sábado, 28 de agosto de 2010

Actriz de raza, Nicole Kidman


Nicole Kidman

Nombre real
Nicole Mary Kidman
Nacimiento
20 de junio de 1967 (43 años)
Honolulú, Hawái, Estados Unidos[1]
Pareja
Tom Cruise (1990-2001)
Keith Urban (2006-)
Hijo/s
Issabella Jane
Anthony Connor
Sunday Rose.



Nicole Mary Kidman (n. 20 de junio de 1967) es una actriz australiana-estadounidense.[2] Es ganadora del Óscar, tres Globo de Oro y un Bafta. Tiene una hermana menor, Antonia Kidman, que también es actriz. En 2006, se convirtió en la actriz mejor pagada de la industria cinematográfica.[3]
Después de hacer varias apariciones en cine y televisión, Kidman obtuvo su papel que la precipitó a la fama en el thriller de 1989 Calma total. Sus actuaciones en varias películas, tales como Todo por un sueño (1995), Moulin Rouge! (2001), y Las horas (2002), han recibido alabanzas por parte de la crítica. En 2003, Kidman recibió su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en Hollywood, California. Kidman es también embajadora de buena voluntad de Fondo de las Naciones Unidas para las Mujeres (UNIFEM) y UNICEF, y cantante. En 21 de octubre de 2009 la actriz pidió una respuesta integral a la violencia que padecen las mujeres ante el Congreso de los Estados Unidos.[4]
En 2006, Kidman recibió el honor civil más importante de Australia, siendo condecorada con la Orden de Australia.[5]
Contenido

