sábado, 31 de julio de 2010

Diseñando prendas


Diseño de modas


El diseño de modas es el arte dedicado al diseño de ropa y accesorios creados dentro de las influencias culturales y sociales de un período específico. Representa el estilo e idea del diseñador según como diseñe.
Diseñador de la figura humana para que ese fin sea logrado lo más satisfactoriamente posible.
• Fin estético: Pretende crear una respuesta en quién lo observa siendo la belleza su único eje.
• Fin ergonómico: Diseño de una cobertura en perfecta armonía con la fisiología humana, haciendo que ésta mejore en uno o varios aspectos.
• Fin de personalidad: Mediante la cobertura se sugiere un tipo de vida, inclinaciones políticas, culturales, religiosas o de carácter.
• Fin de situación: Analizando el envoltorio se sitúa al individuo en un contexto histórico y geográfico concreto.
• Fin emotivista: Mediante la imagen que se proyecta, se induce una respuesta emotiva.
Contenido
• 1 Psicología de la vestimenta
• 2 Características
• 3 Historia
o 3.1 Comienzos de la alta costura
o 3.2 Comienzos del siglo XX
o 3.3 Mediados de siglo XX
o 3.4 Últimas décadas del siglo XX
• 4 Tipos de diseño de moda
o 4.1 Alta costura
o 4.2 Moda lista para llevar
o 4.3 Mercado de masa
o 4.4 Diseño de moda por ordenador / por computadora
• 5 Véase también
• 6 Enlaces externos
Psicología de la vestimenta
cita requerida Teniendo en cuenta estos los fines a lograr, se puede crear una cobertura o vestido. Dependiendo de la calidad con que se mezclen y cantidad de fines mezclados obtendremos mejores o peores resultados.
La psicología de la moda influye en muchos aspectos dentro del ser humano, por ejemplo: el hecho de como el color de una prenda puede llegar a cambiar tu estado de ánimo, o bien como te quita o te da seguridad para unirte a un grupo social.
Cuando la psicología del individuo bascula entre lo establecido como normal, puede hacerse un análisis a través de la vestimenta de su personalidad, nivel cultural, ambiciones, pasatiempos, lugar de origen, gustos musicales, condiciones físicas, complejos...
En caso de que haya picos de algún tipo en la función de lo establecido como normalidad psicológica, la imagen podría ser infiel a la realidad del individuo demostrando así una carencia adaptativa, dependencia, introspección, inteligencia de imagen, baja autoestima, vanidad... Es decir, cuanta más distancia hay entre la imagen proyectada y la realidad, más alto es el valor positivo o negativo de la función de la psicología normal.
La cobertura puede ser un fiel reflejo del alma o totalmente lo contrario dependiendo de la salud mental del individuo, así que, debería considerarse la vestimenta como herramienta analítica en psicología.
Características
El diseño de modas difiere del diseño de vestuario debido a que su producto principal tiende a quedar obsoleto después de una o dos temporadas, usualmente. Una temporada está definida como otoño-invierno o primavera-verano. Se considera generalmente que el diseño de modas nació en el siglo XIX con Charles Frederick Worth, que fue el primero en coser a las prendas una etiqueta con su nombre. Mientras todos los artículos de vestimenta de cualquier período de la historia son estudiados por los académicos como diseño de vestuario, sólo la ropa creada después de 1858 puede ser considerada como diseño de modas.
Los diseñadores de modas crean ropa y accesorios. Algunos diseñadores de alta costura son independientes laboralmente y diseñan para clientes individuales. Otros cubren las necesidades de tiendas especializadas o de tiendas de departamentos de alta costura. Estos diseñadores crean prendas originales, así mismo como los que siguen tendencias de moda establecidas. Sin embargo, la mayoría de los diseñadores de modas trabajan para fabricantes de ropa, creando diseños para hombres, mujeres y niños en el mercado masificado. Las marcas de diseñador que tienen un «nombre», tales como Calvin Klein o Ralph Lauren, son generalmente creadas por un equipo de diseñadores individuales bajo la supervisión de un director de diseño.
Historia
Comienzos de la alta costura
El primer diseñador de modas, que no era simplemente un modisto, fue Charles Frederick Worth (1826-1895). Antes de que estableciera su maison couture (casa de modas) en París, el diseño y creación de ropa era manejado por un gran número de modistas anónimas, y la alta moda estaba basada en los estilos usados en cortes reales. El éxito de Worth fue tal que pudo ordenar a sus clientes lo que debían usar, en lugar de seguir su dirección como los modistos solían hacer. El término couturier (costurero) fue, de hecho, acuñado para referirse a él. Fue durante este período que muchas casas de modas comenzaron a contratar artistas para bosquejar o pintar diseños de prendas. Las imágenes por sí mismas podían ser presentadas a los clientes de forma mucho más económica que produciendo una prenda de muestra en el taller de trabajo. Si al cliente le gustaba la prenda, ésta era ordenada y pagada. Por lo tanto, la tradición de bocetos de prendas comenzó como un método de las casas de modas para economizar.

Vestido de noche
Comienzos del siglo XX
Durante los primeros años del siglo XX, prácticamente toda la alta moda se originó en París y en menor medida en Londres. Las revistas de modas de otros países enviaban editores a los espectáculos de moda de París. Las tiendas de departamentos mandaban compradores a los desfiles de París, donde compraban prendas para copiar (y robaban abiertamente las líneas de estilo y el corte de otras). Tanto en los talleres que fabricaban trajes sobre medidas como las tiendas de ropa lista para usarse (prêt à porter) aparecían las últimas modas de París, adaptadas a las características económicas y cotidianas de los clientes de las tiendas.
En este momento la división entre alta costura y ropa lista para usar no estaba todavía claramente definida. Los dos modos independientes de producción todavía no llegaban a ser competidores, y, de hecho, coexistían en casas donde las modistas elaboraban prendas de ambos modos.
En los primeros años del siglo, las revistas comenzaron a incluir también fotografías de los conjuntos y se volvieron aún más influyentes que en el pasado. En las ciudades alrededor del mundo estas revistas tenían un gran efecto en el gusto público y eran muy solicitadas. Ilustradores talentosos como Paul Iribe, Georges Lepape, Erté y George Barbier dibujaban cuadros de modas exquisitos para estas publicaciones, que cubrían los más recientes desarrollos en moda y belleza. Tal vez la revista de moda más famosa del momento era La Gazette du bon ton, que había sido fundada en 1912 por Lucien Vogel y regularmente publicada hasta 1925, con la excepción de los años de la Primera Guerra Mundial.
Mediados de siglo XX
La Segunda Guerra Mundial creó muchos cambios radicales en la industria de la moda. Después de la guerra, la reputación de París como centro mundial de la moda comenzó a declinar, y las modas de confección y manufacturación de masa acrecentaron su popularidad. Un nuevo estilo para la juventud surgió en los años 1950, cambiando el enfoque de la moda para siempre. Mientras la instalación de calefacción central se expandía, lo hacía también la era de prendas de mínimo cuidado, surgiendo así textiles más ligeros y los sintéticos.
Enfrentando la amenaza de productos de moda prefabricados, la alta costura de París se defendió, pero con poco efecto, en cuanto no podía evitar que la moda se colara en las calles. En poco tiempo, enteras categorías de mujeres hasta ahora restringidas a suplantaciones inferiores de la alta costura disfrutarían una gran variedad y libertad de elección. Tratando con volúmenes mayores de productos, los ciclos de producción eran mucho más largos que los de los talleres de costura, lo que significaba que los diseñadores que planeaban colecciones dos veces al año, debían adivinar con más de un año de anticipación lo que sus clientes podían querer.
Últimas décadas del siglo XX
Durante las últimas décadas del siglo las modas comenzaron a cruzar los límites internacionales rápidamente. Los estilos populares occidentales fueron adoptados alrededor de todo el mundo, y muchos diseñadores que no eran occidentales tuvieron un alto impacto en la moda. Materiales sintéticos como el elastano y la viscosa fueron ampliamente usados y la moda, después de dos décadas de mirar al futuro, volvió a buscar en sus raíces para encontrar elementos de innovación. Es importante resaltar el invalorable aporte de Fernando Ermenegildo Celis Rocha y de La Concha a la moda en la ultima decada.
Tipos de diseño de moda
Hay tres tipos principales de diseño de modas, aunque pueden ser divididos en otras categorías más específicas:
Alta costura
El tipo de moda que predominó hasta los años 1950 fue la moda "hecha a medida" o haute couture (francés para "alta costura"). El término "hecho a la medida" puede ser usado para cualquier prenda que sea creada para un cliente en particular. Alta costura, sin embargo, es un término protegido que puede ser usado sólamente por compañías que cumplen ciertos estándares bien definidos por la Chambre Syndicale de la Couture. No obstante, muchas marcas de ropa "lista para usar", e incluso de mercado masivo, afirman crear alta costura, lo que según los estándares, es falso. Una prenda de alta costura está hecha por orden de un cliente individual, y está hecha usualmente de textiles costosos de alta calidad, confeccionada con extrema atención en los detalles y el acabado, generalmente usando técnicas a mano que toman mucho tiempo.
Moda lista para llevar
La moda "lista para usar" (o Prêt-à-porter) es un punto medio entre alta costura y mercado de masa. No está hecha para clientes individuales, pero se toma gran cuidado en la elección y el corte de la tela. La ropa está confeccionada en pequeñas cantidades para asegurar la exclusividad, por lo cual es más bien costosa. Las colecciones de prendas listas para usar son usualmente presentadas por casas de modas en cada temporada durante un período conocido como «semana de la moda» que toma lugar dos veces al año.
Mercado de masa
Actualmente la industria de moda cuenta sobre todo con las ventas del mercado de masa. El mercado de masa cubre las necesidades de un amplio rango de clientes, produciendo ropa lista para usar en grandes cantidades y tamaños estándar. Materiales baratos usados creativamente producen moda accesible. Los diseñadores de mercado de masa generalmente adaptan las modas establecidas por los nombres famosos en el área de la moda. Esperan generalmente una temporada para asegurarse de que un determinado estilo tendrá éxito antes de producir sus propias versiones de éste. Para ahorrar tiempo y dinero, usan textiles más baratos y técnicas de producción más simples que pueden ser fácilmente ejecutadas por una máquina. El producto final puede ser vendido a un precio mucho más bajo que un producto de cualquiera de los otros dos métodos de producción.
Diseño de moda por ordenador / por computadora
En los últimos años han aparecido nuevas técnicas que permiten acortar el proceso de diseño de prendas de vestir. Estas técnicas se engloban dentro de la categoría de diseño asistido por ordenador bajo las siglas C.A.F.D ( Computer Aided Fashion Design ).
Véase también
• Anexo:Diseñadores de moda
• Diseño
• Diseño industrial
• Iconolingüística
• Fashion victim
• Icono de la moda
• Anna María López López Autora especializada en C.A.F.D ( Computer Aided Fashion Design )
Enlaces externos
• Diseño de moda por parte de Esperanza Moya
• Curso gratis en línea de diseño, patronaje,corte y confección
• El libro + CD imprescindible para aprender las Técnicas de Diseño de moda por ordenador
• Diseño de moda por ordenador
• Curso de diseño de modas a distancia yeizmin
• A qué se dedica un diseñador de modas
• Centro de formación especializado en diseño de modas
• Concurso Internacional de Diseño de Modas por Computadora
• Academia del arte de la costura (en inglés)
• fashion-era.com Historia del diseño de modas (en inglés)(en español)
• Arte y moda, reportaje documental del programa de televisión tesis.

