ventanas en Saint-Raphaël, que trabajó ese verano en muchas acuarelas y dibujos, persistió en la obra de Picasso a su retorno en otoño a París hasta inicios de 1920.[163]
Pulcinella
Instalado en su apartamento de la rue de la Boëtie, Picasso se fue distanciando de la bohemia en la que vivía antes de la guerra; su vida personal era más tranquila, aunque se le podía ver vestido elegantemente en cócteles o comiendo fuera acompañado de Olga, vestida de Chanel. Su vinculación a los Ballets Rusos y los marchantes Léonce y Paul Rosenberg le proporcionó una atención más favorable de la crítica y una mayor visibilidad.[165]
En diciembre de 1919 Diágilev, de nuevo en París tras la temporada de Londres, le invitó a colaborar en un nuevo ballet inspirado en la Commedia dell'Arte, Pulcinella, con música de Stravinsky. Diágilev rechazó los primeros bocetos por ser demasiado modernos y recargados, posteriormente Picasso los simplificaría.[163] A principios de 1920 desarrolló un gran número de bocetos y estudios para Pulcinella.[166]
El 23 de enero de 1920 se representó El sombrero de tres picos en el Théâtre National de l'Opéra de París, al que invitó a su amigo Max Jacob, al que veía con menos frecuencia. Yendo hacia el teatro Jacob fue golpeado por un automóvil y hospitalizado; Picasso le visitó frecuentemente en el hospital, pero empezaron a verse menos a partir de entonces, dado que Jacob buscaba una vida social menos bulliciosa y pública.[165]
Igor Stravinsky en 1921. El músico ruso colaboró con Picasso en varias ocasiones, tanto para los Ballets Rusos como en la publicación de sus composiciones. Picasso dibujó en 1920 un Retrato de Igor Stravinsky (Museo Picasso, París).[167]
La idea de Massine para el ballet derivaba de las representaciones callejeras que vieron en el viaje que realizaron en 1917 a Nápoles. Junto a Diágilev, desarrollaron el libreto en base a antiguos textos napolitanos; la música de Stravinsky es un arreglo sobre música de Giovanni Battista Pergolesi, compositor italiano del siglo XVIII. Los primeros bocetos de Picasso eran de un estilo pseudorococó que, tras el rechazo inicial de Diágilev, simplificó en un estilo similar al cubismo con grandes superficies planas en azul, gris y blanco, sobre el que destacaba el vestuario de los personajes, basados en el estilo de los personajes tradicionales de la Commedia dell'Arte. Pulcinella se estrenó en el Théâtre National de l'Opéra de París en 15 de mayo de 1920.[165]
Este estilo de los decorados de Pulcinella se extendió a la pintura de Picasso, como puede verse en Pulcinella con una guitarra delante de un telón (Massine saludando);[168] los colores son vivos pero no estridentes, y la superficie pintada se volvió completamente plana.[165] Durante el verano en Juan-les-Pins siguió desarrollando este estilo y temática en una serie de gouaches coloristas, geométricos y planos sobre la Commedia dell'Arte, como Pierrot y arlequín (Galería Nacional de Arte, Washington).[169] En septiembre, aún en Juan-les-Pins, produjo una serie de dibujos y acuarelas sobre un tema de la antigüedad mediterránea, un episodio del intento de rapto de Deyanira, mujer de Hércules, por el centauro Neso, inspirados en los frescos pompeyanos que vio en su viaje a Nápoles en 1917.[165]
Cuadro flamenco
El 4 de febrero de 1921 nació su primer hijo, Pablo. En primavera inició los estudios para Cuadro flamenco, otro ballet de Diágilev, quien en esta ocasión contrató un grupo de ocho bailarines y cantantes andaluces para los que Falla hizo un arreglo de música popular. En principio había sido encargado al también español Juan Gris, pero Picasso, aduciendo que éste estaba enfermo y no tendría tiempo para desarrollar el proyecto con un plazo tan corto, se le adelantó presentando la idea que abandonó en Pulcinella de una cortina con ornamentos rococós y los proscenios con parejas observando el espectáculo,[170] como puede verse en Proyecto de decorado para Cuadro flamenco (Museo Picasso, París).[171] La relación con Gris se enfrió a consecuencia de ello, situación que se mantuvo hasta su fallecimiento en 1927.[172] El 22 de mayo se estrenó la obra, en el Théâtre de la Gaîté-Lyrique. La cubierta del programa estaba ilustrada con cuatro desnudos en la playa en un estilo neoclásico similar a otras obras del mismo tiempo. A su vuelta a París, continuó con trabajos en el estilo monumental neoclásico.[170]
Durante el verano, evitando el calor del sur de Francia, se trasladó con Olga y Pablo a Fontainebleau. El verano en Fontainebleau fue prolífico, con una mayoría de obras en el estilo escultural neoclásico. Los temas principales son madre y niño y mujeres en una fuente; puede verse en Madre e hijo en la orilla del mar (Instituto de Arte de Chicago),[173] y Tres mujeres en la fuente (Museo de la Orangerie, París),[174] con vestidos y peinados grecorromanos. También creó dos obras maestras del estilo cubista sintético: Músicos con máscaras (MoMA, Nueva York)[175] y Músicos con máscaras (Tres músicos) (Museo de Arte de Filadelfia);[176] el tema rememora su colaboración con los Ballets Rusos, particularmente algunos de los estudios para arlequines y pierrots de Pulcinella.[170]
Antígona
En 1922 Breton, asesor de Jacques Doucet en cuestiones de arte, comenzó a convencerle de la importancia de incorporar grandes obras de Picasso a su colección de arte moderno, que llevaría en 1924 a la adquisión de Las señoritas de Aviñón.[177] En junio, durante una visita a Dinard (Bretaña), pintó Dos mujeres corriendo por la playa (La carrera) (Museo Picasso, París).[178] una idealización de las figuras monumentales que pintó en 1921 con un nuevo elemento, el tratamiento del movimiento, que posteriormente sirvió de modelo para el telón de Le Train Bleu de Diágilev en 1924. También realizó algunos bocetos de su hijo y de su mujer y su hijo juntos, como puede verse en Familia a orillas del mar (Museo Picasso, París).[179] El 20 de diciembre de 1922 se estrenó la adaptación modernizada de Jean Cocteau de la Antígona de Sófocles en el Théâtre de l'Atelier, en Montmartre (París). La obra contó con decorado de Picasso, vestuario de Coco Chanel y música de Arthur Honegger.[177]
Léonide Massine, coreógrafo que colaboró habitualmente con Picasso en las producciones de los Ballets Rusos de Diágilev. Su Mercure fue el último ballet en el que trabajaría Picasso.