• 1 Biografía
• 2 Vida privada
• 3 Filmografía
• 4 Premios
o 4.1 Premios Oscar
o 4.2 Globos de Oro
o 4.3 Premios BAFTA
o 4.4 Premios del Sindicato de Actores
o 4.5 Premios Goya
o 4.6 Satellite Awards[13]
o 4.7 Golden Raspberry
o 4.8 Premio Oso de Plata
o 4.9 Premio Empire
o 4.10 Festival de Cannes
o 4.11 MTV Movie Awards
o 4.12 Premios Bodil
o 4.13 Premios Saturn
o 4.14 Australian Film Institute Awards
o 4.15 Premios Gotham
o 4.16 Teen Choice Awards
o 4.17 Russian Guild of Film Critics Golden Aries Awards
o 4.18 London Film Critics Circle Awards
o 4.19 Broadcast Film Critics Association Awards
o 4.20 Las Vegas Film Critics Society Awards
o 4.21 Kansas City Film Critics Circle Award
• 5 Embajadora de Buena Voluntad de UNIFEM
• 6 Referencias
• 7 Enlaces externos
Biografía
Nació en Honolulu, Hawái. Hasta los cuatro años vivió en Estados Unidos, cuando su familia se trasladó a Australia. Su padre Anthony Kidman, un bioquímico, investigaba sobre el cáncer de mama en la ciudad de Washington y era al mismo tiempo profesor universitario en Sídney, Australia.
Kidman había comenzado a tomar clases de ballet a la edad de tres años y en Australia ingresó en una escuela de teatro para jóvenes. Su padre se preocupaba de que ella y su hermana menor tuviesen una buena condición física, por lo que les hacía realizar cada mañana ejercicios de gimnasia.
A los 16 años (en 1983) Kidman inició su carrera de actriz cuando intervino en una película ambientada en Navidad, Bush Christmas, que sigue proyectándose frecuentemente en la época navideña. Al enfermar su madre de cáncer de mama, Nicole Kidman abandonó sus estudios escolares, pero una vez que su madre se recuperó, reanudó su carrera de actriz. A lo largo de los años ochenta apareció en numerosas películas y series de televisión australianas.
En 1988 se dio a conocer en Europa y en Estados Unidos con la película Calma total, rodada todavía en Australia, y co-protagonizada por el actor Sam Neill, también australiano y con su siguiente película, ya estadounidense, Días de trueno, en la que interpretó un papel junto a Tom Cruise. Al año siguiente se casó con Tom Cruise en la noche de Navidad, en un lugar de las Montañas Rocosas, en el estado de Colorado. Inicialmente la boda se mantuvo en secreto. La pareja adoptó dos hijos, Isabella Jane y Anthony Connor, y vivió entre Los Ángeles, Nueva York y Colorado.
Kidman había alcanzado ya fama, y demostró sus dotes de interpretación y su elegancia en las siguientes películas, en las que actuó con actores tan populares como Bruce Willis y Dustin Hoffman. En 1998 protagonizó junto con Sandra Bullock la cinta Prácticamente magia, basada en la novela de Alice Hoffman. En 1999 hizo junto con su marido Eyes Wide Shut (Ojos bien cerrados), la que sería la última película del director Stanley Kubrick, y que tuvo una gran resonancia.
Unos años después, en 2001, Nicole Kidman se divorció de Tom Cruise de manera amistosa. Según algunas fuentes la razón principal fue que Cruise insistió en educar a sus hijos según las creencias de la Cienciología (creada por Ron Hubbard), mientras que Kidman quería que fuesen educados según la tradición católica. También en 2001 participó a dúo con el cantante británico Robbie Williams en cover de la cancíón Something Stupid de Frank Sinatra. La canción tuvo un enorme éxito en Europa siendo nº1 en varios países.
El mayor reconocimiento profesional hasta entonces lo obtuvo Kidman en 2002, cuando fue nominada al Óscar como mejor actriz principal por su papel en Moulin Rouge!. Con la película de suspense Los otros, dirigida por el director español Alejandro Amenábar, rodada en ese mismo año, también cosechó un éxito importante. Tuvo que renunciar a intervenir en la película La habitación del pánico debido a una lesión en la rodilla contraída durante el rodaje de Moulin Rouge, pero en el año 2002 ganó el Óscar como mejor actriz principal por su interpretación del personaje de la escritora Virginia Woolf en Las horas (The Hours).
Vida privada
El 25 de junio de 2006 contrae matrimonio con el cantante de música country, Keith Urban.
El 8 de enero de 2008 comunica a la prensa que espera su primer hijo biológico para el próximo mes de julio. El día 7 de julio de 2008, en Nashville, da a luz a una niña, Sunday Rose Kidman-Urban.
Es gran amiga del actor Hugh Jackman, de las actrices Naomi Watts[6] y Deborra-Lee Furness[7] y del director Baz Luhrmann.[8]
También es amiga de los actores Ewan McGregor,[9] Adrien Brody,[10] Sarah Jessica Parker y Renée Zellweger.[11]
Antes del rodaje de "Dogville", Nicole Kidman quedó fascinada con "Bailando en la oscuridad" y tras comentar en diversas entrevistas que le encantaría trabajar con Lars Von Trier, éste se enteró y se puso en contacto con ella, para protagonizar su película.
Es conversa al catolicismo.[12]
Filmografía
• Monte Carlo (2011)
• Just Go With It (2011)
• The Rabbit Hole (2010)
• The Danish Girl (2010)
• Nine (2009)
• Australia (2008)
• La brújula dorada (2007)
• Margot y la boda (2007)
• Invasión (2007)
• Retrato de una obsesión (2006)
• Happy Feet (2006)
• Embrujada (2005)
• La intérprete (The interpreter) (2005)
• Las mujeres perfectas (The Stepford Wives) (2004)
• Reencarnación (Birth) (2004)
• Dogville (2003)
• La mancha humana (The human Stain) (2003)
• Cold Mountain (2003)
• Las horas (The Hours) (2002)
• Oscura seducción (Birthday Girl) (2001)
• Los otros (The Others) (2001)
• Moulin Rouge! (2001)
• Eyes Wide Shut (1999)
• Prácticamente magia (Practical Magic) (1998)
• El pacificador (The Peacemaker) (1997)
• Retrato de una dama (The Portrait of a Lady) (1996)
• The Leading Man (1996)
• Todo por un sueño (To Die For) (1995)
• Batman Forever (1995)
• Mi vida (My life)(1993)
• Malicia (Malice)(1993)
• Un horizonte muy lejano (Far and Away) (1992)
• Billy Bathgate (1991)
• Flirting (1991)
• Días de trueno (Days Of Thunder) (1990)
• Calma total (Dead Calm) (1988)
• Emerald City (1988)
• The Bit Part (1987)
• Watch the Shadows (1986)
• Windrider (1986)
• Archer's Adventure (1985)
• Wills & Burke (1985)
• Los bicivoladores (BMX Bandits) (1983)
• Bush Christmas (1983)
Premios
Premios Oscar
Año
Categoría
Película
Resultado
2002
Mejor actriz
Las horas
Ganadora
2001
Mejor actriz
Moulin Rouge!
Nominada
Globos de Oro
Año
Categoría
Película
Resultado
2004
Mejor actriz - Drama
Birth
Nominada
2003
Mejor actriz - Drama
Cold Mountain
Nominada
2002
Mejor actriz - Drama
Las horas
Ganadora
2001
Mejor actriz - Drama
Los otros
Nominada
2001
Mejor actriz - Comedia o musical
Moulin Rouge!
Ganadora
1995
Mejor actriz - Comedia o musical
Todo por un sueño
Ganadora
1991
Mejor actriz de reparto
Billy Bathgate
Nominada
Premios BAFTA
Año
Categoría
Película
Resultado
2002
Mejor actriz
Las horas
Ganadora
2001
Mejor actriz
Los otros
Nominada
1995
Mejor actriz
Todo por un sueño
Nominada
Premios del Sindicato de Actores
Año
Categoría
Película
Resultado
2009
Mejor reparto
Nine
Candidata
2002
Mejor reparto
Las horas
Candidata
2002
Mejor actriz
Las horas
Candidata
2001
Mejor reparto
Moulin Rouge!
Candidata
Premios Goya
Año
Categoría
Película
Resultado
2001
Mejor interpretación femenina protagonista
Los otros
Nominada
Satellite Awards[13]
Año
Categoría
Película
Resultado
1999
Mejor Actriz - Drama
Eyes Wide Shut
Candidata
2001
Mejor Actriz - Drama
Los Otros
Candidata
2001
Mejor Actriz - Comedia/Musical
Moulin Rouge!
Ganadora
2002
Mejor Actriz - Drama
Las Horas
Candidata
2007
Mejor Actriz - Comedia/Musical
Margot y la boda
Candidata
2009
Mejor Reparto
NINE
Ganadora
Golden Raspberry
Año
Categoría
Película
Resultado
2005
Peor pareja fílmica (con Will Ferrell)
Bewitched
Ganadora
Premio Oso de Plata
Año
Categoría
Película
Resultado
2003
Mejor Actriz
Las Horas
Ganadora
Premio Empire
Año
Categoría
Película
Resultado
1995
Mejor Actriz
Todo Por Un Sueño
Ganadora
2001
Mejor Actriz
Moulin Rouge
Ganadora
2003
Mejor Actriz
Cold Mountain
Candidata
Festival de Cannes
Año
Categoría
Película
Resultado
2003
Mejor Actriz
Dogville
Candidata
MTV Movie Awards
Año
Categoría
Película
Resultado
2001
Mejor Interpretacion Femenina
Moulin Rouge
Ganadora
2001
Mejor Secuencia Musical
Moulin Rouge
Ganadora