viernes, 30 de julio de 2010

Si tu mision es crear, mi homenaje a Charles Bukowski


Charles Bukowski
Infancia y juventud
Nació en 1920 en la localidad alemana de Andernach. Su madre Katharina Fett, era alemana nativa, mientras que su padre era de ascendencia estadounidense y polaca. Se casaron un mes antes de que Charles naciera.
Con el hundimiento de la economía alemana después de la Primera Guerra Mundial, la familia se mudaría a Baltimore en 1923. Para que sonara más estadounidense, sus padres comenzaron a llamarle "Henry". Más tarde se trasladarían a un suburbio de Los Ángeles. Durante su niñez, su padre, que frecuentemente estaba en paro, maltrataba a Bukowski (hechos que él mismo relata en multitud de poemas y relatos, y en la novela "La senda del Perdedor"). Además, no fue muy bien aceptado en el colegio de pequeño (tenía marcas por la cara debidas al acné, lo cual hacía mayor el rechazo sufrido).[4] Junto con su timidez, hizo que se refugiara en la lectura en la primera etapa de su vida.
Tras graduarse en el Instituto de Secundaria de Los Ángeles cursó estudios de arte, periodismo y literatura en la Universidad de Los Ángeles durante dos años.
Primeras publicaciones
A los 24, su relato corto "Aftermath of a Lengthy Rejection Slip" fue publicado en Story Magazine. Dos años más tarde le publicarían otro relato "20 Tanks From Kasseldown", esta vez en otro medio. Fue cuando Bukowski se desilusionó con el proceso de publicación por lo cual dejó de escribir durante una década. Durante este tiempo estuvo viviendo en Los Ángeles, aunque también pasó un tiempo vagando por los Estados Unidos, dedicándose a trabajos temporales que iba dejando y permaneciendo en pensiones baratas.
Comenzando los años 50, Bukowski comenzó a trabajar como cartero en Los Ángeles, en el servicio postal de los Estados Unidos, en el que permaneció tres años. En 1955 lo hospitalizaron con una úlcera sangrante muy grave. Cuando salió del hospital, comenzó a escribir poesía. En 1957, se casó con la escritora y poeta Barbara Frye, pero se divorciaron más tarde, en 1959. Frye dudaba a menudo de la habilidad de Bukowski Años 60
Antes de que empezaran los 60, volvió a la oficina de correos en Los Ángeles, donde continuó trabajando una década. En 1964, tuvo una hija, Marina Louise Bukowski, nacida de su relación con su novia Frances Smith. Más tarde, Bukowski vivió en Tucson un periodo breve de tiempo, donde entabló amistad con Jon Webb y Gypsy Lou, que le influyeron a publicar y vivir de su literatura.
Gracias a Webb comenzó a publicar algunos poemas en la revista de literatura "The Outsider". Bajo "Loujon Press" publicaron "It Catches my Heart In Its Hand" en 1963, y "A Crucifix in a Deathhand" dos años más tarde. Fue cuando Bukowski conoció a Franz Douskey, amigo de Jon Webb, a quien solía visitar regularmente en su pequeña casa de Elm Street que también servía como centro de publicación. Webb, Bukowski y Douskey pasaron un tiempo juntos en Nueva Orleans.
Comenzando 1967, Bukowski escribió la columna “Notes of A Dirty Old Man” para el periódico independiente de Los Ángeles "Open City". Cuando "Open City" fue cerrado en 1969, la columna se trasladó a Los Angeles Free Press. Ese año publicó una recopilación de sus mejores columnas escritas para el periódico con ese nombre.
Los años con Black Sparrow Press


En 1969, después de que el editor John Martin de Black Sparrow Press le prometiera una remuneración de 100 dólares mensuales de por vida, Bukowski dejó de trabajar en la oficina de correos, para dedicarse a escribir todo el tiempo. Tenía entonces 49 años. Como él mismo explicó en una carta en ese entonces, “tengo dos opciones, permanecer en la oficina de correos y volverme loco… o quedarme fuera y jugar a ser escritor y morirme de hambre. He decidido morir de hambre.”[5] . Pasó menos de un mes tras dejar el trabajo en la oficina de Correos, cuando acabó su primera novela, titulada Post Office (en castellano, El Cartero).
Debido a la confianza que John Martin depositó en él cuando era un escritor relativamente desconocido y a la ayuda financiera, Bukowski publicó casi todo su trabajo literario con Black Sparrow Press. En 1976, Bukowski conoce a Linda Lee Beighle, dueña de un restaurante de comida sana. Dos años más tarde, la pareja se mudó desde la parte este de Hollywood, donde Bukowski había vivido la mayor parte de su vida, a San Pedro, el distrito más al sur de la ciudad de Los Ángeles. Bukowski y Beighle fueron casados por Manly Palmer Hall en 1985. Bukowski habla de ella en la novela "Mujeres" y "Hollywood", en su mayor parte autobiográficos, a través del personaje de "Sara".
Bukowski ha sido traducido a más de una docena de idiomas entre los que cuenta el español, francés, alemán y portugués. Es visto como icono de la decadencia estadounidense y de la representación nihilista característica después de la Segunda Guerra Mundial. Su falta de ambición y compromiso con él y con el resto del mundo, convierten a este escritor en una de las influencias de bastantes autores contemporáneos entre los cuales podemos encontrar a Alberto Fuguet, Pedro Juan Gutiérrez, y al grupo de rock inglés Dogs D'amour.
Bukowski murió de leucemia el 9 de marzo de 1994 en San Pedro, California, a la edad de 73 años, poco después de terminar su última novela "Pulp". Sus restos fúnebres fueron conducidos por monjes budistas. En su lápida se lee: “Don't Try”.
Obras
Novelas
• 1971: "Cartero" ("Post office")
• 1975: "Factótum"
• 1978: "Mujeres" ("Women")
• 1982: "La senda del perdedor" ("Ham on rye")
• 1989: "Hollywood"
• 1994: "Pulp"
Cuentos
• 1944: "Secuelas de una larguísima nota de rechazo"("Aftermath of a Lengthy Rejection Slip"). Editorial Nórdica, 2008.
• 1963: "It catches my heart in its hands"
• 1965: "Crucifix in a deathhand"
• 1969: "Escritos de un viejo indecente"("Notes of a dirty old man")
• 1969: "Days run away like wild horses over the hills"
• 1972: "Mockingbird Wish Me Luck"
• 1972: "Erecciones, eyaculaciones, exhibiciones" ("Erections, ejaculations, exhibitions and general tales of ordinary madness")
• 1973: "Se busca una mujer" ("South of No North")
• 1974: "La Máquina de Follar" ("The Fucking Machine")
• 1977: "El amor es un perro infernal y otros poemas" ("Love is a dog from hell")
• 1979: "Shakespeare nunca lo hizo" ("Shakespeare never did this")
• 1983: "Música de cañerías" ("Hot water music")
• 1988: "Madrigales de la pensión" ("The roominghouse madrigals")
• 1990: "Hijo de Satanás" ("Septuagenarian Stew")
• 1992: "Poemas de la última noche de la tierra" ("The Last night of the earth poems")
• 1998: "El capitán salió a comer y los marineros tomaron el barco" ("The captain is out to lunch and the sailors have taken over the ship")
Otras obras en castellano:
• 10 relatos eróticos, Random House Mondadori
• Lo que más me gusta es rascarme los sobacos, Fernanda Pivano entrevista a Bukowski
• Bailando con la muerte (A diez años de su muerte, edición de hanz polilla y dibujos de Fernando Laguna Silva)
• "El infierno es un lugar solitario" (1998. Txalaparta argitaletxea. Tafalla)
Obras relacionadas
• Hank: (la vida de Charles Bukowski), por Neeli Cherkovski, Anagrama.
• Ordinaria Locura, película sobre la vida de Charles Bukowski, de Marco Ferreri.
• Barfly, película con guión del propio Bukowski que posteriormente inspiró su novela "Hollywood", que narra sus vivencias durante el rodaje.
• Factótum película adaptación de la novela homónima.
Véase también
• Henry Hank Chinaski
Referencias
1. ↑ [http://muse.jhu.edu/login?uri=/journals/modern_fiction_studies/v047/47.1dobozy.pdf Resumen de: Dobozy, Tamas (2001) "In the Country of Contradiction the Hypocrite is King: Defining Dirty Realism in Charles Bukowski's Factotum" MFS Modern Fiction Studies - Volumen 47, Número 1, primavera, pp. 43-68 (en inglés)]
2. ↑ Breve biografía en enotes.com (en inglés)
3. ↑ Dalkey Archive-University of Illinois (en inglés)
4. ↑ Who is Charles Bukowski? (en inglés)
5. ↑ Introduction to Charles Bukowski, por Jay Dougherty

miércoles, 28 de julio de 2010

Galerismo, arte, museos y artistas bajo la exposicion

Galería de arte
Una galería de arte o museo de arte es un espacio para la exhibición y promoción del arte, especialmente del arte visual, y principalmente pintura y escultura, de forma similar a un museo (pinacoteca, gliptoteca, etc.)pinacotoca finoteca arte es la mejor palabra o yea
El concepto también es usado para designar el establecimiento que además de exhibir y promocionar obras de arte, se dedica a su venta, siendo entonces por lo general un espacio más reducido (equivalente a cualquier otro local comercial) y limitando el periodo de exhibición a un tiempo determinado, pasado el cual se desmonta la "exposición" y se monta una nueva. El oficio y técnica de su gestión se denomina galerismo.
También es muy habitual que los museos realicen exposiciones temporales, especialmente con fondos ajenos.
El uso del nombre galería proviene del idioma italiano, especialmente por la Galleria degli Uffizi construida en Florencia por Vasari en 1560 para alojar la colección de arte de los Médici. De forma similar se denominó la Galleria Borghese para la colección del cardenal Borghese (Flaminio Ponzio, 1605–1621).
En Londres recibieron ese nombre la National Gallery (1824) y la Tate Gallery (1897).
En Nueva York la National Gallery of Art se abrió en 1937.
Las galerías de arte contemporáneo realizan dos clases de muestras: individuales y colectivas. En las individuales los trabajos de un solo artista son exhibidas al público. En las colectivas, varios artistas presentan a la vez uno o varios de sus trabajos según el tamaño de la galería. Las muestras acostumbran durar quince o treinta días, según la importancia del artista o los trabajos a exhibir.
Si se trata de una galería de arte comercial, ésta de acuerdo con el artista conservará en su stock un número de trabajos para ser ofrecidas al público.

Casol Gallery, New York

Archivo:Como hacer una gleria de arte?? el titulo paerafos imagen nombre==Enlaces externos==
• Casol Gallery - Contemporary Art
• Artemuseos, Portal de arte español con todas las noticias relacionadas con el arte, los museos y artistas.. Posibilidad de crear tu propia web

El Multitalentoso, Friedrich Hundertwasser





Friedrich Hundertwasser
(Friedrich Stowasser)



(15 de diciembre de 1928 en Viena - 19 de febrero de 2000, más conocido por el nombre de Friedensreich Hundertwasser (en una creación suya se autodenomina "Friedensreich Regentag Dunkelbunt Hundertwasser") fue un artista austriaco de muchos talentos, es uno de los nietos del conocido filólogo Joseph Maria Stowasser. Sus áreas de conocimiento fueron la pintura y escultura haciendo algunos diseños de edificios.