En 1923 Picasso continuó con el tema del arlequín; realizó varios retratos de Jacint Salvadó disfrazado de arlequín en un estilo menos monumental y más lírico. También realizó retratos de su hijo Pablo y de su mujer Olga;[180] y el Retrato de Doña María (la madre del artista) (colección privada).[181] Ese verano volvió de nuevo a la Riviera, instalándose en Antibes con Olga y Pablo. Realizó La flauta de Pan (Museo Picasso, París),[182] así como varios dibujos y bocetos sobre el mismo tema. En Antibes visitó mucha de la sociedad que pasaba sus vacaciones, como el pintor Gerald Murphy y su esposa Sarah (que aparece en sus dibujos) y el conde Étienne de Beaumont y su esposa; Beaumont le pidió que diseñara el decorado y vestuario para Mercure, que se estrenaría el verano de 1924.[180]
Mercure
El coreógrafo Léonide Massine había abandonado los Ballets Rusos para producir un ballet para el conde Étienne de Beaumont en una serie de espectáculos privados conocidos como Les Soirées de Paris en verano de 1924, con objeto de ayudar a la aristocracia rusa. Con música de Erik Satie y decorados y vestuario de Picasso, Massine produjo Mercure, el ballet más extraño y original desde Parade.[183] Los planos angulares y líneas rectas de Parade fueron reemplazadas por líneas curvas y onduladas, siluetas sinuosas en el decorado y el diseño de vestuario. El estreno de Mercure el 18 de junio en el Théâtre de la Cigale fue mal recibido por la crítica y el público. Algunos de los surrealistas criticaron que Picasso se involucrara en un proyecto burgués en ayuda de la aristocracia, pero Breton salió al paso defendiendo el trabajo artístico de Picasso, proclamando en su ensayo Hommage à Picasso (Homenaje a Picasso) «En lo que a mí respecta, considero la colaboración de Picasso en Mercure como el evento artístico más importante en los últimos años».[184]
Dos días después se estrenó Le train bleu, última colaboración con los Ballets Rusos de Sergéi Diágilev, en el Théâtre des Champs-Elysées. El telón fue pintado por el pintor de escenarios Alexander Shervashidze, a partir del gouache de Picasso Dos mujeres corriendo por la playa (La carrera).[178] El propio Picasso firmó el telón «Dedicado a Diágilev Picasso 24».[184]
En el verano de 1924 se instaló en la Villa La Vigie, en Juan-les-Pins. Picasso desarrolló en un cuaderno de bocetos una serie de dibujos pre-surrealistas, constelaciones de líneas y puntos, que fueron utilizados años después para una edición ilustrada preparada por Ambroise Vollard de Le Chef-d'œuvre Inconnu de Honoré de Balzac.[184] Para celebrar los cumpleaños de su hijo, Picasso realizaba retratos del niño cada año; en 1924 pintó Pablo de arlequín (Museo Picasso, París).[185]
La polémica en torno a las Soirées de Paris creció durante el verano y provocó un cisma entre los ex-dadás, enfrentando al grupo de Breton contra otro que giraba alrededor de Ivan Goll. En octubre Breton publicó el Manifiesto surrealista, en el que perfiló las consecuencias artísticas de la teoría del psicoanálisis y la interpretación de los sueños de Sigmund Freud. El término surrealismo, que acuñara Apollinaire en 1917, fue adoptado por Breton como nombre de su grupo. Aunque Picasso nunca se unió oficialmente al movimiento surrealista, su obra fue muy admirada por Breton, tanto como fue por Tristan Tzara y los dadaístas. La obra de Picasso aparece reproducida en ocho de los once números de La Révolution Surréaliste, publicados entre 1924 y 1929.[184]
Surrealismo
Periodo surrealista
Desde su matrimonio con Olga y el nacimiento de su primer hijo, Pablo, Picasso disfrutaba de una vida familiar feliz; llevaba una vida social muy activa, alternando con la aristocracia y la intelectualidad parisina; la crítica de vanguardia alababa sus logros artísticos, aunque se centraban en los aspectos formales, ignorando los elementos intuitivos y psicológicos de su obra. Aceptado por la sociedad y la crítica, Picasso estaba considerado como una parte de la tradición francesa que descollaba por encima de las travesuras de la nueva generación de dadaístas antiburgueses, que empezaban a ser suplantados por el grupo que se conocería como los surrealistas.[184]
André Breton fue un gran admirador del arte de Picasso, al que consideró como un exponente del Surrealismo, pese a que nunca se uniera oficialmente al movimiento.
En 1925 pintó, para el cuarto cumpleaños de su hijo, Pablo de pierrot (El hijo del artista) (Museo Picasso, París),[186] en un estilo naturalista similar al retrato de arlquín que pintó el año anterior. También pintó La danza (Tate Modern, Londres);[187] Se trata de un momento crucial en el desarrollo de Picasso, tras un periodo en el que trabajó tanto una forma decorativa del cubismo sintético como un estilo figurativo neoclasicista. La danza está en deuda con ambos estilos, pero su importancia radica en que marca una ruptura con una fase serena y clásica y el inicio de un nuevo periodo de violencia emocional y distorsión expresionista.[187]
La danza constituyó el inicio del periodo surrealista de Picasso, entre 1925 y 1938. Antítesis de sus dibujos clásicos sobre la danza, el carácter expresionista del cuadro simbolizaba la creciente irritación de Picasso hacia Olga y las mujeres en general; herido por la muerte de su amigo Ramón Pichot, creía que su mujer Germaine, que había sido la causa de la muerte de Casagemas, destruyó a su amigo como Olga le estaba destruyendo a él. Al dolor por la muerte de Pichot se une la del músico Erik Satie en julio.[188] En verano pintó, en Juan-les-Pins, El beso (Museo Picasso, París),[189] de un espíritu más agresivo aún que La danza. El motivo de las cabezas superpuestas, que aparece en la figura de la mujer y no en la escultura, encontraría continuidad en su obra posterior.[188] Las cualidades irracionales de esta serie de obras, así como las de las primeras obras cubistas, eran las que Breton encontraba análogas a la teoría del automatismo practicada por los artistas surrealistas.[188]
En el ensayo «El surrealismo y la pintura», publicado en julio de 1925 en el número 4 de La Révolution Surréaliste, Breton declaraba a Picasso como modelo de pintor y lo reclamaba como surrealista, al tiempo que señalaba la imposibilidad de aplicar una etiqueta que constriñera su trabajo: «La etiqueta "cubista" ha cometido mucho ese error». En noviembre se produjo la «Exposition: La Peinture Surréaliste», en la Galerie Pierre de París, en la que se expusieron dos de las pinturas del primer cubismo de Picasso, así como obras de Hans Arp, Giorgio de Chirico, Max Ernst, Paul Klee, André Masson, Joan Miró, Man Ray y Pierre Roy; Breton y Robert Desnos escribieron el prefacio del catálogo. La reseña de la exposición de Maurice Raynal en L'intransigeant decía: «¡El "padre del cubismo" se ha convertido en el hijo adoptivo de los surrealistas! Picasso acompañó en noviembre a su madre, que había pasado las vacaciones con ellos en la costa, a Barcelona. Allí conoció a Dalí, y visitó su primera exposición en solitario en la Galería Dalmau.[188]
Cubismo curvilíneo