Premios Bodil
Año
Categoría
Película
Resultado
2003
Mejor Actriz
Dogville
Ganadora
Premios Saturn
Año
Categoría
Película
Resultado
1989
Mejor actriz
Calma Total
Nominada
1995
Mejor actriz
Todo Por Un Sueño
Nominada
2001
Mejor actriz
Los Otros
Ganadora
2004
Mejor actriz
Birth
Nominada

Australian Film Institute Awards
Año
Categoría
Película
Resultado
1987
Mejor actriz - Miniserie o telefilme
Vietman
Ganadora
1988
Mejor actriz de Raparto - Miniserie o telefilme
Emeral City
Nominada
1989
Mejor Actriz de TV
Bangkok Hilton
Nominada
2001
Mejor Actriz
Moulin Rouge!
Nominada
2007
Mejor Actriz
La Brujula Dorada
Nominada
Premios Gotham
Año
Categoría
Película
Resultado
2007
Mejor Reparto
Margot y la boda
Nominada

Teen Choice Awards
Año
Categoría
Película
Resultado
2008
Mejor actriz
Australia
Nominada

Russian Guild of Film Critics Golden Aries Awards
Año
Categoría
Película
Resultado
2003
Mejor actriz Extranjera
Dogville
Ganadora
London Film Critics Circle Awards
Año
Categoría
Película
Resultado
2001
Mejor actriz
Moulin Rouge
Ganadora
2003
Mejor actriz
Cold Mountain
Candidata
2004
Mejor actriz
Birth
Nominada
Broadcast Film Critics Association Awards
Año
Categoría
Película
Resultado
1995
Mejor actriz
Todo Por Un Sueño
Ganadora
2001
Mejor actriz
Moulin Rouge
Nominada
2002
Mejor actriz
Las Horas
Nominada
2003
Mejor actriz
Cold Mountain
Nominada
2009
Mejor Reparto
NINE
Nominada
Las Vegas Film Critics Society Awards
Año
Categoría
Película
Resultado
2003
Mejor actriz
Cold Mountain
Nominada
2002
Mejor actriz
Las Horas
Ganadora