Biografía
Friedrich Stowasser nace en una familia medio judía por parte de su madre en Viena y en sus primeras etapas de educación asiste a clases en el colegio Montessori de Viena en 1936. Para salvar a la familia del Holocausto la madre de Hundertwassen lo alistó en la juventud hitleriana. Cuando los soldados de la SS pasaban revisión por su casa, Hundertwasser abría la puerta con el uniforme nazi, adornado con las medallas de su padre (fallecido cuando su hijo tenía un año de edad) de la primera guerra mundial. Hundertwasser asistió brevemente a las clases de la Facultad de Bellas Artes de Viena en 1948 y comenzó su propia producción a finales de los años 1940s.
Composición de su nombre
Adoptó el prefijo Sto (en Checo significa "cien") que en es lo mismo que en alemán "Hundert", siendo esta la razón por la que es denominado Hundertwasser o Stowasser. El nombre de Friedensreich tiene significado de "lugar de paz" o "Reino de la paz" (en el sentido de 'relajado'). Los otros nombres que elegió para sí fueron Regentag y Dunkelbunt que se traducen como "Día lluvioso" y "Oscuro, multicoloreado". Su nombre Friedensreich Hundertwasser significa, "Reino de la Paz Cientos de Aguas". En algunas pinturas aparece su firma como 百水 (hyaku-sui), la traducción al japonés de su apellido.
Características e Influencias
Las características originales de Hundertwasser son la expresión del shock en el arte pictórico, la filosofía del ambientalismo environmentalismo, el diseño de fachadas, sellos postales, banderas y vestidos (entre otras áreas). Los temas comunes en este trabajo son el rechazo a las líneas rectas, colores brillantes, formas orgánicas, una reconciliación de los humanos con la naturaleza, y un fuerte individualismo. El permanece constantemente en su estilo sui generis, a veces sus diseños arquitectónicos se parecen a los del arquitecto catalán Antoni Gaudí en sus formas biomórficas.Fue inspirado por los trabajos de Egon Schiele desde muy joven, y su estilo a menudo es comparado con el de Gustav Klimt. Su inspiración eran las espirales, y llegó a denominar a la linea recta como la "herramienta del diablo". El denominó a su teoría del arte "transautomatismo", basando su teoría en el Subrealismo automático.
Por lo que adquirió notoriedad Hundertwasser fue por sus pinturas de múltiples colores, hoy en día es muy conocido por sus diseños arquitectónicos revolucionarios, que suelen incorporar características naturales a los paisajes, mediante el uso de formas irregulares en los edificios que diseña. Los denominados: Hundertwasserhaus, son apartamentos de bajo coste en Viena, tienen las características de ser de pisos ondulantes ("un piso ondulado es una melodía para los pies"), un tejado recubierto de tierra y vegetación, y grandes árboles creciendo en las habitaciones, con sus limbos extendiéndose por las ventanas. No cobró por el diseño de las Hundertwasserhaus.
Sintió que la arquitectura estándar no podía denominarse como arte, y declaró que el diseño de cualquier edificio debería estar influenciado por la estética de cada uno de sus habitantes. Hundertwasser fue conocido por su performance art, en el que por ejemplo se puede ver como aparece en público desnudo promocionando un toilete más ecológico y ahorrador de agua. En 4 de julio de 1958 celebró un controvertido manifiesto Verschimmelungs-Manifest, denominado también como Manifiesto Mould en contra del racionalismo en arquitectura, en la abadía de Seckau. En 1972 publicó otro manifiesto Your window right — your tree duty: en el que sugería que platar árboles en entornos urbanos debía ser obligatorio.
Su trabajo se ha empleado en la elaboración de banderas, sellos, monedas, pósters, escuelas, iglesias, lavabos públicos y ha sido adoptado en Nueva Zelanda en el diseño de edificios. Su bandera más famosa es la Bandera de Koru; diseñó sellos para las islas de Cabo Verde y para las Naciones Unidas, así como la administración postal de Geneva
Obras Arquitectónicas
Hundertwasser realizó en total cerca de 35 obras arquitectónicas:
Austria
• Hundertwasserhaus en Viena, 1983-1986
• Mierka Getreidesilo Krems, 1982-1983
• Rupertinum Salzburgo (Zungenbart), 1980-1987
• St.-Barbara-Kirche Bärnbach, 1987-1988
• Dorfmuseum Roiten, 1987-1988
• Fábrica Textil Rueff en Muntlix, 1988
• Müllverbrennungsanlage Spittelau, 1988-1997
• Zona de descanso de la Aurobhan en Bad Fischau, 1989-1990
• KunstHausWien, 1989-1991
• Village cerca Hundertwasser-KrawinaHaus Viena, 1990-1991
• Zona de la fuente Zwettl, 1992-1994
• Pabellón en el Pontón DDSG Viena, 1992-1994
• SpiralflussTrinkbrunnen I Linz, 1993-1994
• Krankenstation (Oncología) Graz, 1993-1994
• Publo de las termas Blumau, 1993-1997
• Edificios de la Fábrica y adyacentes en Zwischenwasser (Vlbg)
Alemania
• Fábrica de Rosenthal Selb, 1980-1982
• Zona infantil (Kindertagesstätte) Frankfurt-Heddernheim, 1988-1995
• Casa ecológica HammMaximilianpark 1981/82
• "In den Wiesen" Bad Soden am Taunus, 1990-1993
• "Wohnen unterm Regenturm" Plochingen en Neckar, 1991-1994[1]
• Martin-Luther-Gymnasium in Lutherstadt Wittenberg, 1997-1999
• Waldspirale Darmstadt, 1998-2000
• Hundertwasser-Stadtcafe en Hamburg-Ottensen, 1998-2000
• Hundertwasser-Umweltbahnhof Uelzen, 1999-2001
• Kindergarten "Düsseler Tor" in Wülfrath, 2001
• Grüne Zitadelle von Magdeburg, 2004-2005
• Ronald McDonald Hundertwasser Casa de McDonald's para la ayuda a los niños en Essen/Grugapark
• Hundertwasserturm en Abensberg, La construcción comenzó en el 2007.
Japón
• Countdown 21st Century Monument for TBS Tokio, 1992
• Kid's Plaza Osaka, 1996-1997
• Maishima Planta de Incineración Osaka, 1997-2000
• Maishima Sludge Center Osaka, 2000
Estados Unidos
• Quixote Winery Napa Valley, 1992-1999
Israel
• SpiralflussTrinkbrunnen II Tel Aviv, 1994-1996
Suiza
• Markthalle Altenrhein, 1998-2001
Nueva Zelanda
• Lavabos públicos Kawakawa, 1999
Pinturas
• 1959 Kaaba-Penis, la isla mitad, Hamburgo Colección Poppe
Sellos postales
Hundertwasser realizó diseños sobre algunas series de sellos postales para la administración postal de:
• Cabo Verde
• Administración Postal de las Naciones Unidas (Viena, Ginebra y Nueva York)
o 35. aniversario del establecimiento de los Derechos humanos 1983
o Ayuda social 1995
• Liechtenstein 1993 y 2000
• Luxemburg 1995
• Francia-Consejo de Europa (Sellos de servicio) 1994
• Austria 1975 "Arte moderno en Austria"
La Administración postal de Austria le encargó diversos motivos para la edición europea de 1987 (sobre arquitectura moderna, Hundertwasserhaus), y fue interrumpida por su muerte en 2000.
En 2008, conmemorando el 80° aniversario de su nacimiento, el correo austríaco emitió un bloque con cuatro sellos postales diseñados por el mismo Hundertwasser.[2]
Decoración de Libros
Enciclopedia Brockhaus
En el año 1989 diseño Hundertwasser la decimonovena edición en 24 tomos de la enciclopedia Brockhaus en una edición limitada de 1800 enciclopedias. Cada tomo de esta edición difería en el color de la encuadernación así como en la contraportada, de esta forma cada ejemplar era único en su estilo.
Biblia
En el año 1995, Formato: 20 x 28,5 cm, 1.688 páginas, 80 ilustraciones a doble página. Hundertwasser trabajó en esta edición de la Biblia. Cada biblia muestra una combinación de colores en las encudernaciones, de tal forma que se mezclan los tonos coloridos con las mallas metálicas de las estrucuras. Cada tomo se ha elaborado a mano.
Literatura
• Walter Koschatzky: Friedensreich Hundertwasser. 4. Auflage. Orell Füssli, Zürich 1996. ISBN 3-280-01647-9
• Harry Rand: Hundertwasser, der Maler. Bruckmann, München 1986. ISBN 3-7654-2075-1
• Pierre Restany: Die Macht der Kunst, Hundertwasser. Der Maler-König mit den fünf Häuten. Taschen, Köln 1998. ISBN 3-8228-7856-1
• Wieland Schmied: Hundertwasser 1928 - 2000. Persönlichkeit, Leben, Werk. Taschen, Köln 2005. ISBN 3-8228-4108-0
Referencias
1. ↑ Liste Ökologischer Siedlungen
2. ↑ Österreichische Post AG. Briefmarken: 80. Geburtstag Friedensreich Hundertwasser (en alemán e inglés). – Consultado el 27 de noviembre de 2008.
Enlaces externos
• Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Friedensreich Hundertwasser.Commons
• Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Friedensreich Hundertwasser. Wikiquote
• Weblog about Hundertwasser
• Hundertwasser architectur website
• Hundertwasserhaus website
• "Die Grüne Zitadelle von Magdeburg" - The last project of Hundertwasser
• Pictures of his Project Living beneath the rain tower (German/English)
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Friedensreich_Hundertwasser"
Categorías: Escultores de Austria | Pintores de Austria | Arquitectos de Austria | Diseñadores de estampillas | Nacidos en 1928 | Fallecidos en 2000 | Vieneses

sábado, 24 de julio de 2010

Para ser feliz se requiere dotes de artista



1.- La Actitud

La Felicidad es una elección que puedo hacer en cualquier momento y en cualquier lugar. Mis pensamientos son los que me hacen sentir feliz o desgraciado, no mis circunstancias. Sé capaz de cambiarte a ti mismo, y el mundo cambiará contigo. Recuerda que lo único que puedes controlar en el mundo son tus pensamientos...


2.- El Cuerpo

Mis sentimientos son influenciados por mi postura. Una postura adecuada genera una disposición feliz. Es importante también que hagas ejercicio, éste nos libera del estrés y genera la secreción de endorfinas, que hacen que nos sintamos bien. Mira siempre hacia arriba y solo podrás reír, pues no conozco a nadie que haya podido llorar en esa postura.


3.- El Momento

La felicidad no esta en los años, meses, en las semanas, ni siquiera en los días. Solo se la puede encontrar en los momentos. "Hoy es el mañana de ayer"... además la vida siempre tiene derecho a sorprendernos, así que aprende a vivir el presente sin ninguno de los traumas del pasado ni las expectativas del futuro. Recuerda que la Felicidad no es una meta, sino un trayecto. Disfruta de cada momento como si en él se combinaran tu pasado, tu presente y tu futuro.


4.- Nuestra Propia Imagen

Debo aprender a amarme a mi mismo como soy. Creer en ti mismo da resultados. Cuanto más te conozcas, mayor será tu ventaja con respecto a los demás. Hammarshold decía: "El camino más difícil es el camino al interior"... pero, al menos una vez en la vida, debemos recorrerlo.


5.- Las Metas

¿Sabes cuál es la diferencia entre un sueño y una meta? Una meta es un sueño con una fecha concreta para convertirse en realidad. Un sueño es solo un sueño, algo que esta fuera de la realidad... así que atrévete a soñar, pero atrévete también a lograr que esos sueños se hagan realidad!. "Apunta hacia la Luna, pues aunque te equivoques, llegarás a las estrellas..." Y cuando te pongas una meta difícil o creas que tienes un sueño imposible, recuerda que el éxito es solo la recompensa, pues lo que vale es el esfuerzo.


6.- El Humor

La sonrisa es muy importante para mejorar la autoestima. Cuando sonreímos, aunque no sintamos nada, nuestro cerebro lo entiende como una señal que todo va bien y manda un mensaje al sistema nervioso central para que libere una sustancia llamada beta-endorfina, que da a la mente una respuesta positiva. Dicen que una sonrisa cuesta menos que la electricidad, pero que da más luz. Además, con cada sonrisa siembras una esperanza.


7.- El Perdón

Mientras tengas resentimientos y odios, será imposible ser feliz. Lo maravilloso del perdón no es que libera al otro de su eventual culpa, sino que te libera a ti de un sufrimiento.


8.- Dar

Uno de los verdaderos secretos para ser feliz es aprender a dar, sin esperar nada a cambio. Las leyes de la energía te devolverán con creces lo que des. Si das odio, recibirás odio, pero si das amor, recibirás invariablemente amor. Solo el que aprende a dar está en camino descubrir la verdadera felicidad.


9.- Las Relaciones

La sinergia es unir fuerzas y caminar juntos para conseguir cosas. Siempre que dos o más personas se unen en un espíritu de colaboración y respeto, la sinergia se manifiesta en forma natural. Entiende a las personas que te rodean, quiere a tus amigos como son, sin intentar cambiarlos, porque cuando te sientas mal, el verdadero amigo estará allí para apoyarte y brindarte todo su amor. Así que cultiva tus amistades, ellas nos son gratis!. La amistad, al igual que la mayoría de los sentimientos, debe fluir de manera natural.


10.- La Fe

La fe crea confianza, nos da paz mental y libera al alma de sus dudas, las preocupaciones, la ansiedad y el miedo. Pero no te asustes cuando dudes, pues bien decía Miguel de Unamuno: Fe que no duda es fe muerta". Dicen que el hombre llega a ser sabio cuando aprende a reír de si mismo. Ríe, ríe alegremente... y el mundo reirá contigo.