En 1926 trabajó un estilo que se ha identificado como cubismo curvilíneo, en el que se combinaban las superficies sinuosas del cubismo decorativo, la superposición de cabezas en las figuras y las deformaciones curvas exploradas en los dibujos de constelaciones, aplicadas a una red cubista.[190] Puede verse en Las modistas (El taller de la modista) (Musée National d'Art Moderne, Centro Georges Pompidou, París)[191] y El pintor y su modelo (Museo Picasso, París),[192] obras monocromas pintadas en gris, negro, blanco y ocre canela. Realizó también varios retratos con cierto parecido a Marie-Thérèse Walter, una joven adolescente que según algunos autores presumiblemente conoció por vez primera a principios de 1925 en la Estación de París Saint-Lazare. Asimismo continuó trabajando el motivo de las cabezas superpuestas.[190]
En abril recibió la visita en su estudio de Dalí; pese a la mutua admiración, los dos artistas no llegaron a ser grandes amigos. Su recomendación a Diágilev de trabajar con Miró y Max Ernst los decorados y vestuario de su Romeo y Julieta llevó a que éstos fueran amenazados de expulsión del grupo surrealista, contrario a la colaboración con «una producción burguesa para la alta sociedad».[190]
Bañistas biomórficas
En enero de 1927 conoció a Marie-Thérèse Walter, una joven rubia de diecisiete años de edad, frente a las Galeries Lafayette de París (aunque algunos autores sitúan la fecha dos años antes). En seis meses se convirtieron en amantes. Aunque mantuvieron su relación en secreto hasta el nacimiento de su hija Maya en 1935, las referencias a Marie-Thérèse aparecieron en su obra poco tiempo después de conocerla. La tensión marital con Olga creció, su vida se volvía muy complicada intentando mantener el secreto de su relación. Pasó un infeliz verano en Cannes añorando a Marie-Thérèse mientras Olga se resentía porque Picasso nunca estaba presente en las reuniones sociales que organizaba.[193]
A finales de verano ejecutó un álbum de dibujos, Carnet des Métamorphoses, en el que dotó a bañistas biomórficas de formas esculturales elefantinas, con atributos sexuales que alcanzan proporciones monumentales, como puede verse en Bañista en la cabina (Figura femenina) (Museo Picasso, París).[194] Aunque probablemente se trata de estudios para un monumento a Apollinaire, Christian Zervos escribió en 1929 que Picasso los propuso como monumentos para la Croisette, el elegante paseo que separa la playa de los grandes hoteles en Cannes. A finales de 1927, de vuelta en París, trabajó con el impresor Louis Fort en una serie de trece grabados, encargados por Vollard, sobre el tema del «artista y modelo» para el libro Le Chef-d'œuvre Inconnu que publicaría en 1931.[193]
Escultura en hierro
En enero de 1928 realizó un gran collage llamado El Minotauro (Musée National d'Art Moderne, Centro Georges Pompidou, París.)[195] Consistente en dos piernas que salen de una cabeza de toro, es la primera aparición en su obra del tema mitológico del minotauro, mitad hombre, mitad toro, que culminó en el Guernica en 1937. También continuó trabajando el tema de las bañistas biomórficas y el pintor y su modelo.[196]
En marzo de 1928 retomó su amistad con el escultor Julio González, cuyo estudio de la rue de Médéah visitó frecuentemente para continuar aprendiendo técnicas de soldadura. En junio realizó su primera escultura tridimensional desde 1914, el bronce Metamorfosis I (Bañista) [Personaje femenino] (Museo Picasso, París),[197] a partir de dibujos de Marie-Thérèse completados en 1927.[196]
En verano se instaló con Olga y Pablo en Dinard, en la Bretaña francesa; en secreto, hospedó a Marie-Thérèse en un campamento de verano para niños cercano, y la inició en sus prácticas sexuales sadomasoquistas preferidas.[196] Continuó trabajando el tema de las bañistas biomórficas en cuadros y dibujos, como Bañista y cabina (MoMA, Nueva York),[198] y una serie de estudios sobre construcciones en metal soldado, en la línea de las constelaciones de puntos unidos por una red de líneas, de cara a un futuro monumento a Apollinaire. De vuelta en París, en otoño trabajó con González sobre este proyecto en una serie de maquetas realizadas con varillas de hierro,[199] que Kahnweiler describió como «dibujos en el espacio». Las maquetas fueron rechazadas por el comité encargado del monumento por considerarlas demasiado radicales e inapropiadas.[196]
La mujer castradora
En la primavera de 1929 realizó la escultura en hierro soldado y pintado La mujer en el jardín (Museo Picasso, París),[200] en el taller de González. También inició los primeros estudios para La crucifixión(Museo Picasso, París),[201] que completaría en 1930. La tensión de su matrimonio con Olga se reflejaba en obras como Busto de mujer y autorretrato (colección privada),[202] en el que una salvaje cabeza femenina con las fauces abiertas se impone sobre un perfil clásico de sí mismo. También en Gran desnudo en sillón rojo (Museo Picasso, París),[203] donde la figura femenina se contorsiona en un grito revelando elementos perturbadores en el subconsciente del artista. La naturaleza surreal de esta pintura se aprecia también en otras muchas obras.[204]
En enero de 1930 pintó Bañista sentada a orillas del mar (MoMA, Nueva York),[205] una mujer concebida como una estructura ósea, una criatura amenazante que contrasta con la serena atmósfera de la playa, cuya cabeza se asemeja a la de una mantis, uno de los símbolos favoritos de los surrealistas (la mantis devora a su compañero durante el acto sexual). Varias obras precedentes y posteriores de Picasso tienen ese mismo tipo de cabeza, y algunas también lo que se conoce como vagina dentata, evocando el «miedo a la castración psicosexual» que los surrealistas simbolizaban a través de la mantis religiosa.[206]
Boisgeloup
Sus obras se expusieron por vez primera en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), fundado el año anterior, como parte de la exposición «Painting in Paris». En junio adquirió el castillo de Boisgeloup, a setenta kilómetros al noroeste de París. Boisgeloup se convertiría en un refugio al que podía escapar con Marie-Thérèse; convirtió los establos en un estudio de escultura en el cual su deseo de volver a modelar en barro o escayola y la inspiración en su joven amante le estimularon a crear grandes bustos en escayola, algunos de ellos de una indudable naturaleza sexual. En otoño de 1930 realizó una serie de esculturas, la mayor parte talladas en madera y posteriormente fundidas en bronce, de pequeño tamaño y muy estilizadas.[207] Por esas fechas, Marie-Thérèse se trasladó al número 44 de la calle Boétie, frente al apartamento de Picasso.[206]
En septiembre de 1930 inició la serie de cien grabados que formarían la Suite Vollard; Picasso trabajó en esta serie desde 1930 a 1937, aunque el grueso del trabajo lo realizó entre 1933 (sesenta y un grabados) y 1934 (veinticuatro grabados). También trabajó sobre los grabados para Las metamorfosis de Ovidio,[208] publicado en 1931, un total de quince grabados a página completa y otros quince a media página.[206]
En enero de 1931 pintó Deux figures au bord de la mer y en marzo, Nature morte sur un guéridon. Ese año también se publicaron dos importantes libros ilustrados por Picasso: La Metamorfosis de Ovidio (Lausanne, Skira) y Le Chef d'œuvre inconnu de Balzac (París, Ambroise Vollard).