Kansas City Film Critics Circle Award
Año
Categoría
Película
Resultado
2002
Mejor actriz
Las Horas
Ganadora
Embajadora de Buena Voluntad de UNIFEM
El mes de enero del 2006, Nicole Kidman fue nombrada embajadora de buena voluntad del Fondo de las Naciones Unidas para las Mujeres (UNIFEM). En este organismo de las Naciones Unidas, Nicole Kidman trabaja para dar a conocer la situación en la que viven muchas mujeres en el mundo y, sobre todo, denunciar todos los tipos de violencia que padecen las mujeres.
Nicole Kidman realizó un viaje a Bosnia en octubre del 2006 para conocer de primera mano los proyectos de UNIFEM en la zona.
Referencias
1. ↑ IMBD. «Nicole Kidman».
2. ↑ «Nicole Kidman: 'Back to my core', 'Birthday Girl' is 'about the "unlikeness" of two people'». CNN. 18 de enero de 2002. http://archives.cnn.com/2002/SHOWBIZ/Movies/01/18/sun.kidman.intv/. Consultado el 3-7-2008.
3. ↑ msnbc (30 de noviembre de 2006). «Nicole Kidman highest paid female actor in film industry.».
4. ↑ La lucha de Nicole Kidman en el Congreso de EEUU
5. ↑ Stafford, Annabel: Kidman and the Kennedys honoured for their service, The Age, 14 de abril de 2007.
6. ↑ Celebrity Best Friends - Nicole Kidmand & Naomi Watts
7. ↑ Hugh Jackman Deborra-Lee Furness is good friends with Nicole
8. ↑ Luhrmann's inventive career
9. ↑ Nicole Kidman and Ewan McGregor share a joke
10. ↑ Nicole Kidman
11. ↑ Nicole Kidman Good Friends
12. ↑ Cf. Peraire Ferrer, Jacinto - Martínez Puche, José Antonio, Edith Stein y convertidos de los siglos XX y XXI, Madrid, Edibesa, 2009 (col. "El camino de Damasco, 7), pp. 304-310.
13. ↑ Satellite Awards
Enlaces externos
• Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Nicole Kidman.Commons
• Nicole Kidman en Cinearchivo.com (español)
• Ficha y filmografía de Nicole Kidman
• Nicole es mágica (en inglés)
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Nicole_Kidman"

viernes, 27 de agosto de 2010

Fotografiando a celebrities


Mark Liddell

Mark Liddell jamaicano de nacimiento, es uno de los fotógrafos más buscados por músicos, supermodelos y medios de comunicación en Hollywood. Liddell comenzó a retratar moda y digo retratando, porque la fotografía es una cosa, pero el retrato es un concepto que requiere de un alto estándar en términos de arte y eso es lo que él logra en sus imagenes. Su estilo reúne lo que él considera cuatro elementos esenciales: la fuerza, la sensualidad, la seducción y el soul.
Gracias a una exposición de la Fundación de la Princesa de Gales se convirtió en el fotógrafo más buscado por actrices y supermodelos.
Sobre su apasionante trabajo Liddell opina “He visto la mejor y la peor cara de las grandes celebridades. Los he visto vulnerables, derramando lágrimas de verdad. He tenido que convertirme en un terapeuta y el mejor amigo por un día . Las celebridades confían en mí, y yo aprendí rápidamente que esta confianza es el elemento más importante para una sesión exitosa “.
Exposed: 10 Years In Hollywood es un libro muy interesante, por un lado, las imágenes son realmente una obra de arte. Puedes fácilmente comprender por qué Mark Liddell se ha convertido en uno de los más buscados fotógrafos de Hollywood.
Uno de los apartados que más me gusto en el libro fue el photoshoot de Avril Lavigne y la muñeca, Mark Liddell explica cómo surgió la idea de Avril y cómo la llevaron a cabo.