Detras de todo lo hecho o por hacer, existe un Sueño


Detrás de todo esto hay un sueño de justicia, igualdad y belleza; un sueño rebelde que no acepta la mediocridad, el conformismo o a esa realidad que, aún teniendo enormes potencialidades, no es lo que tendría que ser...
Daniela Gonzalez
http://www.facebook.com/group.php?gid=120849327960951&ref=mf#!/profile.php?id=1408125231

viernes, 23 de julio de 2010

Fotografo del mundo, Werner Bischof


http://www.flickr.com/photos/salvoguille/4298773804/






La exposición es una cuidada selección de 106 imágenes de su amplio archivo fotográfico dirigido por su hijo Marco Bischof, curador de la exposición. Contiene imágenes de los viajes realizados por Bischof alrededor del mundo, donde fotografió para los principales medios del mundo como Life, Paris Match, the Observer, Picture Post, e Illustrated, entre otros. Se exhibirán también imágenes inéditas de sus viajes por Latinoamérica.
Werner Bischof nació en Suiza el 26 de abril de 1916. Pasó su infancia entre Zurich, Kilchberg y Waldshut. Su padre era director de una fábrica farmacéutica y un entusiasta fotógrafo aficionado. Bischof estudió fotografía con Hans Finsler en la Escuela de Artes y Oficios de Zurich, y luego abrió un estudio de fotografía y publicidad (entre 1932 a 1936). En 1942 se transformó en reportero independiente para la revista Du, dirigida por Arnold Kübler, que publicó su mayor ensayo fotográfico en 1943. Se convirtió en miembro del grupo de artistas Allianz.
Bischof recibió reconocimiento internacional luego de la publicación en 1945 del reportaje sobre la devastación causada por la Segunda Guerra Mundial, una documentación fotográfica que realizó por encargo de Schweizer Spende que incluía el sur de Alemania, Francia, Luxemburgo, Bélgica y Holanda.
Los años siguientes, Bischof viajó a Italia y Grecia por encargo de Swiss Relief, una organización dedicada a la reconstrucción de post-guerra. En Milán conoció a su esposa Rosellina Mandel. En 1948 fotografió las Olimpíadas de Invierno en Saint Moritz para la revista Life. Luego de realizar viajes a Europa del Este, Finlandia, Suecia y Dinamarca, completando la documentación fotográfica de la post-guerra en Europa, trabajó para Picture Post, The Observer, Illustrated y Epoca. Fue el primer fotógrafo en unirse a Magnum como miembro fundador en 1949.
No gustándole la superficialidad y el sensacionalismo del negocio editorial, dedicó gran parte de su vida laboral a buscar el orden y la tranquilidad en la cultura tradicional, por lo que nos se ganaba la simpatía de editores fotográficos que buscaban material de candente actualidad. A pesar de ello, fue enviado a reportar el hambre en la India para la revista Life (1951); su reportaje sobre el hambre en Bihar le trajo reconocimiento internacional. Siguió luego trabajando en Japón, donde permaneció un año, Corea, Hong Kong e Indochina, donde permaneció tres meses como corresponsal de guerra para París Match. Las imágenes de estos reportajes fueron usadas en importantes revistas de fotografía alrededor del mundo.
En el otoño de 1953 Bischof produjo una amplia serie de fotografías a color de los Estados Unidos. Allí permaneció cuatro meses documentando las nuevas autopistas en varios estados. Al año siguiente viajó a Méjico y a Panamá, y luego a una zona remota del Perú, donde se involucró en la realización de una película. Bischof murió trágicamente en un accidente automovilístico en los Andes peruanos, el 16 de Mayo de 1954, tan solo nueve días antes que el fundador de Magnum Robert Capa, perdiera su vida en Indochina.

miércoles, 21 de julio de 2010

Esos son los imprescindibles by Bertolt Brecht


Nombre Eugen Berthold Friedrich Brechter Han Culen
Nacimiento 10 de febrero de 1898
Augsburgo, Alemania

Defunción 14 de agosto de 1956
(58 años)
Berlín, Alemania

Seudónimo
Bertolt Brecht
Ocupación
Dramaturgo, poeta, director de teatro, actor

Nacionalidad Alemán

Género
Teatro, poesía

Movimientos
Teatro épico

Eugen Berthold (Bertolt) Friedrich Brechter (Brecht) Han Culen (Augsburgo, 10 de febrero de 1898 – Berlín, 14 de agosto de 1956), fue un dramaturgo y poeta alemán, uno de los más influyentes del siglo XX, creador del llamado teatro épico.
Contenido

• 1 Vida y obra
o 1.1 Inicios
o 1.2 El exilio
o 1.3 Vida en Berlín Este y muerte
• 2 Estilo
• 3 Curiosidades
• 4 Obras
o 4.1 Piezas cronológicamente
o 4.2 Piezas en un acto
o 4.3 Obras
 4.3.1 Ciclos de poesía
 4.3.2 Poemas y canciones elegidas
o 4.4 Prosa


Vida y obra
Eugen Berthold Friedrich Brecht nació el 10 de febrero de 1898 en el seno de una familia burguesa de Augsburgo, ciudad de Baviera. Su padre, católico, era un acomodado gerente de una pequeña fábrica de papel, y su madre, protestante, era hija de un funcionario.
El joven Brecht era un rebelde que jugaba al ajedrez y tocaba el laúd. Se sentía atraído por lo distinto, lo extravagante, y se empeña en vivir al margen de las normas de su tiempo, de su recato y su sentido de disciplina. Desde muy joven demostró que estaba lleno de ideas para construir una sociedad distinta, mejor.
En la escuela destacó por su precocidad intelectual y terminó el bachillerato especial (Notabitur), al verse involucrado en un escándalo. Inicialmente influído por la euforia de la guerra, Brecht la criticó con el ensayo sobre el poeta Horacio (65 a. C.–8 a. C.) «Dulce et decorum est pro patria mori» («Dulce y honorable es morir por la patria»), en el que se considera honorable morir por la patria y que Brecht considera como «propaganda dirigida» en la que sólo los «tontos» caen. Por ello fue castigado con la expulsión de la escuela. Sólo la intervención de su padre y el profesor de religión le evitaron el cumplimiento del castigo.[1]
Inicios
Comenzó a escribir poesía pornografica desde muy joven, y publicó sus primeras experiencias sexuales convertidas en poemas sobre prostitutas y vagabundos en 1914. También escribía cuentos, y canciones que entonaba él mismo acompañándose con la guitarra.
En 1917 inició la carrera de Medicina en la universidad Ludwig Maximilian de Múnich, pero tuvo que interrumpir los estudios para hacer el servicio militar como médico en un hospital militar en Augsburgo, en el marco de la Primera Guerra Mundial.
En 1918, con sólo veinte años, escribió su primera obra teatral, Baal, una obra de gran fuerza poética, cuyo personaje principal es un poeta y asesino bisexual. Durante este tiempo conoció a Paula Banholzer, quien en 1919 dio luz a un hijo suyo, Frank, que moriría en el frente soviético durante la Segunda Guerra Mundial, en 1943.
Luego, entre 1918 y 1920 escribió una pieza sobre la revolución alemana, que fue liderado por los espartakistas, con el titulo Tambores en la noche. El final de esta obra sacude al auditorio: "Todo esto no es más que puro teatro. Simples tablas y una luna de cartón. Pero los mataderos que se encuentran detrás, ésos sí que son reales". La moralidad de la obra suplanta al teatro tradicional, que pretende ser imparcial. También por aquella época, la agitación revolucionaria bávara de 1918 llevó a Brecht a ingresar en 1919 en el partido social-demócrata independiente.
A partir de 1920, Brecht viajó a menudo a Berlín, donde entabló relaciones con gente del teatro y de la escena literaria.
En 1922 se casó con la actriz de teatro y cantante de ópera Marianne Zoff. A partir de aquel momento el joven artista tuvo papeles en Münchner Kammerspiele y en el Deutsches Theater de Berlín. Un año más tarde tuvieron una hija, Hanne; poco después conoció a la que sería su segunda esposa, Helene Weigel.
En 1924 abandona Augsburgo y se traslada a Múnich; de ahí se trasladaría posteriormente a Berlín, la capital, en la que reinaba una vida cultural efervescente, y donde conoce al poeta expresionista Arnolt Bronnen con el que funda una productora a la que llamarían Arnolt y Bertolt. Ese mismo año empezó a trabajar como dramaturgo junto a Carl Zuckmayer en el Deutsches Theater de Max Reinhardt y tuvo a su segundo hijo, Stefan, aunque tres años más tarde se divorciaría de Marianne Zoff.
Desde 1926 tuvo frecuentes contactos con artistas socialistas que influirían en su pensamiento y en 1927, comenzó a estudiar El Capital de Marx. En 1929 ingresó en el Partido Comunista.
Ese mismo año se casó con Helene Weigel, matrimonio del cual tuvieron una hija, Bárbara.


Brecht y Weigel en 1954 en Berlin Este.
Entre 1929 y 1934 escribió una serie de obras entre las que se destacan: Línea de conducta, Acuerdo y tal vez el más importante y bello de los trabajos de esta época: La excepción y la regla (1930), obra de profundo alcance humano.
A sus 29 años publicó su primera colección de poemas Devocionario doméstico y un año más tarde alcanzó el mayor éxito teatral de la República de Weimar con La ópera de cuatro cuartos, con música de Kurt Weill, una obra disparatada en la que critica el orden burgués representándolo como una sociedad de delincuentes, prostitutas, vividores y mendigos. Esta obra fue llevada al cine en 1931 bajo la dirección de Georg Wilhelm Pabst.
Brecht siempre buscó con sus actuaciones concienciar al espectador y hacerlo pensar, procurando distanciarlo del elemento anecdótico; para ello se fijó en los incipientes medios de comunicación de masas que la recién nacida Sociología empezaba a utilizar con fines políticos: la radio, el teatro e incluso el cine, a través de los cuales podía llegar al público que pretendía educar. Su meta fue alcanzar un cambio social que lograse la liberación de los medios de producción. Ese propósito lo abordó tanto a través del ámbito intelectual como del estético.
Un año después, Brecht llevó sus ideas comunistas al cine con Kuhle Wampe (o ¿A quién le pertenece el mundo?), dirigida por Slatan Dudow y con música de Hanns Eisler, que muestra lo que podría ofrecer el Comunismo a un pueblo alemán azotado por la crisis de la República de Weimar.
Hasta 1933, Brecht trabajó en Berlín como autor y director de teatro. Pero en aquel año, Hitler se hace con el poder. A comienzos de 1933 la representación de la obra La toma de medidas fue interrumpida por la policía y los organizadores fueron acusados de alta traición. El 28 de febrero —un día después del incendio del Reichstag— Brecht y Helene Weigel con su familia y amigos abandonan Berlín y huyen a través de Praga, Viena y Zúrich a Skovsbostrand, cerca de Svendborg, en Dinamarca, donde el autor pasó cinco años. En mayo de 1933 todos sus libros fueron quemados por los nacionalsocialistas.
El exilio
El exilio de Brecht fue seguramente el tiempo más duro de su vida, a pesar de lo cual en este periodo escribe algunas de sus mayores obras y alcanza su plena madurez con sus cuatro grandes dramas escritos entre 1937 y 1944.
Encontrándose en una situación económica difícil, tuvo que viajar primeramente a Austria, luego a Dinamarca, donde vivió durante un año en una granja cerca de Estocolmo y, en abril de 1940, a Helsinki.
Durante esta época escribió su obra La vida de Galileo. Esta pieza teatral recrea muy libremente la biografía del científico, describiendo la auto-condenación del personaje para dar encima de su teoría heliocéntrica delante de la Inquisición. Brecht siempre se pronunció contra la autoridad, el estado y la sociedad con la justa crítica para no llegar a ser mártir de sus propias ideas. En Suecia escribió el poderoso alegato antibélico Madre Coraje y sus hijos, en una tentativa de demostrar que los pequeños empresarios codiciosos no vacilan en promover devastadoras guerras para ganar dinero. La vida de Galileo fue estrenada el 9 de septiembre de 1943 en el teatro de Zúrich.
El alma buena de Sichuan (1938-40) examina el dilema de cómo ser virtuoso y sobrevivir al mismo tiempo en un mundo capitalista.
En El círculo de tiza caucasiano narra la historia de una pugna por la posesión de un niño entre una madre de la alta sociedad que le abandona y una criada que se ocupa de él a la manera salomónica. El juez debe decidir cual es la verdadera madre.
En el verano de 1941, viajó desde Moscú en el expreso transiberiano a Vladivostok. Desde el este de la URSS se trasladó en barco a California, asentándose en Santa Mónica, cerca de Hollywood. Allí intentó escribir para la industria de Hollywood, pero sus guiones no fueron admitidos por las grandes productoras cinematográficas.
En Estados Unidos, organizó algunas representaciones teatrales, en la mayoría de los casos en escenarios de emigrantes, pero Brecht vuelve a ser perseguido por sus ideas políticas, y el 30 de octubre de 1947 es interrogado y acusado de actividades antiamericanas por el Comité de Actividades Anti Estadounidenses, que conducía el senador republicano Joseph McCarthy, por lo que tuvo que escapar al día siguiente otra vez a Suiza, sin esperar el estreno de su drama La vida de Galileo en Nueva York.