En 1932 termina Joven delante del espejo. Se llevó a cabo en junio una retrospectiva en la Galerie Georges Petit, entonces el Kunsthaus Zurich. Picasso trabaja en Boisgeloup las cabezas talladas de Marie-Therese y la serie de dibujos La Crucifixión de Grünewald.
El primer número del Minotauro, con una portada de Picasso, apareció en mayo de 1933. Pasó las vacaciones de verano 1933 en Cannes con Olga y Pablo. En septiembre, pintó en Boisgeloup La muerte de un torero.
De junio a septiembre de 1934 hizo unas series de toros, pintadas, dibujadas y grabadas. En agosto, viaja a España con Olga y Pablo, y fue a los toros en Burgos y Madrid. Visitó el Museo de Arte catalán Barcelona. Hizo las esculturas: Femme au feuillage y Femme à l'orange. En la primavera de 1935, la galería de exposiciones Pierre expone los papiers collés. Grabó Minotauromaquia. Se separó de Olga en junio y en octubre nació Maya Picasso, su hija con Marie-Therese Walter.
Hizo los dibujos al agua y otros sobre el tema del Minotauro. Ese mismo año, al comienzo de la Guerra Civil Española, fue nombrado director de Museo del Prado de Madrid. A principios de agosto, Picasso partió para Mougins y se reunió con Dora Maar.
Guernica y pacifismo
Placa en el hotel de la Rue des Grands-Augustins (París). «Pablo Picasso vivió en este inmueble de 1936 a 1955. En este estudio pintó 'Guernica' en 1937.
Igualmente aquí Balzac sitúa la acción de su novela 'Le Chef d'Oeuvre inconnu'».
Véase también: Guernica (cuadro)
En enero de 1937 el arquitecto catalán Josep Lluís Sert le pidió que colaborase con un gran mural para el pabellón de la Segunda República Española de la Exposición Internacional de París. El gobierno electo del país se enfrentaba a una posible derrota durante la Guerra Civil Española por los Nacionales de Franco, apoyados por la Alemania nazi y la Italia fascista. La república tenía la esperanza de demostrar al mundo que eran ellos los que representaban al pueblo español y sus logros. Picasso, que en 1936 había aceptado la invitación del entonces presidente de la república Manuel Azaña de convertirse en director honorario del Museo del Prado en Madrid,[209] se mostró reluctante en un principio, tanto por el tamaño del proyecto como porque nunca había aceptado antes un encargo con carácter propagandístico. Dora Maar encontró en febrero un estudio muy grande en el nº 7 de la rue des Grands-Augustins, donde Picasso podía llevar a cabo el proyecto.[210]
Ese mismo año realizó Sueños y mentiras de Franco, dos grabados con un formato semejante al cómic o a las aleluyas españolas,[211] con un total de dieciocho escenas, pensadas para ser reproducidas como estampas o postales, en las que denunciaba el golpe de estado fascista y señalaba los crímenes de la guerra, describiendo a Franco como una figura malvada y grotesca. A partir de junio sería acompañado por el poema del mismo nombre, con caricaturas del general Franco.[210]
El 26 de abril de 1937 se produjo el brutal bombardeo de la localidad de Guernica por parte de la alemana Legión Cóndor a petición de Franco. Picasso, que hasta entonces no tenía muy claro el tema para el cuadro, se inspiró en este hecho para desarrollar el mural del pabellón de la Segunda República, y se embarcó el 1 de mayo en la creación de una de sus obras más famosas: Guernica (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid), que fue finalmente expuesto en el Pabellón de España en la Exposición Internacional.[212] Dora Maar fotografió el proceso y los distintos estadios del cuadro, que Picasso finalizaría a principios de junio. El cuadro simboliza todo el horror de la guerra y la tragedia de la muerte de muchas víctimas inocentes.[213]
También en contra de la guerra, con motivo de su adhesión al Consejo Mundial de la Paz pintó el famoso La paloma de la paz en 1949. Recibió el premio internacional de la paz en 1955.
De octubre a diciembre de 1937, pintó La mujer que llora (París, Museo Picasso). Después en 1938, hizo un gran collage, Les Femmes à leur toilette (París, Musee National d'Art Moderne). En julio de 1938, va a Mougins con Dora Maar. En julio de 1939 fue con Dora Maar a vivir con Man Ray en Antibes, donde hizo Pêche de nuit à Antibes (Museo de Arte Moderno de Nueva York). A partir de septiembre de 1939 hasta principios de 1940, pintó en Royan el cuadro Séquence de femmes au chapeau.
Entre 1942 y 1943 realizó el ensamblaje, cabeza de toro (París, Museo Picasso), La Aubade (París, Musee National d'Art Moderne), L'Homme au mouton (París, Museo Picasso). Conoció a Francoise Gilot en mayo de 1943.
Compromiso con el Partido Comunista
Tras el final de la Segunda Guerra Mundial, sus cuadros se volvieron más optimistas, más alegres, mostrando, como el título de una serie de 1946, la alegría de vivir que se sentía entonces.
Picasso vive con Marie-Therese durante la insurrección de París en agosto de 1944. Se incorporó en octubre al Partido Comunista Francés y también en octubre abrió el Salón de Otoño y la retrospectiva de Picasso.
El Osario (Nueva York Museo de Arte Moderno) lo pintó en abril y mayo de 1945 a partir del recuerdo del descubrimiento en diciembre de 1944, del cuerpo de su amigo ajusticiado, el joven poeta surrealista Robert Rius. Picasso partió con Dora Maar hacia Cap d'Antibes en julio, y el 26 de noviembre Françoise volvió a convivir con Picasso.
Finalizada la guerra, el entorno de amistades de Picasso estaba compuesta por artistas e intelectuales comunistas, lo que marcó en cierto sentido al menos una parte de su obra entre 1946 y 1953.
Período de Vallauris
Vallauris y la cerámica
Palacio Grimaldi en Antibes, sede del Museo Picasso de la ciudad.