Las imágenes están impresas en papel brillante de espesor grueso. La calidad de impresión es alta y las dimensiones son de 11 por 13 pulgadas.
Gracias a su alto nivel, Mark Liddell se da el lujo de seleccionar a las celebridades con las que va a trabajar. Él no es muy técnico, pero si trabaja para hacer que el mundo interior de los retratados aflore.
Otro plus del libro y que le da más valor al proyecto editorial, es que el artista no lucra con esta joya: sus ganancias serán donadas a dos grandes proyectos; uno que se encarga de la prevención de suicidios en personas homosexuales, bisexuales y transgénero y al Proyecto Trevor que ayuda a mujeres víctimas de abuso doméstico.
Definitivamente este libro recoge grandes momentos irrepetibles de celebridades como Beyonce, Charlize Theron, Cindy Crawford, Heath Ledger, John travolta, Kate Moss, Keira Knightley, Nicole Kidman y Monica Bellucci. Liddell es uno de los fotógrafos de mayor renombre internacional y prestigio en el mundo editorial.
http://foco.me/%E2%80%9Cexposed-10-years-in-hollywood%E2%80%9D-de-mark-liddell/
Libro:
“Exposed: 10 Years In Hollywood” de Mark Liddell

jueves, 26 de agosto de 2010

La forma sigue a la funcion by W.G.


Walter Gropius

Walter Adolph Georg Gropius


Información personal
Nacimiento
18 de mayo de 1883
Berlín, Imperio alemán
Defunción
5 de julio de 1969 , 86 años
Boston, Estados Unidos
Carrera profesional
Estudio
TAC
Obras representativasDesplegar
Premios
Medalla de Oro del RIBA
Walter Adolph Georg Gropius ( * 18 de mayo de 1883 - 5 de julio de 1969) fue un arquitecto, urbanista y diseñador alemán.
Contenido

• 1 Vida
• 2 La "Das Staatliches Bauhaus"La Bauhaus
• 3 Obra
• 4 Obras representativas
• 5 Enlaces externos
Vida
Walter Gropius nació en Berlín, hijo y nieto de arquitectos. Estudió arquitectura en Múnich y en Berlín. Después de sus estudios trabajó durante tres años en el despacho de Peter Behrens y a continuación se independizó. Entre 1910 y 1915 (año de su matrimonio con Alma Mahler) se dedicó principalmente a la reforma y ampliación de la fábrica de Fagus en Alfeld. Con sus estructuras metálicas finas, sus grandes superficies acristaladas, sus cubiertas planas, y sus formas ortogonales, esta obra se convirtió en pionera de la arquitectura moderna.
Gropius fue el fundador de la famosa escuela de diseño Escuela de la Bauhaus, en la que se enseñaba a los estudiantes a utilizar materiales modernos e innovadores para crear edificios, muebles y objetos originales y funcionales. Ocupó el cargo de esta escuela, primero de Weimar y luego en Dessau, desde 1919 hasta 1928.
A partir de 1926 ,Gropius se dedicó intensamente a los grandes bloques de viviendas, en los que veía la solución a los problemas urbanísticos y sociales. También abogó en favor de la racionalización de la industria de la construcción, para permitir construir de forma más rápida y económica. Diseñó numerosos complejos de viviendas, en los que aplicó sus ideas.
La "Das Staatliches Bauhaus"La Bauhaus
Walter Gropius, en Weimar (Alemania). Funda en 1919 una escuela de diseño, arte y arquitectura.
Antes de la primera guerra mundial, Gropius ya formaba parte de un movimiento de renovación estética, representado por la Deutscher Werkbund, que pretendía unir el arte con el diseño industrial.
Al finalizar la guerra, Gropius en su papel de director de la Sächsischen Kunstgewerbeschule (Escuela de Artes y Oficios) y de la Sächsischen Hochschule für bildene Kunst (Escuela Superior de Bellas Artes), decide fusionarlas en una sola Escuela que combinara los objetivos académicos de cada una y a la cual se le agregaría una sección de arquitectura.
Walter Gropius llamó a la nueva escuela "Das Staatliches Bauhaus".
El mismo edificio construido para la escuela manifiesta, los valores más representativos de La Bauhaus.
Uno de los principios establecidos por La Bauhaus desde su fundación: " La forma sigue a la función"
La construcción completa es el objetivo de todas las artes visuales. Antes, la función más noble de las bellas artes era embellecer los edificios, constituían componentes indispensables de la gran arquitectura. Hoy las artes existen aisladas… Los arquitectos, los pintores y escultores deben estudiar de nuevo el carácter compositivo del edificio como una entidad… El artista es un artesano enaltecido.
Obra
En 1934 Gropius se exilió de Alemania al sufrir agresiones de los Nazis a su trabajo y a la escuela Bauhaus. Vivió y trabajó tres años en Inglaterra y después se trasladó a los Estados Unidos, donde fue profesor de arquitectura en la escuela de diseño de Harvard. En 1946 fundó un grupo de jóvenes arquitectos, que se denominó The Architects Collaborative, Inc., más conocido como TAC. Durante varios años se ocupó personalmente de dirigir y formar el grupo.
Los edificios de Gropius reflejan el más puro estilo de la Bauhaus, ya que están construidos con materiales nuevos, que les confieren un aspecto moderno, desconocido en aquella época. Sus fachadas son lisas y de líneas claras, y carecen de elementos ornamentales innecesarios. Con ello, Gropius ha sido uno de los creadores del llamado "estilo internacional" en la arquitectura.
Gropius murió en Boston a los 86 años de edad.
Obras representativas