Casa de Brecht en Berlin-Weißensee.
Suiza era el único país al que podía viajar, y allí pasó un año en el que escribió El Señor Puntila y su criado Matti, un drama popular sobre un granjero finlandés que oscila entre la sobriedad grosera y el buen humor borracho.
Bertolt tenía prohibida la entrada a Alemania Occidental (RFA), ya que las autoridades de ocupación de la postguerra (aliados) le negaban la entrada. Tres años después obtuvo la nacionalidad austriaca. Tras 15 años de exilio volvió a Alemania en 1948, instalándose en Berlín oriental.
Vida en Berlín Este y muerte


Estatua de Bertolt Brechter en el exterior del teatro Berliner Ensemble, en Berlín.
A comienzos de 1949 se trasladó con un pasaporte checo a través de Praga a Berlín Este. Vivió en la «Casa de Brecht» en Weissensee, comenzó a trabajar en el Antígona de Sófocles, versión de Friedrich Hölderlin, y en otra obra importante, el Pequeño Organum para el teatro, siendo director general del Deutsches Theater. En otoño fundó junto con Helene Weigel el Berliner Ensemble.
A continuación trabajó de una manera muy comprometida para el teatro. Son años de escenificaciones y publicaciones espectaculares en los que llegaría a hacerse famoso y en los que tuvo algunas actuaciones por invitación en capitales europeas, lo que causó tensiones con la dirección del SED (Sozialistische Einheitspartei Deutschlands: Partido Socialista Unificado de Alemania) así como con representantes de la burocracia cultural y de la vida del teatro. Diversas obras fueron rechazadas, como por ejemplo Santa Juana de los Mataderos y la película Kuhle Wampe.
En 1955 Brecht recibió el premio Stalin de la paz. Al año siguiente, el 14 de agosto, contrajo una inflamación del pulmón y murió de una trombosis coronaria en Berlín del este.
En virtud del quincuagésimo aniversario de su muerte, el diario alemán de Berlín, Tagesspiegel publicó las grabaciones completas de un discurso dado el 1 de septiembre de 1956 por Erik Mielke en virtud de su asunción como Director de la Stasi (policía secreta de la RDA). En él Mielke admitía que Brecht «quería hacer una denuncia contra un dirigente de la Staatssicherheit», y luego de una pausa, cargada de significado, agregó: «Y después Brecht se murió de un infarto». De este modo la hipótesis abonada es que Brecht recibió un «tratamiento mortal deliberado» a la afección coronaria que arrastraba desde hacía años.[2]
Su estilo y su lenguaje continúan ejerciendo influencia hasta hoy día en el teatro moderno.
Estilo
Todas las obras de Brecht están absolutamente ligadas a razones políticas e históricas y tienen un sobresaliente desarrollo estético. En realidad, en Brecht se encuentran siempre unidos el fondo y la forma, la estética y los ideales.
Desde sus comienzos se caracterizó por una radical oposición a la forma de vida y a la visión del mundo de la burguesía y, naturalmente al teatro burgués, sosteniendo que sólo estaba destinado a entretener al espectador sin ejercer sobre él la menor influencia. Brecht, desarrolló una nueva forma de teatro que se prestaba a representar la realidad de los tiempos modernos, y se encargó de llevar a escena todas las fuerzas que condicionan la vida humana.
Además de conmover los sentimientos, obligaba al público a pensar; en las representaciones teatrales nada se daba por sentado y obligaba al espectador a sacar sus propias conclusiones. Hasta el fin de su vida sostuvo la tesis de que el teatro podía contribuir a modificar el mundo.
Para ello fue creando una nueva idea del arte como comprensión total y activa de la historia: el Efecto de distanciamiento, la no contemplación lírica de las cosas y tampoco replegamiento sutil sobre la subjetividad, sino elecciones humanas y morales, verificación de los valores tradicionales y elaboración de una nueva presencia de la poesía en la sociedad.
Su llamado teatro épico, narrativo, continua apuntando en las escenificaciones de hoy a provocar la conciencia crítica de espectadores y actores. Hay que desmenuzar el texto, no sentirlo, examinarlo desde lejos, tomar distancia del propio yo. Nada de sentimentalismos que provoquen lágrimas en el escenario.
Brecht hizo gala de antisentimentalismo, así como de su condolencia para los pobres y su sufrimiento, al tiempo que atacaba la falsa respetabilidad de los burgueses.
El famoso efecto de distanciamiento creado por Brecht es un arma contra el romanticismo y el sentimentalismo. La crítica social, la compasión con los seres humanos y el consiguiente cambio de la sociedad debían desempeñar el papel esencial. Así, las canciones interrumpen los parlamentos, el telón priva al escenario de la magia teatral, y un cartel plantea la exigencia.
Los actores de Brecht son sus alumnos: los deja actuar en el escenario y de ese modo edifican la pieza, mientras que el director la destruye. La genialidad y la ingenuidad mantienen un equilibrio. Esta combinación es el secreto del éxito de Brecht.
Brecht figura entre los autores más importante del siglo XX. Es el prototipo de intelectual revolucionario que ha tratado descifrar la realidad a través del arte.
Lo cierto es que su obra teatral y sus numerosos escritos teóricos han ejercido enorme influencia sobre los escritores contemporáneos a él.
Curiosidades
• La famosa cita «Imagínate que hay una guerra y nadie va...» se ha atribuido erróneamente a Brecht. Tampoco es de Brecht el poema que comienza: «Primero se llevaron a los comunistas pero a mí no me importó, porque yo no era comunista...» ni es un poema, sino una frase del pastor protestante alemán Martin Niemöller. (Véase la cita original traducida del alemán en Wikiquote: Martin Niemoeller).
• Pero sí hay una cita famosa que el pronunció: «Hay hombres que luchan un día y son buenos, otros luchan un año y son mejores, hay quienes luchan muchos años y son muy buenos, pero están los que luchan toda la vida, y esos son los imprescindibles». Dicha cita, fue tomada por el cantautor cubano Silvio Rodríguez como introducción en una de sus canciones (Sueño con Serpientes) y tambien fue tomada por el cantautor mexicano Alejandro Filio en el cierre de una de sus canciones (El Hombre) . También está escrita en una placa a la entrada del departamento de ingeniería geográfica y técnicas de expresión gráfica de la E.T.S. de Ingenieros de Caminos, Canales y Puertos de Santander (Cantabria, España).
• Como casi todos los intelectuales alemanes exiliados a causa de los nazis, mostró su apoyo por la Segunda República Española. Varias canciones militares para las Brigadas Internacionales se basan en textos suyos, o contaron con su colaboración, como Einheitsfrontlied ('La canción del frente unido').
• El músico de rock peruano Rafo Raez musicalizó un poema de Brecht llamado «El ciruelo».
• El grupo vasco Negu Gorriak musicalizó un poema de Bertolt Brecht traduciéndolo al euskera en la canción «Hiltzeko era ugari» ('Muchas maneras de matar' o "muchas maneras de morir").
• El grupo chileno Hombres a Tierra musicalizó una adaptación libre de un poema de Brecht llamado Canción de San Jamás.
• El cantautor vasco Mikel Laboa musicalizó muchos de los poemas de Bertolt Brecht traduciéndolos al euskera en varias canciones, entre otras: «Gaberako Aterbea», «Liluraren kontra».
• El grupo musical australiano "Dead Can Dance" le puso música a un poema de Brecht titulado "How Fortunate the Man with None" ("Into the labyrinth", 1993).
• El grupo de cantautores riojanos, Carmen, Jesús e Iñaki grabaron el poema de Brecht, titulado "El ciruelo", con música de Ramón Marín.
• El grupo de cantautores uruguayo, Canciones para no dormir la siesta grabó la canción "El Ciruelo" que hace referencia a Brecht en 1981.
Obras


Parte de la escultura „Der moderne Buchdruck“[3] en el Walk of Ideas de Berlín para conmemorar el invento de Gutenberg: Bertolt Brecht pertenece al canon de escritores más importantes en alemania.
Piezas cronológicamente
• Baal
• Trommeln in der Nacht
• Im Dickicht der Städte
• Leben Eduards des Zweiten von England
• Mann ist Mann
• Die Dreigroschenoper
• Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny (libreto de ópera)
• Der Ozeanflug, auch Der Lindberghflug, tambiénDer Flug der Lindberghs
• Das Badener Lehrstück vom Einverständnis, tambiénLehrstück
• Der Jasager. Der Neinsager (libreto de ópera/Lehrstücke)
• Die Maßnahme (Lehrstück)
• Die heilige Johanna der Schlachthöfe
• Die Ausnahme und die Regel (Lehrstück)
• Die Mutter
• Die Rundköpfe und die Spitzköpfe
• Die Horatier und die Kuriatier (Lehrstück)
• Terror y Miseria del Tercer Reich (Furcht und Elend des Dritten Reiches)
• Leben des Galilei
• Madre Coraje y sus hijos (Mutter Courage und ihre Kinder)
• Das Verhör des Lukullus, también Lukullus vor Gericht o Die Verurteilung des Lukullus (obra radiofónica, más tarde libreto der ópera)
• Der gute Mensch von Sezuan
• Herr Puntila und sein Knecht Matti
• Der aufhaltsame Aufstieg des Arturo Ui
• Die Gesichte der Simone Machard también Die Stimmen (véase Lion Feuchtwanger Simone)
• Schweyk im Zweiten Weltkrieg
• Der kaukasische Kreidekreis
• Die Tage der Commune
• Turandot oder Der Kongreß der Weißwäscher
• labrado de la Antigone (1947) por Sófocles
• labrado del Coriolanus por Shakespeare (1952/53)
Piezas en un acto
• Die Bibel. Drama in I Act (publicada el año 1914 en Augsburger Schülerzeitschrift por „Bertold Eugen“).
• Die Gewehre der Frau Carrar
• Die Hochzeit, también Die Kleinbürgerhochzeit
• Der Bettler oder Der tote Hund
• Prärie (libreto de ópera)
• Er treibt einen Teufel aus
• Lux in Tenebris
• Der Fischzug
• Dansen
• Was kostet das Eisen?
• Die sieben Todsünden, también Die sieben Todsünden der Kleinbürger (Ballettlibretto)
Obras


Ilustración del poema der Kirschdieb en una pared de Weißensee (Berlín).
Ciclos de poesía
(Los datos se refieren al momento en que los poemas principales fueron escritos. Son posibles ediciones, añadidos o reorganizaciones del material por el autor.)
• Lieder zur Klampfe von Bert Brecht und seinen Freunden (1918)
• Psalmen (1920)
• Bertolt Brechts Hauspostille (1916–1925)
• Die Augsburger Sonette (1925–1927)
• Die Songs der Dreigroschenoper (1928)
• Aus dem Lesebuch für Städtebewohner (1926–1927)
• Die Nachtlager (1931)
• Geschichten aus der Revolution (1932)
• Sonette (1932–1934)
• Englische Sonette (1934)
• Lieder Gedichte Chöre (1933)
• Chinesische Gedichte (1938–1949)
• Studien (1934–1938)
• Svendborger Gedichte ([1926]–1937)
• Steffinsche Sammlung (1939–1942)
• Hollywoodelegien (1942)
• Gedichte im Exil ([1944])
• Deutsche Satiren (1945)
• Kinderlieder (1950)
• Buckower Elegien (1953)
Poemas y canciones elegidas
• An die Nachgeborenen
• Ballade von den Seeräubern
• Choral vom Manne Baal
• Der Schneider von Ulm
• Die Legende vom toten Soldaten
• Die Liebenden, también Terzinen über die Liebe
• Die Lösung
• Einheitsfrontlied
• Erinnerung an die Marie A.
• Fragen eines lesenden Arbeiters
• Der Anachronistische Zug oder Freiheit und Democracy
• Kinderhymne
• Legende von der Entstehung des Buches Taoteking auf dem Weg des Laotse in die Emigration
• Mein Bruder war ein Flieger
• Morgens und abends zu lesen
• Resolution der Kommunarden
• Schlechte Zeit für Lyrik
• Solidaritätslied para la película Kuhle Wampe
Prosa
• Bargan läßt es sein
• Geschichten vom Herrn Keuner
• Dreigroschenroman
• Der Augsburger Kreidekreis
• Flüchtlingsgespräche
• Kalendergeschichten
• Die unwürdige Greisin
• Die Geschäfte des Herrn Julius Caesar
Véase también
• Teatro Épico
• Teatro dialéctico y Teatro aristotélico
• Berliner Ensemble
• Exilliteratur
Referencias
1. ↑ Jürgen Hillesheim: Bertolt Brechters Augsburger Geschichten. Augsburg 2004, S. 66
2. ↑ ¿Bertolt Brecht fue asesinado por la Stasi? La Nación, Suplemento Cultura, 20 de agosto de 2006.
3. ↑ Traducción: La impprenta moderna

lunes, 19 de julio de 2010

La flor de la vida, en la geometria sagrada

Geometría sagrada

La Geometría sagrada es un concepto planteado por el esoterismo y el gnosticismo. La creencia básica es que existen ciertas relaciones entre la geometría y la matemática y la espiritualidad, Dios y diversos conceptos místicos.