En 1946, Picasso y Françoise se fueron a vivir a Golfe-Juan, visitó a Matisse en Niza. A primeros de julio marchó a Ménerbes (Vaucluse) con Françoise, a la casa que había dado a Dora Maar. Recibía cartas a diario de Marie-Thérèse. Françoise estaba a disgusto y se marchó a las tres semanas en autostop a Marsella, con unos amigos; Picasso la encontró en el camino y le pidió que volviera, sugiriendo que tuvieran un hijo. Visitaron Vallauris, donde modeló tres piezas de cerámica en el taller de alfarería Madoura, de Georges Ramié.[214] A su retorno a Golfe-Juan en agosto, Françoise estaba embarazada. Picasso había conocido a Romual Dor de la Souchère, conservador del Museo de Antibes, en el Palacio Grimaldi, pero él prefiere decorar el museo; entre septiembre y octubre pintó veintidós paneles para el palacio, que más tarde sería Museo Picasso de Antibes, con temas marinos y composiciones mitológicas. Los estudios de faunos y figuras clásicas culminaron en el tríptico La joie de vivre (Pastorale) (Musée Picasso, Antibes),[215] título que tomó prestado de su amigo Matisse, para un cuadro que refleja la felicidad que compartía en aquella época con Françoise. En octubre coincidió durante la primera edición del Festival de Cine de Cannes con Breton, recién retornado del exilio en Estados Unidos. Breton, que se había negado en agosto a saludarle cuando coincidieron en Golfe-Juan, desairó de nuevo a Picasso por su afiliación al Partido Comunista; no volvieron a verse nunca más. Este gesto fue preludio a la ruptura violenta entre los surrealistas y el Comunismo desde 1947.[216]
Nacimiento de Claude
En 1947 trabajó naturalezas muertas con el tema búho en una silla, y grabados de faunos, centauros y bacantes, siguiendo la temática del verano en Antibes; a finales de enero, finalizó el óleo Monumento a los españoles muertos por Francia (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid),[217] que inició a finales de 1945. En febrero inició la serie de cuarenta y un aguafuertes y aguatintas para la edición de Luis de Góngora y Argote: Vingt Poèmes (Veinte poemas), publicado en París por Les Grands en 1949.[218] A finales de marzo hizo varias litografías sobre el David y Betsabé de Lucas Cranach el Viejo (1472–1553).[219] El 15 de mayo nació en París su hijo Claude, nombre que decidió Françoise en honor de Claude Gillot, maestro de Watteau. La pareja pasaba cada vez menos tiempo en el estudio de París y más en Golfe-Juan, donde se trasladaron con el niño a finales de junio; en agosto volvió a visitar el taller de cerámica de Georges Ramié en Vallauris, e inició una intensa producción, alrededor de dos mil piezas entre octubre de 1947 y 1948, introduciendo innovaciones formales, técnicas y colorísticas que condujeron a una revitalización de la industria cerámica de la ciudad, que declinaba desde la Primera Guerra Mundial. En pintura y grabado realizó unas pocas obras tan solo hasta final de año; siguió el trabajo sobre los grabados para los Vingt Poèmes de Góngora, algunos retratos de Françoise y naturalezas muertas. En diciembre realizó los escenarios para Oedipus Rex, de Sófocles, dirigida por Pierre Blanchar.[220]
Female head por Picasso en Halmstad, Suecia.
La Galloise, Vallauris
En la primavera de 1948 Picasso y Françoise abandonaron el apartamento que ocupaban en Golfe-Juan, y Picasso inició en mayo la realización de una serie de treinta y ocho grabados y cuatro aguatintas para ilustrar Carmen, de Próspero Mérimée (París, La Bibliothèque Française), que finalizaría en noviembre. En el verano se mudaron a una pequeña casa llamada La Galloise, en las colinas que rodean Vallauris. Françoise estableció un diálogo artístico abierto con Matisse, a través de correspondencia y de las visitas que realizaban al artista. Picasso finalizó el poema en seis actos Les Quatre Petites Filles, que empezó a escribir en noviembre de 1947. El 25 de agosto Picasso fue al Congreso de Intelectuales por la Paz en Breslavia, regresando a Vallauris a mediados de septiembre. En octubre volvió a su estudio en París, con Françoise de nuevo embarazada. Comenzó a trabajar el tema de la mujer-flor y varias naturalezas muertas. Pintó dos versiones de La Cuisine (La cocina), uno se encuentra en el Museo Picasso de París y el otro en el MoMA de (Nueva York), composiciones lineales construidas mediante ritmos y líneas de fuerza, con un uso escaso del color.[221] En diciembre realizó varios retratos de su hijo Claude, e imprimió veintisiete modelos de Femme assise dans un fauteuil, serie en la que Françoise luce un abrigo que Picasso le trajo de Polonia, y que continuó durante enero de 1949.[221] También continuó trabajando en naturalezas muertas con crustáceos; Nature morte au poron (Naturaleza muerta con porrón, Galerie Fabien Boulakia), Le grand homard rouge (El gran bogavante rojo, colección privada).[222]
Paloma
En febrero de 1949 Louis Aragon acudió al estudio parisino de Picasso a seleccionar un dibujo para el cartel del Congreso Mundial de Partisanos por la Paz que había de celebrarse en París en abril del mismo año. La colombe, un dibujo a lápiz azul sobre papel, fue el motivo escogido por Aragon, y la imagen fue conocida rápidamente como La paloma de la paz.
En marzo inició una serie de cuadros de Françoise sentada, con el título Femme assise,(Mujer sentada). En primavera volvió brevemente a Vallauris y compró una fábrica de esencias abandonada para usarla como estudio, y utilizó algunas habitaciones para almacenar su trabajo en cerámica. También comenzó a recolectar objetos y cachivaches, que posteriormente reutilizaría en distintas piezas. Intensificó su trabajo en escultura, que había reanudado en el año anterior: Femme enceinte (Mujer embarazada) figura una forma femenina a partir de una vara de metal larga, a la que añadió dos brazos arriba y dos piernas abajo, y un vientre hinchado con dos pequeños pechos en el centro. Realizó de nuevo una serie de obras inspiradas en cuadros de Lucas Cranach el Viejo: las litografías Vénus et l'Amour (Cranach) (Venus y Amor (Cranach)); Jeune fille inspirée par Cranach (Muchacha inspirada por Cranach), propiedad de Christie's y David et Bethsabée (Cranach) VII (David y Betsabé (Cranach) VII), del Museo Picasso de París. Las variaciones de Picasso sobre el David y Betsabé de Cranach tuvieron su origen en una reproducción en blanco y negro del catálogo de una exposición de 1937 sobre el artista realizada en Berlín, que Kahnweiler le había regalado.[223]
El 19 de abril de 1949 nació su segunda hija, el día de la apertura del Congreso por la Paz, y decidió llamarla Paloma en honor al símbolo que creó para los carteles que aparecían por todas las calles de París. Tras el parto, Françoise retomó su trabajo como pintora, y Kahnweiler le ofreció un contrato para ser su marchante en exclusiva.[224] Picasso volvió su interés hacia la pintura, dejando un poco de lado la cerámica y centrando su inspiración en sus hijos Claude y Paloma. La familia retornó a Vallauris en otoño, y Picasso, perdido un poco el interés por la cerámica, volvió a la pintura y la escultura de un modo más concentrado, realizando varios bronces, algunos de motivos africanos. Durante el año siguiente la escultura ocupó la mayor parte de su tiempo.[225]
El 6 de agosto de 1950 Laurent Casanova inauguró la exposición L'Homme au mouton en Vallauris. Picasso hizo La cabra, La mujer del cochecito y Niña saltando a la cuerda. El 15 de enero de 1951, pintó Masacre en Corea. En 1952, dibujó La guerra y La paz para decorar la capilla de Vallauris, escribió una segunda obra de teatro: Les Quatre Petites Filles.