Edificio de la Bauhaus, Dessau.
• Fábrica de porcelana Rosenthal (Selb, Alemania)
• Ciudad Gropius (Berlín)
• Torre PanAm (Nueva York)
• Universidad de Bagdad (Bagdad)
• Edificios Packaged House System (Lincoln, Massachusetts)
• Fábrica de zapatos Fagus (Alfeld an der Leine, Alemania)
También trabajo en los siguientes poryectos: 1911-1925 Fábrica Fagus, Alfeld an der Leine, Alemania.
1914 Edificios de oficinas y fábricas en el Werkbund, Colonia, Alemania.
1920-1921 Casa Sommerfeld, Berlín, Alemania
1920-1922 Monumento Memoria Víctimas Golpe Estado de Kapp, Weimar, Alemania.
1922 Proyecto Chicago Tribune Tower, Chicago, EE. UU.
1924 Casa Auerbach, Jena, Alemania.
1925-1926 Edificio de la Bauhaus, Dessau, Alemania.
1925-1926 Casas de los maestros de la Bauhaus, Dessau, Alemania.
1926-1928 Colonia Törten, Dessau, Alemania.
1927 Proyecto Teatro total.
1927-1929 Oficina de empleo, Dessau, Alemania.
1928-1929 Colonia Dammerstock, Karlsruhe, Alemania.
1929-1930 Colonia Siemensstadt, Berlín, Alemania.
1934 Sección de metales no férreos Exposición "Deutsches Volk - Deutsche Arbeit", Berlín, Alemania.
1935-1936 Casa Ben Levy, Londres, Reino Unido.
1938 Casa Gropius, Lincoln, EE. UU.
1948-1950 Graduate Center de la Universidad de Harvard, Cambridge, EE. UU.
1955-1957 Bloque de viviendas en la Interbau, Berlín, Alemania.
1958-1963 Pan Am Airways Building (Met Life Building), Nueva York, EE. UU.
1967-1970 Fábrica de vidrio Thomas, Amberg, Alemania.
1976-1979 Archivos de la Bauhaus, Berlín, Alemania.
Sacado de www.soloarquitectura.com
Enlaces externos
• Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Walter Gropius. Wikiquote
• Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Walter Gropius.Commons
• Biografía de Walter Gropius
• Biografía y proyectos