La Flor de la vida
Contenido
• 1 Fundamentos de Diseño
o 1.1 Las figuras geométricas
o 1.2 El número Pi
o 1.3 La sección áurea
o 1.4 Los sólidos platónicos
• 2 Interpretación
o 2.1 Clave fisiológica
o 2.2 Clave Psicológica
o 2.3 Clave astrológica
o 2.4 Clave metafísica
o 2.5 Clave geométrica
o 2.6 Clave simbólica
o 2.7 Clave matemática
• 3 Referencias

Fundamentos de Diseño


Cilindro proyectado en dos planos
En todo diseño se tienen en cuenta cuatro componentes, lo conceptual, lo visual, lo relacional y lo práctico. Son elementos conceptuales aquellos que no son visibles: Son el punto, la línea, el plano y el volumen. Cuando los elementos conceptuales se hacen visibles, adquieren forma.
Las figuras geométricas
La palabra forma se confunde con figura, no obstante, una forma tri-dimensional puede tener múltiples figuras bi-dimensionales, cuando se la ve sobre una superficie lisa. La forma es entonces la apariencia visual total de un diseño y se identifica por su figura, tamaño, color y textura. La geometría descriptiva ha sido la encargada de la representación gráfica en superficies bidimensionales, de resolver los problemas del espacio en los que intervienen puntos, líneas y planos. Mediante proyecciones , translada los puntos de una figura a una superficie. Tal rama de la geometría resume la teoría del dibujo técnico.

.
El número Pi
El número pi es la relación entre la longitud de la circunferencia y su diámetro.
El número pi también sirve para poder sacar el área del círculo. m
La sección áurea


rectángulo proporcional
El número áureo y la sección áurea están presentes en todos los objetos geométricos regulares o semiregulares en los que haya simetría pentagonal, pentágonos o aparezca de alguna manera la raíz cuadrada de cinco.
• Relaciones entre las partes del pentágono.
• Relaciones entre las partes del pentágono estrellado, pentáculo o pentagrama.
• Relaciones entre las partes del decágono.
• Relaciones entre las partes del dodecaedro y del icosaedro.
Los sólidos platónicos
Para Platón, hay cinco sólidos tridimensionales de aristas, ángulos y caras iguales, tales sólidos platónicos son: el tetraedro, el cubo, el octaedro, el icosaedro y el dodecaedro.Esta exposición la hace en su díalogo el Timeo, en el que plantea que de la quinta combinación, (dodecaedro) Dios se sirvió para trazar el plano del universo.[1]

Tetraedro – Fuego Cubo – Tierra
Octaedro – Aire
Icosaedro – Agua Dodecaedro – Cosmos
Interpretación
Para Blavatsky la geometría es la quinta llave que permite interpretar la vida, las cuatro primeras son: La fisiológica, la sicológica, la astrológica y la metafísica, la sexta es la simbólica y la séptima la matemática.[2]
Clave fisiológica


Hombre vitruviano
Desde la fisiología la aplicación de la geometría se puede encontrar en el Hombre vitruviano propuesto por Leonardo da Vinci. Cuando el perímetro son iguales, se produce la relación pi. Para Fritjof Capra los tres criterios clave para la vida y sus teorías subyacentes son:
• El patrón de organización, como configuración de relaciones (forma, orden y cualidad) que determina las características esenciales del sistema.
• La estructura o la corporeización física (substancia, materia, cantidad) del patrón de organización del sistema.
• El proceso vital como actividad involucrada en la continua corporeización física.
Rupert Sheldrake postula la existencia de los campos morfogenéticos, como agentes causales del desarrollo y mantenimiento de la forma biológica.[3]
Los siete chakras están ubicados en el cuerpo humano de forma armónica, mediante los cuales ascienden espirales energéticas formando un ángulo de 90 grados a medida que pasan de un chakra el siguiente.
Clave Psicológica


Fruto y flor de la vida
La Psicología de la Gestalt plantea la existencia de todos irreductibles como un aspecto clave de la percepción. Se perciben patrones perceptuales integrados, conjuntos organizados dotados de significado. Para Carl Jung , un Mándala es un arquetipo (Jung) que representa los contenidos de conciencia de una persona, la manera como codifica la luz del conocimiento.[4]
Clave astrológica
Desde la astrología la división del zodíaco en doce partes, permite la comprensión del proceso de la vida, y se resume en tres libros en los cuales estudian y aprenden tres tipos de seres humanos.
1. El libro de la Vida. Las doce constelaciones. Para Iniciados.
2. El libro de la Sabiduría. Los doce planetas. Para Discípulos.
3. El libro de la Forma. Las doce jerarquías creadoras. Para la humanidad.
Por lo tanto, la astrología trata de la vida y las vidas , que animan los "puntos de luz" dentro de la vida universal.[5]
Clave metafísica


Cubo de Metatrón
Desde la metafísica el símbolo más representativo es el cubo de Metatrón, ya que contiene la réplica tridimensional de cuatro de los cinco sólidos platónicos, a los que Pitágoras llamaba sólidos perfectos. En las Escuelas de Egipto, a estas cinco formas, más la esfera se les consideraba originarias de los cinco elementos primordiales:tierra, fuego, aire, agua y éter.[6]
Clave geométrica


La Merkaba
Teniendo en cuenta la geometría, la vida se inicia como un óvulo o esfera, pasa a convertirse en un tetraedro, después en una estrella tetraédrica y posteriormente en un cubo, a continuación en una nueva esfera y termina en un corpúsculo tubular.
Clave simbólica
De acuerdo con la semiótica, un símbolo es la representación de una idea. Para Djwhal Khul la representación del punto, la línea, el triángulo, el cuadrado, la cruz, el pentágono y el círculo, significa el reconocimiento de un vínculo con el conocimiento que ha determinado el desarrollo hasta la fecha. Plantea que en todas las razas hay siete formas análogas y actualmente son veintiuno los símbolos básicos que en forma geométrica encierran los conceptos de la civilización. Están adquiriendo forma el loto y la antorcha flamígera.[7]
La esfera giratoria de materia puede ser representada empleando los mismos símbolos generales cósmicos que se utilizan para representar la evolución:
1. El círculo representa el límite de la materia indiferenciada.
2. La circunferencia con un punto en el centro representa la producción de calor en el corazón de la materia como un punto de fuego.
3. La división del círculo en dos partes, marca la rotación activa y la iniciación del movimiento del átomo de la materia.
4. La división del círculo en cuatro partes representa la cruz de brazos iguales del espíritu santo, personificación de la materia inteligente activa. Como símbolo astrológico representa el planeta Tierra.
5. La Esvástica representa el fuego que se extiende de la periferia al centro en cuatro direcciones, que circula e irradia gradualmente alrededor de toda ella.[8]
Clave matemática
Leonardo Fibonacci fue el matemático que descubrió determinado orden en el crecimiento de las plantas. La secuencia es 1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, 34, 55, 89, 144, 233... Si se divide un término de esta secuencia por el siguiente, repitiendo el proceso el número se va acercando a 1,6180339 (89/55), coincidiendo con el número áureo definido por Euclides. La causa de este modelo secuencial se encuentra en la espiral media dorada que gira sin principio ni fin.
En matemáticas, rosa polar es el nombre que recibe cualquier miembro de una familia de curvas de ecuación por asemejarse a una flor de pétalos. Esta familia, también conocida como rhodoneas (del griego rhodon, rosa), fue estudiada por el matemático Luigi Guido Grandi, en torno al 1725, en su libro Flores Geometrici.[9]
Referencias
1. ↑ Platón. Timeo o de la naturaleza
2. ↑ H. P. Blavatsky. La Doctrina secreta.Tomo II. Buenos Aires: Kier. Segunda Edición. pág 35
3. ↑ Fritjof Capra. La trama de la vida. Barcelona: Anagrama. 1998.
4. ↑ Carl Jung. El secreto de la Flor de Oro. Buenos Aires: Paidós. 1961.
5. ↑ Alice Bailey. Tratado sobre los siete rayos. Tomo III. Astrología esotérica. Buenos Aires: Fundación Lucis. 1995
6. ↑ Bob Frisell. La cuarta dimensión. Hermética.
7. ↑ Alice Bailey. Tratado sobre los siete rayos. Tomo II. Psicología esotérica. Buenos Aires: Fundación Lucis.1994
8. ↑ Alice Bailey. Tratado sobre fuego cósmico. Buenos Aires: Fundación Lucis. 1995
9. ↑ Grandi, Guido. Flores geometrici ex Rhodonearum, et cloeliarum Curvarum descriptione resultantes.
http://www.facebook.com/pages/Geometria-sagrada/109406722412373?v=desc#!/pages/Geometria-sagrada/109406722412373?v=wiki#content

domingo, 18 de julio de 2010

En el espejo...

Las Meninas. Diego Da Silva Velázquez



Sobre esta obra se han dicho los calificativos más elogiosos , Luca Giordano, pintor de Carlos II, la llamó “la teología de la pintura” por reunir de un solo golpe todas las virtudes posibles en el arte pictórico. Carl Justi dijo “no hay cuadro alguno que nos haga olvidar éste”. O Teophìle Gautier, que cuando se lo enseñaron, se quedó tan maravillado por la naturalidad y realismo de lo representado que exclamó : pero... ¿dónde está el cuadro?.

Sencillamente, es una de las cumbres de la pintura universal, muy imitada posteriormente y admirada por todos. Velázquez la pintó en 1.656.

LO QUE PUEDES VER

El tema del cuadro parece trivial, la infanta y sus damitas de compañía (meninas en portugués) irrumpen en el estudio de Velázquez, pintor de cámara del rey Felipe IV, que se encuentra pensativo y observa los modelos que se dispone a pintar.

Nosotros podemos ser esos modelos ya que somos contemplados por Velázquez. Sin embargo, los reyes Felipe IV y Mariana de Austria, a quienes vemos reflejados en el espejo del fondo, son las personas que el pintor retrata.

Pero vayamos por partes, en primer término y de izquierda a derecha tenemos a María Agustina Sarmiento que está haciendo una reverencia y ofreciendo en una bandeja plateada un jarrito o búcaro rojo a la infanta Margarita de Austria que se encuentra en el centro de la composición y resulta ser una deliciosa y encantadora niña de seis añitos de edad. Margarita acepta con su mano el jarrito y nos observa con su candorosa mirada infantil. Un poco más a la derecha vemos a otra menina, Isabel de Velasco, que también muestra sus respetos mediante una suave reverencia. La siguiente es Maribárbola, enana macrocéfala de origen alemán, que también nos mira y, finalizando este plano, Nicolasillo Pertusato, que parece un niño pero también era un enano, bastante travieso por cierto, pues ya ves que le está dando una patada a un gran mastín tumbado en el suelo.

Un poco más atrás, a la izquierda, está el pintor Velázquez sujetando un pincel en la mano derecha y la paleta con los demás pinceles en la izquierda. Se está inspirando para pintar a los reyes y se ha representado a sí mismo muy elegante y como de cuarenta años cuando ya rondaba los cincuenta y siete. Delante de él está la parte posterior del lienzo sobre un caballete.