En abril de 1954 hizo los retratos de Sylvette David. En diciembre comenzó la serie de variaciones sobre Las mujeres de Argel de Delacroix. Se instaló en mayo de 1955 con Jacqueline Roque en la villa La California en Cannes. En junio, se celebró una retrospectiva en el Museo de Artes Decorativas. Durante el verano trabajó con Henri-Georges Clouzot para la película Picasso Mystère.
En 1956 realizó Los Bañistas, esculturas en madera (Stuttgard, Staatsgalerie) que después fueron esculpidas en bronce. Pintó El taller de la California. El 17 de agosto de 1957 empezó a trabajar en las Meninas (Barcelona, Museo Picasso). El 29 de marzo de 1958 se presentó la decoración para la Unesco: La caída de Ícaro. En septiembre, Picasso compró el castillo de Vauvenargues y pintó La bahía de Cannes.
La ubicación del Museo Picasso (París) en el hotel Salé fue decidida en 1974. El fondo de obras se nutrió básicamente de la donación producida a la muerte del artista por sus sucesores, como intercambio por los impuestos derivados de la herencia. El museo fue abierto al público en 1985.[226]
Se casó con Jacqueline en Vallauris el 2 de marzo de 1961, y en junio se trasladó a Notre-Dame-de-Vie en Mougins (cerca de Cannes). Hizo: La Femme aux bras écartés, La silla, La mujer y los niños, Los Futbolistas. En noviembre de 1962 pintó El rapto de las sabinas del cual una versión está en el Museo Nacional de Arte Moderno de París. La inauguración de la retrospectiva en el Grand Palais y en el Petit Palais tuvo lugar el 19 de noviembre de 1966.
En enero de 1970, el Museo Picasso de Barcelona recibió la donación de las obras conservadas por su familia. Una exposición suya tuvo lugar en el Palacio de los Papas de Aviñón de mayo a octubre. En abril de 1971 la Galería Louise Leiris expuso 194 dibujos realizados entre el 15 de diciembre de 1969 y 12 de enero de 1971. Nueva exposición en la galería Louise Leiris en enero de 1973, mostrando los 156 aguafuertes realizados entre fines de 1970 y marzo de 1972. En 1973 murió debido a un edema pulmonar, en su casa de Mougins (Francia).
Obras
Véase también: Categoría:Cuadros de Pablo Picasso
• La primera comunión (1895-1896)
• Mujer con mantilla (1894), Museo Picasso Málaga
• Autorretrato mal peinado (1896) Museo Picasso de Barcelona
• Autorretrato con el pelo corto (1896), Museo Picasso de Barcelona
• Autorretrato (1899-1901)
• Autorretrato Yo, Picasso (primavera 1901), colección particular (New York)
• Maternidad, Picasso (1901)
• La muerte de Casagemas (1901)
• Autorretrato : Yo (1901), John Hay Whitney Collection (New York)
• En un café (1902)
• Autorretrato 1901 (fin 1901), Museo Picasso (París)
• la Sra. Soler (1903), Pinakothek der Moderne, Múnich
• Dama en Eden Concert (1903)
• Repasseuse(1903)
• La Tragedia (1903)
• La vida (1903)
• Retrato de Jaime Sabarté (1904)
• Retrato de Suzanne Bloch (1904), museo de Sao Paulo.
• Chico con pipa (1905), collection particulière
• Arlequin, sentado (1905)
• Los Saltimbanquis (1905)
• La Femme à l'éventail (1905)
• Garçon á la Collerette (1905) colección privada
• Retrato de Benedetta Canals (1905)
• Retrato de Gertrude Stein (1906)[61]
• Cabeza de hombre joven (1906)
• Cabeza de mujer (1906)
• Dos desnudos (1906)
• Autorretrato (primavera 1906), Gellman Collection (México)
• Autorretrato (verano 1906), colección particular
• Autorretrato con la paleta (verano/otono 1906), Philadelphia Museum of Art (Philadelphie)
• Marin, roulant une cigarette (1907)
• Autorretrato (Verano 1907), Národni Gallery (Prague)
• Las señoritas de Avignon (1907), Museo de Arte Moderno de Nueva York (New York)
• Desnudo amarillo (1907)
• Coupe des fruits avec des poires et des pommes (1908)
• Casas sobre una colina (Horta de Ebro) (1909)
• Mujer en verde (1909), Abbemuseum, Eindhoven, Países Bajos
• Cabeza de mujer (Fernanda) (1909), Stadel Museum à Francfort.
• Retrato de Georges Braque (1910)
• Violon (1912)
• Nature morte à la chaise cannée (primavera de 1912), Musée Picasso (París)
• Guitare et journal (1916)
• Arlequin, (1917, Museo Picasso de Barcelona).
• Olga Kokhlova à la mantille (1917), Museo Picasso Málaga
• Las Bañistas (1918)
• Nature morte devant une fenêtre à St. Raphael (1919)
• Retrato de la familia Sisley (1919)
• Baignants (1920)
• Los Tres Músicos (1921), Museum of Modern Art (New York)
• Maternidad (1921-1922), Museo Picasso Málaga
• Retrato de Paulo con gorro blanco (1923), Museo Picasso Málaga
• Olga au col de fourrure (1923), Palais des Beaux-Arts de Lille
• Paul en Arlequin (1924) Museo Picasso (París)
• Nature morte à la charlotte (1924), Centre Georges-Pompidou (París)
• Buste de jeune fille (1926), retrato de Marie-Thérèse Walter en el Musée d'art moderne et contemporain de Strasbourg.
• Marie-Thérèse à 21 ans dessin dérobé en février 2007 collection privée de Diana Widmaier, petite-fille du peintre.
• Grand nu au fauteuil rouge (1929), Museo Picasso de París
• Le Sculpteur (1931)
• [La Lecture] (1932)
• Desnudo, hojas verdes y busto, retrato de Marie-Thérèse Walter (1932)
• Corrida : la mort de la femme torero (1933)
• Minotauromachie (1935)
• Femmes lisant (1935)
• La Dépouille de Minotaure en costume d'Arlequin rideau de scène de la pièce de Romain Rolland, Le 14 juillet, Les Abattoirs de Toulouse
• Guernica (1937) museo Reina Sofia (Madrid)
• Maya à la poupée (1937), colección privada de Diana Widmaier, petite-fille du peintre (dérobé en février 2007, retrouvé le 7 août 2007)
• Femme assise sur la plage (1937) Musée des Beaux-arts, Lyon (legs Jacqueline Delubac 1997)
• Maya à la poupée et au cheval de bois, 22 de enero (1938)
• La femme qui pleure (1937)
• Portrait de femme au col vert (1938), Museo Picasso Málaga
• Dora Maar au chat (1941), colección particular, comprado por 9,2 millones de euros en mayo de 2006.