jueves, 19 de agosto de 2010

Cuando el talento es maldito



La expresión tan repandida “poetas malditos” tiene su origen en un libro de Paul Verlaine llamado “Les poetes maudits”, publicado en 1888. El escritor francés escribe ese texto como una suerte de homenaje a su amigo poeta y amante Arthur Rimbaud y en él evoca y elogia a toda una serie de poetas contemporáneos como Tristan Corbiere o Stéphane Mallarmé, realizando una verdadera galería de la poesía francesa de fin de siglo. De más está decir que el libro de Verlaine le sirvió a muchos de esos poetas hasta ahora desconocidos a afirmarse en el terreno literario galo.
El uso de la expresión “poetas malditos”, ante la influencia de la obra de Verlaine, se extendió a todos los dominios nacionales y pasó a designar así a todo aquel escritor talentoso, poco importase su nacionalidad, que presentase un dejo de incomprensión social y una cierta tendencia provocante (léase autodestructiva por el consumo de drogas o alcohol) y cuyos textos, dado su alto nivel de codificación poética, fuesen de oscuros significados.
Podríamos agregar, casi como una extraña coincidencia, que la mayoría de estos poetas padecieron una muerte abrupta y prematura, antes de que su herencia literaria fuese ampliamente reconocida: Arthur Rimbaud, ya es bien sabido, escribió todo lo que tenía que escribir hasta la edad de 21 años para luego partir a Africa y morir a los 37 años;Tristan Corbière muere en 1875 a la temprana edad de 29 años, luego de una vida de soledad y enfermad; Baudelaire muere a los 46 años luego de ser perseguido durante 10 años por “ofensa a la moral religiosa y a las buenas costumbres” luego de la publicación de su obra maestra “Las flores del mal“; Edgan Allan Poe fallece a los 40 años bajo circunstancias oscuras -aparentemente lo habrían emborrachado y drogado. Y la lista podría seguir extendiéndose.


El adjetivo maldito tendría entonces que ver con una temprana actitud de oposición frente a la sociedad, una vida complicada y una difícil interpretación poética. A partir de ésto podemos decir que la noción de “poeta maldito” se focaliza en el concepto de incomprensión: incomprensión social e incomprensión literaria.
La idea de incomprensión lleva consigo toda la estética del movimiento romántico de principios del S XIX que veía en la personalidad del artista a un genio incomprendido. Según Baudelaire, el genio (cuando digo genio lo utilizo en su concepción romántica, es decir como sinónimo de artista) es un reloj que adelanta. La hora del artista va delante de la hora del resto de los mortales. Esta definición implica que el genio está siempre adelantado a su época y que, a causa de ese adelantamiento, no puede ser entendido. Pero “entendido” en el sentido más amplio del vocablo francés “entendu“: comprendido y oído. Desde el punto de vista etimológico, el verbo entendre tiene una particular evolución desde el latín hasta el francés contemporáneo. Entendre comparte su origen con el “entender” español, ambos vienen del latín intendere, “tender algo hacia algún lado”. Pero, como toda lengua es metafórica, pasó a significar primero, en el sentido figurado, “tender, dirigir su mirada o su mente hacia” y más tarde “prestar atención, escuchar, comprender”. En el francés antiguo se podía utilizar bajo tres acepciones:
En el área lingüística de la audición: “tender la oreja”, lo que implicaba una actitud activa del sujeto (sinónimo de “interesarse por” o “prestar atención”) o “recibir por medio de la oreja”, lo que significaba una posición pasiva (sinónimo de “oir”);
En el área del intelecto: “comprender”;
En el área de la voluntad: “tener la intención de” (recordemos la raiz latina “tendere”, “tender”, y su cercanía lingüística con la idea de “tensión” y entonces con “in-tención”- en francés “intention”);
Hoy en día en Francia entendre es utilizado ampliamente como sinónimo de “oir” (ouïr en francés). Todas sus otras acepciones han perdido una buena parte de su uso.
Sin embargo, la pluralidad semántica del verbo francés entendre nos ayuda a comprender mejor la idea de Baudelaire. El poeta maldito no puede ser ni comprendido (el verbo entendre tomado según su acepción intelectual) ni escuchado (entendre en el sentido contemporáneo que le otorga el habla francesa). Esta incomprensión total es la base de la superioridad del artista (su reloj adelanta).
Pero al mismo tiempo, e irónicamente, esta incomprensión de la genialidad del artista es lo que justificó (sigue justificando dirán algunos) todo el trabajo del crítico literario. Esto significa lo siguiente: como el artista adelanta y como ese adelantamiento vuelve difícil su comprensión pública, el rol del crítico sería el de intentar acercar la obra del genio al simple lector mediante la interpretación acertada de la potencia estética de la obra del escritor maldito. El trabajo del crítico consistiría en develar, descubrir, la significación oculta en los oscuros e incomprendidos versos del poeta. Su labor sería entonces la de un relojero que busca poner en hora al reloj del público.
Ahora bien, al principio de este texto afirmé, al pasar, que los poetas malditos se estaban extinguiendo. Antes de que alguno ponga el grito en el cielo explicaré a lo que me refiero: lo que está desapareciendo es la visión del artista como genio cuyo reloj adelanta. Ahora, con la evolución de los sistemas de comunicación y el aumento de la velocidad en la producción-recepción de los mensajes, la hora del público está tendiendo a acercarse a la hora del artista. La producción y la recepción se producen casi simultáneamente y, cada vez más, las esferas cambian de lugar: el receptor se vuelve productor y viceversa. Las producciones literarias interactivas y on line se dirigen hacia una participación activa del lector, que en un abrir y cerrar de ojos se vuelve escritor, proponiendo sus textos y corrigiendo los textos de otros. De esta manera el escritor y el lector comparten ya el mismo tiempo, el mismo horario: el tiempo real.