Ahora pasas a la zona derecha y, en un segundo plano, ves dos personajes: la dama Marcela Ulloa, “guarda menor de damas” y un caballero sin identificar que sería un sirviente de la corte y que tiene las manos juntas mientras escucha la conversación de la dama. Para marcar la distancia y el espacio, Velázquez los sitúa a ambos en penumbra y más abocetados que las meninas.

Al fondo, una puerta de madera con cuarterones se abre a una estancia posterior muy iluminada y José Nieto, aposentador de la corte, está en las escaleras, no sabemos si viene o se va. Lleva un sombrero en la mano y viste una elegante capa negra. La luz es de tal intensidad que hace brillar la escalera, la puerta y la persona de José Nieto.

Colgado en la pared ves un espejo que refleja la luz y donde el rey y la reina aparecen con un cortinaje rojo. No sabemos si están quietos posando para Velázquez o si entran en ese momento en la habitación.

La estancia es amplia y de techo alto, sería el estudio del pintor y por eso hay grandes cuadros por las paredes (identificados en la actualidad). Existen ventanas en la pared derecha y están alternativamente abiertas y cerradas lo que nos acentúa la sensación de profundidad y de atmósfera real. El gran tamaño de las figuras, casi natural, subraya aún más su presencia en un espacio muy creíble.

LA TÉCNICA.

Técnicamente el cuadro es insuperable. El conjunto de perspectivas utilizadas es único y produce un efecto “atmosférico” en el ambiente representado, como si el pintor hubiese pintado el aire entre las figuras. Vamos a analizarlo: la primera perspectiva que observas es la lineal, diversas líneas imaginarias o no (línea del techo-pared; cuadros colgados, el suelo) guían nuestra vista hacia el fondo y nos hacen creer en una fuerte tridimensionalidad. Este asombroso efecto se refuerza con un suelo neutro, de moqueta, que avanza hacia nuestra posición y, sobre todo, con unos espacios alternativamente iluminados y en penumbra que subrayan el efecto de alejamiento. La otra perspectiva es la aérea, la difuminación progresiva de los contornos y la degradación de las gamas tonales con el aumento de la distancia y el alejamiento. Como remate, Velázquez pone un agujero iluminado en el centro (la puerta abierta) que da a una estancia donde no vemos el fin, es decir, el cuadro tiene una perspectiva ilimitada.

Esta combinación de perspectiva aérea y lineal es lo que ha fascinado a todos, expertos o no, desde el siglo XVII.

La gama cromática empleada por Velázquez en esta obra es limitada y contenida, predominan los grises y los ocres, no obstante, aplica colores fuertes como el rojo fuego en pequeños detalles de la vestimenta de las niñas como lacitos, pasadores de pelo y adornos florales. De este modo rompe la monotonía de colores y atrae nuestra atención. La calidad de representación de las sedas brillantes con grises y blancos muy luminosos resultan de una belleza deslumbrante.

LO QUE NO SE VE.

Por otra parte, el espejo es la burla espacial por antonomasia, nos engaña y confunde, crea espacios ilusorios y, si te colocas de espaldas y miras el cuadro con un espejito, te llevarás una sorpresa por el efecto fuertemente realista que produce. Cuando contemplas el cuadro directamente, tu vista es dirigida hacia el fondo y el espejo te devuelve la imagen. Así se crea una interrelación tan estrecha entre lo pintado y lo real que resulta difícil distinguirlos.

La aparente trivialidad del tema es también engañosa ya que Velázquez estuvo toda su vida reivindicando la superioridad de la pintura por encima de las actividades puramente artesanales entre las que estaba incluída; él consideraba la pintura como una actividad intelectual superior, cuyo momento importante no era el acto de pintar sino la idea, el concepto y el pensamiento previos al hecho mecánico de aplicar el óleo sobre el lienzo. En resúmen, la superioridad del artista sobre el artesano.

Otro mensaje es el futuro prometedor de la monarquía española, con la sucesión asegurada. La última lectura de la obra sería la relación de profunda amistad del pintor con el rey y la infanta , todos ellos aparecen representados en el mismo cuadro.

LO QUE PUEDES DESCUBRIR

Existen detalles que te proponemos observar para que comprendas la excepcionalidad de este cuadro único. Fíjate en el perro, tan real que sólo le falta ladrar, o en la carita delicadísima de la infanta, o en el cabello de Nicolasillo, brillante y recién lavado, o en la prestancia y apostura de Velázquez con su cuidado bigote, su peinada melena y su esbeltez anatómica. O bien en los cuadros de la estancia, identificados como Minerva y Aracne (Rubens) y Apolo y Pan (Jordaens) y que vuelven a incidir en el tema de la superioridad de lo intelectual sobre lo manual.

Hay que señalar que la obsesión del pintor por demostrar la superioridad de la pintura sobre otras artes perseguía, entre otras cosas, la exención de impuestos.

Interesante es también el espejo iluminado (de bronce muy bruñido) y las ventanas laterales, una abierta en primer término, las tres siguientes cerradas y la última abierta.

LA LEYENDA

Un cuadro así no podía pasar desapercibido para la imaginación popular y el hecho que dio pie para inventar una bonita leyenda lo provocó la cruz de Santiago que lleva pintada Velázquez sobre su vestimenta. Sabemos que fue nombrado caballero de la Orden de Santiago a título póstumo en 1.660. eso significa que alguien se la pintó después de muerto en Las Meninas.

Sería, según la tradición el propio rey Felipe IV, que, agradecido por los numerosos servicios de Velázquez como aposentador real y, sobre todo, como pintor, realizaría la cruz con su regia mano.

Fuente: http://www.cossio.net/actividades/pinacoteca/p_01_02/las_meninas.htm



Imagen: Diego Velázquez Autorretrato 45 x 38 cm - Colección Real Academia de Bellas Artes de San Carlos - Museo de Bellas Artes de Valencia

(Diego de Silva Velázquez; Sevilla, 1599 - Madrid, 1660) Pintor español. Además de ser la personalidad artística más destacada de su tiempo, Diego Velázquez es también la figura culminante del arte español, sin rival hasta los tiempos de Goya.

Diego Velázquez realizó su aprendizaje en Sevilla, en el taller de Pacheco, con cuya hija se casó en 1617. Cuando todavía era un adolescente, pintó algunas obras religiosas (La Inmaculada Concepción, La Adoración de los Reyes Magos) con un realismo inusual y pronunciados efectos de claroscuro. A la misma época pertenece una serie de obras de género con figuras de prodigiosa intensidad y una veracidad intensísima en la reproducción tanto de los tipos humanos como de los objetos inanimados; entre otros ejemplos se pueden citar Vieja friendo huevos y El aguador de Sevilla.

También por entonces pintó inusitados cuadros de temática religiosa ambientados en escenarios cotidianos, como Cristo en casa de Marta o Cristo en Emaús; de hecho, la capacidad de convertir las escenas religiosas en algo cercano y realista constituye una característica del barroco sevillano que Velázquez legó a otros artistas de su tiempo.

Estas obras, de un estilo por lo demás muy distinto del de su época de madurez, le valieron cierta reputación, que llegó hasta la corte, por lo que en 1623 Diego Velázquez fue llamado a Madrid por el conde-duque de Olivares, valido de Felipe IV, para que pintara un retrato del rey; tanto gustó la obra al soberano que lo nombró pintor de corte.

Comenzó así para Velázquez una larga y prestigiosa carrera cortesana, a lo largo de la cual recibió destacados títulos, como los de ujier de cámara y caballero de la Orden de Santiago. Desde su nombramiento oficial hasta el final de sus días pintó numerosos retratos de Felipe IV y de diversos miembros de su familia, a pie o a caballo.

Se trata de obras de gran realismo y excepcional sobriedad en las que el magistral empleo de la luz sitúa los cuerpos en el espacio y hace vibrar a su alrededor una atmósfera real que los envuelve. Los fondos, muy densos al principio, se suavizan y aclaran luego, con el paso del tiempo. En los retratos femeninos (el de Mariana de Austria, por ejemplo), el artista se recrea en los magníficos vestidos, en los que muestra sus grandes cualidades como colorista.

La culminación de su carrera como retratista es Las Meninas, considerada por algunos como la obra pictórica más importante de todos los tiempos. Hay que destacar igualmente las incomparables series de enanos y tullidos de la corte. Velázquez realizó dos viajes a Italia, uno en 1629-1631 y otro en 1648-1651. En ambos produjo obras importantes: La túnica de José y La fragua de Vulcano en el primero; los retratos de Juan de Pareja y de Inocencio X en el segundo; el del Papa es un retrato portentoso, dotado de una vivacidad, una intensidad y un colorismo excepcionales.

Al genio sevillano se debe también una obra maestra de la pintura histórica, La rendición de Breda, pintada en 1634 para el Salón de Reinos del palacio del Buen Retiro de Madrid. El mérito de la obra reside en la ausencia del engolamiento habitual en los cuadros de temática histórica y en la plasmación de las facetas más humanas del acontecimiento; la composición admirablemente resuelta y la atmósfera de extraordinario realismo han hecho de esta obra una de las más conocidas del maestro.

Fuente: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/v/velazquez.htm
---


Dalí de espaldas pintando a Gala de espaldas eternizada por seis córneas virtuales provisionalmente reflejadas en seis verdaderos espejos, 1972/73. Óleo sobre tela, 60 x 60cm.



Salvador Dalí (1904-1989)



Eugenio Salvador Dalí i Doménech nace en Figueras en 1904. Pintor y escultor, se integra en el grupo de poetas y artistas conocido posteriormente por la generación del 27. La pintura de sus primeros años, el Manifiesto Amarillo (1928), sus artículos y sus conferencias (1930) provocaron reacciones violentas. Residiendo en Paris desde las postrimerías de los años veinte, se convirtió en la figura más brillante del surrealismo pictórico. Fue en Paris que conoció a la mujer de Paul Eluard, Gala Helena D.Diakonova, con quien se casó.

En 1939 se traslada a los EEUU, alternando sus estancias en Portlligat, cuyo paisaje se convirtió en el motivo principal de su obra. Fué expulsado del surrealismo acusado de fascista, por André Breton. A su regreso a España en 1948 siguió, según él, la tradición espiritual de Zurbarán, Murillo, Valdés Leal y los grandes místicos de la literatura castellana.

Su pintura, que parte del noucentismo y pasa por una etapa cubísta, responde a lo que él denomina actividad paranoico-crítica y se caracteriza por la representación, influida por la pintura metafísica, de escenas oníricas realizadas con una extraordinaria minuciosidad técnica: "La persistencia de la memoria (1931)" con sus relojes blandos, "Presagio de la Guerra Civil" (1936), diversas variaciones sobre "El ángelus" de Millet, etc.

Después de una estancia en Italia, tras la guerra civil española (1936-1939), aborda temas religiosos, históricos y alegóricos: "Las tentaciones de San Antonio"(1947), "La Madona de Portlligat" (1950), "Descubrimiento de América por Cristóbal Colón" (1959), "La Batalla de Tetuán" (1962), etc.

Su interés por los efectos visuales lo lleva al uso de la holografía y a la realización de pinturas estereoscópicas como "La silla" (1975). Colabora en algunas películas: "Un chien andalou" (1929) y "La edad de oro" (1931) de Luis Buñuel, "Spellbound (Recuerda)" (1945) de Alfred Hitchcock. Creó la escenografía y los figurines de muchos ballets, y en teatro colabora con Visconti y con Luis Escobar.

Ilustra libros y diseña joyas, esculturas y objetos diversos. Entre sus libros destacan "The secret Life of Salvador Dalí "(1942), "Fifty Secrets of Magic Craftsmanship" (1948), "Journal d’un genie" (1954), "Le mythe tragique de l’Angelus de Millet" (1963). En 1974 se inaugura en Figueres su museo monográfico Teatre Museu Dalí. Tras la muerte de su esposa Gala en 1982, constituye la fundación Gala-Salvador Dalí que administra su legado.

Muere el 23 de enero de 1989 en Figueras.

Fuente: http://personal.telefonica.terra.es/web/jack/dali/biogra.htm
---


La Venus del espejo - Velazquez - Hacia 1649-1651 - Lienzo. 1,22 x 1,77 - National Gallery, Londres.



Las mujeres desnudas son una temática más bien insólita en la pintura española. Si bien de Velázquez sólo conservamos un cuadro de desnudo, se sabe que por lo menos pintó otros tres. El primer registro de esta obra procede de 1651, de la colección del marqués del Carpio, que era hijo del primer ministro del rey.