• La paloma de la paz (1949)
• Buste de femme, les bras croisés derrière la tête (1939), Museo Picasso Málaga
• Le Pull-over jaune (1939)
• Femme dans un fauteuil (1946), Museo Picasso Málaga
• La Joie de vivre (1946)
• La Colombe de la paix (1949)
• Massacre en Corée (1951)
• Madame Z ou Jacqueline aux fleurs (1954), colección particular
• Jacqueline au rocking-chair (1954), pinacoteca de París
• Jacqueline assise (1954), Museo Picasso Málaga
• Jacqueline en costume turc (abril de 1955), colección particular
• Jacqueline assise (1955)
• Las Palomas (1957)
• Portait de Jacqueline, 11 de febrero de 1961, colección privada de Diana Widmaier,
• Homme assis (autorretrato) (1965), colección particular
• Le Matador (1970)
• Baigneuse (1971), Museo Picasso Málaga
• Autoportrait (30 de junio de 1972), Fuji Television Gallery (Tokio)
• Tête d'Arlequin, vendido por 15,16 millones de dólares en 2007.
• Mousquetaire et nu assis vendido en una subasta por 9,954 millones de euros en junio de 2007.
• Las meninas (1957)
Escritura y libros ilustrados
En 1931 participó en la publicación de dos grandes obras ilustradas con estampas. Por un lado, Las Metamorfosis de Ovidio, con treinta grabados al aguafuerte y La obra maestra desconocida de Balzac, con 13 grabados al aguafuerte. En total, Picasso ilustró más de 150 libros durante su vida, incluyendo obras maestras del siglo XX: el Cantar de los muertos de Reverdy con 125 litografías, La Celestina, con 66 aguafuertes y aguatintas, veinte poemas de Góngora, con 41 aguafuertes y aguatintas, La Historia natural del Conde de Buffon con 31 grabados al aguatinta, la tauromaquia con veintisiete grabados al aguafuerte y aguatinta.
Durante la Segunda Guerra Mundial, Picasso escribió en el 1941 una obra de teatro de estilo surrealista, El Deseo atrapado por la cola, del que hará una lectura en marzo de 1944 en casa de Michel Leiris con sus amigos Simone de Beauvoir, Jean-Paul Sartre, Albert Camus, Louise Leiris y Pierre Reverdy entre otros. La obra se estrenó finalmente en julio de 1967. También escribió otras dos obras literarias: Las cuatro niñas y El entierro del Conde Orgaz.
Hijos
• Paulo Picasso (4 de febrero de 1921 - 5 de junio de 1975) - con Olga Khokhlova
• Maya Widmaier-Picasso (5 de septiembre de 1935) - con Marie-Thérèse Walter
• Claude Picasso (15 de mayo de 1947) - con Françoise Gilot
• Paloma Picasso (19 de abril de 1949) - con Françoise Gilot
Véase también
• Fundación Picasso. Museo Casa Natal (Málaga)
• Museos dedicados a su obra en el mundo
• Bateau-Lavoir
Referencias
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72. ↑ Nota: Durante este tiempo, el imperio colonial francés fue expandiéndose por África, y los museos de París se llenaron de los artefactos que los franceses traían de vuelta de África.La prensa se hacía eco con exageradas historias de canibalismo y exóticos cuentos sobre el reino africano de Dahomey. También se hablaba del maltrato de los africanos en el Congo belga con el popular libro El corazón de las tinieblas (1899) de Joseph Conrad.Es natural, por lo tanto, que este clima de interés por África sirviese de inspiración para algunos de sus trabajos, interés quizás también provocado por Henri Matisse, quien le mostró una máscara de la región africana de Dan. Los estudiosos sostienen que Matisse compró esta pieza en la tienda de artefactos no-occidentales de Emile Heymenn en París.
73. ↑ Artículo sobre exposición Picasso. «Pequeña Figura. La Colección en contexto.» 4 junio- 16 de septiembre de 2007, Museo Picasso Málaga.
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77. ↑ Nota: Ambroise Vollard compró el estudio de Picasso y la pareja se repartió el dinero; a mediados de septiembre, Fernande habitaba su propio apartamento.
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160. ↑ Online Picasso Project. «Les baigneuses (1918)» (en inglés).
161. ↑ Online Picasso Project. «Nature morte au pichet et aux pommes (1919)» (en inglés).
162. ↑ Online Picasso Project. «La sieste (1919)» (en inglés).
163. ↑ a b c d e Online Picasso Project. «Biografía, 1919» (en inglés).
164. ↑ a b c Penrose, 1981, p.228
165. ↑ a b c d e Online Picasso Project. «Biografía, 1920» (en inglés).
166. ↑ Online Picasso Project. «Obras (enero-marzo de 1920)» (en inglés).
167. ↑ Online Picasso Project. «Portrait d'Igor Stravinsky (1920)» (en inglés).
168. ↑ Online Picasso Project. «Pulcinella avec une guitare devant un rideau (Massine salutant) (1920)» (en inglés).
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170. ↑ a b c Online Picasso Project. «Biografía, 1921» (en inglés).
171. ↑ Online Picasso Project. «Projet de décor pour Cuadro Flamenco (1921)» (en inglés).
172. ↑ Penrose, 1981, p.232
173. ↑ Online Picasso Project. «Mère et enfant au bord de la mer (1921)» (en inglés).
174. ↑ Online Picasso Project. «Trois femmes à la fontaine (1921)» (en inglés).
175. ↑ Online Picasso Project. «Musiciens aux masques (1921)» (en inglés).
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177. ↑ a b Online Picasso Project. «Biografía, 1922» (en inglés).
178. ↑ a b Online Picasso Project. «Deux femmes courant sur la plage (La course) (1922)» (en inglés).
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180. ↑ a b Online Picasso Project. «Biografía, 1923» (en inglés).
181. ↑ Online Picasso Project. «Portrait de Doña Maria (La mére de l'artiste) (1923)» (en inglés).
182. ↑ Online Picasso Project. «La flûte de Pan (1923)» (en inglés).
183. ↑ Penrose, 1981, pp.233-234
184. ↑ a b c d e Online Picasso Project. «Biografía, 1924» (en inglés).
185. ↑ Online Picasso Project. «Paul en arlequin (1924)» (en inglés).
186. ↑ Online Picasso Project. «Paul en pierrot (Le fils d'artiste) (1925)» (en inglés).
187. ↑ a b Online Picasso Project. «Paul en pierrot (Le fils d'artiste) (1925)» (en inglés).; véase comentario asociado.
188. ↑ a b c d Online Picasso Project. «Biografía, 1925» (en inglés).