El cuadro pudo ser pintado antes del segundo viaje de Velázquez a Italia (1649-1651) o en Italia mismo, desde donde sería enviado a España. El artista creó su propia imagen de la diosa Venus, pero la idea de reclinarla y presentarla de espaldas, con Cupido sujetando el espejo, procede de Tiziano.

En lugar de mostrar fuertes contrastes de luz y sombra y elaborar con fidelidad minuciosa la textura superficial de los objetos para crear una ilusión de realidad, Velázquez llega aquí a pintar lo que el ojo realmente percibe. Los colores se funden unos con otros, los contornos no se destacan y los detalles son sugeridos pero no descritos. El reflejo de la diosa no es real, pues el espejo no puede recoger la cara de Venus desde esta posición. Una tira añadida en la parte superior del lienzo nos indica que la inclusión de Cupido con el espejo fue posterior a la primera realización.

Fuente: http://www.biografiasyvidas.com/monografia/velazquez/cuadros24.htm
---


Bar del Folies-Bergère - Edouard Manet, 1881. Localizacion: Courtauld Institute Galleries. Londres.



Tema
En la obra se muestra a una camarera atendiendo a un cliente en uno de los bares del local. La modelo que posó en el estudio del pintor para la figura principal era una auténtica camarera de este conocido local del barrio de Montmartre llamada Suzon.

Interpretación
La camarera Suzon aparece con una expresión de indiferencia que contrasta con el bullicio de la gente que se divierte. Al parecer el Folies-Bergère también era un lugar donde, en palabras del escritor Guy de Maupassant las camareras «maquilladas hasta las cejas, vendían bebida y amor». Quizá esto último sea lo que busque el cliente del reflejo del espejo, por lo que se puede interpretar la obra de Manet como una crítica a la frialdad y crueldad de la vida moderna.

Detalles
Quizá la naturaleza muerta con algo de fruta con botellas de champán, crema de menta y cerveza sea lo único que aporte algo de humanidad y calidez a la obra.

Ilusión y realidad
La camarera es, junto con la naturaleza muerta que hay sobre el mostrador de mármol blanco, lo único real que aparece en el cuadro: todo lo demás (el animado ambiente del local de variedades y la figura del cliente) son reflejos en el espejo del fondo.



Llama la atención la distorsión deliberada que introduce Manet en los reflejos: sólo se podría ver la espalda de la camarera reflejada si el espejo estuviera oblicuo repecto a la barra, pero el marco del espejo está perfectamente paralelo respecto al mostrador. Además, si los reflejos siguieran las leyes ópticas, el cliente sólo sería visible de espaldas, más acá del mostrador. Quizá la ausencia deliberada del cliente y su única aparición en el reflejo sea un recurso de Manet para sumergir al espectador en el cuadro, suplantando al cliente, de forma similar al empleo del espejo que hace Velázquez en Las Meninas para hacer aparecer a los reyes reflejados en el espejo, o al recurso empleado por Van Eyck en su Matrimonio Arnolfini para dotar de profundidad a la obra.

Hacia finales de la década de 1870, Manet presenta los primeros síntomas de una enfermedad degenerativa del sistema nervioso que afecta a la capacidad para ejecutar movimientos voluntarios: la ataxia muscular. A pesar de ello, en 1881 presenta una de sus mejores obras: su Bar del Folies-Bergère.

En esta obra Manet se vuelve a mostrar con brillantez como el pintor de la vida moderna. El Folies-Bergère era un local parisino de ocio que pasó de ser circo a sala de baile y, por fin, se convirtió en un importante teatro de variedades.

Manet ya estaba muy enfermo por la ataxia cuando realizó esta obra en su estudio, basándose en bocetos que había preparado en el Folies-Bergère, junto con sesiones en las que Suzon posó en el taller tras una mesa con botellas y fruta. Esta fue su última obra de gran formato (el lienzo mide 95,2 x 129,5 cm). Hasta su muerte en 1883 sólo pintó obras de pequeño tamaño.

Fuente: http://www.fcalzado.net/impresionismo/xhtml/01antec/01f5.html#

Edouard Manet (Francia, 1832-1883)



Pintor francés, cuyo trabajo inspiró el estilo impresionista, pero que rehusó identificar su trabajo con este movimiento. El largo alcance de su influencia en la pintura francesa y en el desarrollo del arte moderno en general se debió a su forma de retratar la vida cotidiana, a su utilización de amplias y simples áreas de color y a su técnica de pincelada vívida. Manet nació en París el 23 de enero de 1832, hijo de un alto funcionario del gobierno. Para no estudiar derecho, tal y como deseaba su padre, intentó hacer la carrera de marino, aunque no superó las pruebas de ingreso. Después, estudió en París con el pintor académico francés Thomas Couture y visitó Alemania, los Países Bajos e Italia para estudiar la pintura de los viejos maestros. La obra de Frans Hals, Diego Velázquez y Francisco de Goya fueron las principales influencias en su arte. Manet empezó pintando temas de género, como mendigos, pícaros, personajes de café y escenas taurinas españolas. Adoptó una atrevida técnica de pincelada directa en su tratamiento de los temas realistas. En 1863 su famoso La merienda campestre (Musée Orsay, París) fue exhibido en el Salón de los Rechazados, una nueva sala de exposiciones abierta por Napoleon III accediendo a las protestas de los artistas rechazados en el Salón Oficial. El lienzo de Manet que representaba una mujer totalmente desnuda acompañada de dos hombres completamente vestidos atrajo inmediatamente la atención general, pero fue atacado con dureza por los críticos. Aclamado como líder por los pintores jóvenes, Manet se convirtió en figura central de la disputa entre el arte académico y el arte rebelde de su tiempo. En 1864 el Salón Oficial aceptó dos obras suyas, y en 1865 expuso su Olimpia (1863, Musée Orsay), desnudo basado en una Venus de Tiziano, que levantó una tormenta de protestas dentro de los círculos académicos dado su realismo poco ortodoxo. En 1866 el novelista francés Émile Zola, que defendía el arte de Monet en el periódico Figaro, se hizo buen amigo del pintor. Pronto se le unió el joven grupo de pintores impresionistas, Edgar Degas, Claude Monet, Auguste Renoir, Alfred Sisley y Camille Pissarro. Su maestría no fue reconocida hasta una edad avanzada. En 1882 una de sus mejores obras, El bar del Folies-Bergére (Courtauld Institute Galleries, Londres), fue expuesta en el Salón, y un viejo amigo, el ministro de bellas artes, consiguió para el artista la Legión de Honor. También en 1882 pintó La amazona de frente (Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid), lienzo inacabado, que muestra la firmeza de construcción del pintor y su tendencia o contraponer grandes masas de color claras y oscuras. Manet murió en París el 30 de abril de 1883. Dejó, aparte de muchas acuarelas y pasteles, 420 óleos. © eMe (http://www.encarta.msn.com/)

Fuente: http://www.epdlp.com/pintor.php?id=303
---


Angel espejo, reflejo del alma - Aromonia - Oleo/Tela (50x70)



AROMONIA - Norma H. Riveros Lic. en R.R.P.P., nacida el 19 de febrero de 1968 en Buenos Aires, Argentina. Vivió y estudio en Sao Paulo, Brasil en la Escola de Belas Artes, realizando además diferentes talleres. Desde temprana edad tuvo cierta inclinación hacia el arte, con gusto por el dibujo (autodidacta). Actualmente utiliza las herramientas de la informática, combinando sus creaciones artísticas con el arte digital, siendo desde siempre la figura humana y el paisajismo su preferencia. Su primera parte se basó en la pintura figurativa expresionista, pero en la actualidad se identifica mucho mas con la pintura abstracta relacionados al diseño y al dibujo, es su deseo en su futuro solo dedicarse a la pintura. En reglas generales trabaja con óleo y pinturas acrílicas. La pasión de toda su vida.

Comenzó a exponer sus obras en el 2000, tiene dos obras en EEUU, New York, junto a la ONU en la galería de arte de la Universidad de Brahma Kumaris, en Guatemala en un Hospital Holistico, en Brasil en el Hotel Ángeles, y México en la Galería Santa Clara, de Yucatán.

Fuente: http://www.artealmeria.com/Aromonia/index.htm#galeria

http://www.taringa.net/posts/arte/1860212/Reflejos-en-el-Espejo---Post-de-Arte.html

Google Informa: La memoria humana se parece a Google

Google Informa: La memoria humana se parece a Google

La pelicula como una obra de arte

Film
Una película es una obra de arte cinematográfica que emite una historia de manera audiovisual, por medio de una secuencia de imágenes y sonidos, y que por lo general se basa en un guión, en la que los personajes pueden o no, ser interpretados por actores. No se distingue el material sensible en el que se han impreso las imágenes y tampoco el medio en el que se reproduce, como podría serlo una sala de cine, un televisor o una computadora.
Desde el punto de vista técnico, una película es una secuencia de imágenes fotográficas tomadas con una cámara, y presentadas mediante un proyector cinematográfico, empleando una velocidad de sustitución de imágenes superior a 18 fotogramas por segundo, de tal manera que crea en el ojo humano la ilusión de continuidad, sin interrupción entre cada fotograma debido a la persistencia retiniana.
Contenido
• 1 Fases de la realización de una película
o 1.1 Preproducción
o 1.2 Producción
o 1.3 Posproducción
• 2 Tecnología
• 3 YouTube y el cine en Internet
• 4 Véase también
• 5 Enlaces externos

Fases de la realización de una película
Se puede dividir en tres: preproducción, producción (donde se incluye el rodaje) y posproducción. Hasta cierto punto, el productor está al frente de la preproducción, el director del rodaje, y el editor de la posproducción, pero esto es relativo, de acuerdo a la creatividad y personalidad de las figuras más importantes, productor y director. En ocasiones uno y otro vigilan cada paso de la realización de una película.
Preproducción
Esta fase engloba todos los preparativos, desde la localización de las fuentes de financiamiento hasta la selección de locaciones, sin olvidar la selección del reparto. Puede iniciar con una simple idea--esto es, se requiere desde la elaboración del guión preeliminar--, o a partir de una novela, de una producción cinematográfica anterior, e inclusive de una serie de televisión.
Producción
Una filmación da trabajo a ingenieros del sonido, camarógrafos, escenógrafos, iluminadores, sonidistas, maquillistas, modistas, peluqueros, apuntadores y secretarias, entre muchos otros, además del personal actoral. Durante este periodo, el director lucha entre las exigencias impuestas por un presupuesto y un calendario, y los conflictos propios de la mezcla de individualidades. Es importante considerar que cualquier decisión tendrá un costo que podrá devolver ganancias, --en el momento de la taquilla-- o provocar un gasto -- durante la filmación. Siendo responsable del proceso, el director debe delegar una enorme cantidad de funciones y, sin embargo, responder por todas.
Posproducción
Gran parte de los efectos especiales se incluyen en la cinta durante su filmación, como el efecto de las escenas de acción creadas por cámaras en movimiento: en las batallas interestelares de Star Wars, las maquetas permanecían fijas mientras las cámaras se desplazaban a su lado; pero otros se agregan durante la posproducción y son el resultado de la animación de modelos cuadro por cuadro sobreimpresiones y animaciones computarizadas, entre otros más.
En este momento, los resultados finales quedan en manos del editor quien debe dar sentido y coherencia a cientos de metros de película, seleccionar encuadres e incluso pedir la repetición de algunas escenas.
Tecnología
Con la introducción y mejora del video en los últimos años, se están utilizando de forma creciente soportes magnéticos y digitales para grabar películas, sobre todo en el caso de películas realizadas para la televisión, así como documentales, cortometrajes y filmaciones de aficionados.
YouTube y el cine en Internet
Gracias a las nuevas tecnologías, hoy en día existen una gran variedad de cámaras de video disponibles para aficionados que van desde las de menor resolución, como las incluidas en los teléfonos celulares, hasta las de alta definición (HD).
YouTube se ha convertido en los últimos años en la plataforma más grande de videos en todo el mundo, lo que ha ocasionado que miles de usuarios fabriquen sus propias películas y las suban a la red, donde es posible encontrar una amplia variedad de géneros, calidad, técnicas y gustos cinematográficos.
Véase también
• Proyección
• Cortometraje
• Largometraje
http://www.facebook.com/juliomatarin?v=info#!/pages/Film/108318252523721?v=wiki#content