189. ↑ Online Picasso Project. «Le baiser (1925)» (en inglés).
190. ↑ a b c Online Picasso Project. «Biografía, 1926» (en inglés).
191. ↑ Online Picasso Project. «Les modistes (L'atelier de la modiste) (1926)» (en inglés).
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197. ↑ Online Picasso Project. «Metamorphose I (Baigneuse) [Personnage féminin (1928)]» (en inglés).
198. ↑ Online Picasso Project. «Baigneuse et cabine (1928)» (en inglés).
199. ↑ Online Picasso Project. «Escultura (septiembre-diciembre de 1928)» (en inglés).
200. ↑ Online Picasso Project. «La femme au jardin (1929)» (en inglés).
201. ↑ Online Picasso Project. «La crucifixion (1930)» (en inglés).
202. ↑ Online Picasso Project. «Buste de femme et autoportrait (1929)» (en inglés).
203. ↑ Online Picasso Project. «Grand nu au fauteuil rouge (1929)» (en inglés).
204. ↑ Online Picasso Project. «Biografía, 1929» (en inglés).
205. ↑ Online Picasso Project. «Baigneuse assise au bord de la mer (1930)» (en inglés).
206. ↑ a b c Online Picasso Project. «Biografía, 1930» (en inglés).
207. ↑ Online Picasso Project. «Esculturas, 1930» (en inglés).
208. ↑ Online Picasso Project. «Grabados, 1930» (en inglés).
209. ↑ Nota: Las obras de arte habían sido trasladadas a un lugar seguro, y picasso comentó Entonces, ¡soy el director de un museo vacío!
210. ↑ a b Online Picasso Project. «Biografía, 1937» (en inglés).
211. ↑ Aleluya según el DRAE: 10. f. Cada una de las estampas que, formando serie, contiene un pliego de papel, con la explicación del asunto, generalmente en versos pareados.
212. ↑ Online Picasso Project. «Guernica (1937)» (en inglés).
213. ↑ Estando en París durante la Segunda Guerra Mundial, al parecer se reunió Picasso en su estudio con funcionarios alemanes muy interesados en su trabajo. Los agentes, al ver el famoso cuadro Guernica, le preguntaron: «¿Lo hizo usted?». Picasso presuntamente contestó: «No ... usted».Penrose, Roland (1958). Picasso. Flammarion.
214. ↑ Galerie Madoura. «Sitio web oficial» (en inglés).
215. ↑ Online Picasso Project. «La joie de vivre (Pastorale) (1946)» (en inglés).
216. ↑ Online Picasso Project. «Biografía, 1946» (en inglés).
217. ↑ Online Picasso Project. «Monument aux espagnols morts pour la France (1947)» (en inglés).
218. ↑ Para la serie completa, escribió textos en español e iluminó los márgenes. En marzo hizo la litografía Retrato de Góngora
219. ↑ Emuseo de la Universidad Autónoma Metropolitana de Azcapotzalco. «Pablo Picasso, paráfrasis y poética» (en español). Consultado el 8 de abril de 2009. «Pablo Picasso realizó a través de perceptualizaciones la paráfrasis de la historia universal del arte visual.».
220. ↑ Online Picasso Project. «Obra, 1947» (en inglés).
221. ↑ a b Online Picasso Project. «Biografía, 1948» (en inglés).
222. ↑ Online Picasso Project. «Obra, 1948» (en inglés).
223. ↑ Online Picasso Project. «Obra, 1949» (en inglés).
224. ↑ Françoise fue una de las dos únicas mujeres que el influyente marchante tendría a lo largo de su carrera bajo contrato.
225. ↑ Online Picasso Project. «Biografía, 1949» (en inglés).
226. ↑ Musée Picasso de Paris. «De l'Hôtel Salé au Musée Picasso» (en francés). Consultado el 8 de abril de 2009.
Licencia
• Este artículo fue creado a partir de la traducción del artículo Picasso de la Wikipedia en francés, bajo licencia Creative Commons Compartir Igual 3.0 y GFDL.
Bibliografía
• «On-line Picasso Project» (en inglés).
• Carl Gustav Jung, Picasso (1932), libro 9 del Volumen 15 de la Obra Completa: Sobre el fenómeno del espíritu en el arte y en la ciencia (Madrid: Trotta, 1999 [3ª edición 2007]. ISBN 84-8164-342-4)
• Santiago Sebastián El Guernica y otras obras de Picasso : Contextos iconográficos, Editum: Ediciones de la Universidad de Murcia 1984 ISBN 84-86031-49-4
• Christian Zervos, Catalogue raisonné des œuvres de Pablo Picasso, París, éditions Cahiers d'art, 1932-1978.
• Léo Steinberg, Trois études sur Picasso, coll. Arts et Esthétiques n° 9, Éditions Carré, 1996 ISBN|2-908393-44-1
• Élisabeth Lièvre-Crosson, Du cubisme au surréalisme, coll. Les essentiels n°20, Milan, 1995 ISBN|2-84113-272-2
• Picasso, Form und Graphik/Sammlung Ludwig Köln, VG Bild Kunst, Bonn, 1996, ISBN|3-930054-24-8
• Catalogue Musée Picasso de Barcelone, Editorial Escudo de Oro, ISBN|84-378-0925-8
• Picasso par Ingo F. Walther chez Taschen, 2000, ISBN|3822861731.
• Fermigier, André (1969). Picasso. Le Livre de Poche, Série Art. París, Librairie Génerale Française. ISBN 2-253-02455-4.
• Palau i Fabre, Josep (1990). Picasso: Cubismo 1907-1917. Ediciones Polígrafa. pp. 532. ISBN 9788434306226.
• Penrose, Roland (1981) (en inglés). Picasso, his life and work. University of California Press. ISBN 9780520042070. http://books.google.es/books?id=carMd_8ii2kC&printsec=frontcover&source=gbs_atb#v=onepage&q&f=false.
Enlaces externos
• Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Pablo Picasso.Commons
• Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Pablo Picasso. Wikiquote
Museos y exposiciones
• Fundación Picasso, Museo Casa Natal
• Exposición "Picasso. Tradición y vanguardia" Museo del Prado y Reina Sofía, Madrid 2006 Incluye catálogo completo de la exposición
Otros enlaces de interés
• Sitio oficial de la sucesión de Picasso (en español)
• Picasso en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York (en inglés)
• Pablo Picasso en la Artcyclopedia, con enlaces a museos y exposiciones en todo el mundo. (en inglés)
• Galleryofart: Pablo Picasso (en inglés)
• drasolt.com: Rey Picasso Excelente banco de imágenes de la obra del artista.
• masdearte.com: Pablo Picasso: Biografía
• Pablo Ruiz Picasso en museovirtual.org
• Pablo Picasso: Toros dibujados con luz
• clarin.com: Pablo Picasso: el artista que hizo del siglo XX una obra propia
• Hª-del-arte-erotico.com: El desnudo en la obra de Picasso
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