http://www.leergratis.com/literatura/poetas-malditos.html

Simbolos, arte y espiritualidad


Simbolismo



La mort du fossoyeur ("La muerte del sepulturero") de Carlos Schwabe forma un compendio visual de los principales temas del simbolismo. Muerte, ángeles, nieve y las dramáticas poses de los personajes.
El Simbolismo fue uno de los movimientos artísticos más importantes de finales del siglo XIX, originado en Francia y en Bélgica. En un manifiesto literario, publicado en 1886, Jean Moréas definió este nuevo estilo como «enemigo de la enseñanza, la declamación, la falsa sensibilidad y la descripción objetiva». El movimiento tiene sus orígenes en Las flores del mal, libro emblema de Charles Baudelaire. Los escritos de Edgar Allan Poe, a quien Baudelaire apreciaba en gran medida, fueron también un gran influyente en el movimiento, concediéndole la mayoría imágenes y figuras literarias que utilizaría. La estética del Simbolismo fue desarrollada por Stéphane Mallarmé y Paul Verlaine en la década de 1870. Ya para 1880, el movimiento había atraído toda una generación de jóvenes escritores cansados de los movimientos realistas. Fue definido en su momento como un movimiento oscuro y enigmático debido al uso exagerado de metáforas que buscaban evocar afinidades ocultas por medio de la sinestesia.

Contenido
• 1 Evolución
o 1.1 Orígenes y precursores
o 1.2 La llegada de los poetas malditos
• 2 Movimiento
o 2.1 Definición y estilo
o 2.2 El manifiesto simbolista
o 2.3 Simbolismo literario hispano
• 3 El simbolismo en otras artes
o 3.1 La escultura simbolista
o 3.2 Pintura simbolista
o 3.3 Simbolismo pictórico
 3.3.1 Los representantes
 3.3.2 La escuela de Pont-Aven
 3.3.3 Los nabis
• 4 Referencias
• 5 Enlaces externos

Evolución
Orígenes y precursores


Le Coin de table, retrato colectivo pintado por Henri Fantin-Latour (1872, Museo de Orsay). Paul Verlaine‎ y Arthur Rimbaud sentados a la izquierda.
El Simbolismo fue en sus comienzos la reacción literaria en contra del Naturalismo y Realismo, movimientos anti-idealísticos que exaltaban la realidad cotidiana y la ubicaban por encima del ideal. Estos movimientos provocaron un fuerte rechazo en la juventud parisina, llevándolos a exaltar la espiritualidad, la imaginación y los sueños. El primer escritor en reaccionar fue el poeta francés Charles Baudelaire, hoy considerado padre de la lírica moderna y punto de partida de movimientos como el Parnasianismo, Decadentismo, Modernismo y el Simbolismo. Sus obras, entre las que destacan Las flores del mal, Los pequeños poemas en prosa y Los paraísos artificiales, fueron tan renovadoras, que incluso algunas de ellas fueron prohibidas por considerarse oscuras e inmorales retratando sin tapujos el uso de drogas, sexualidad y satanismo. El primer movimiento descendiente de esta ideología sería el Parnasianismo.
La separación entre simbolistas y parnasianos se provocó al no compartir los primeros el apoyo al verso perfecto de los parnasianos. El Simbolismo se fue dirigiendo más bien al hermetismo, permitiendo versificacion libre, y desdeñando la claridad y objetividad del Parnasianismo. Aunque sin embargo varias características parnasianas fueron acogidas, como su gusto por los juegos de palabras, la musicalidad en los versos y, más que nada, el lema de Théophile Gautier del arte por el arte. Los movimientos quedaron completamente separados cuando Arthur Rimbaud se mofó del estilo perfeccionista parnasiano, publicando varias parodias sobre el modo de escribir de sus más prominentes figuras.[cita requerida]
La llegada de los poetas malditos
Otros dos precursores del simbolismo fueron los franceses Arthur Rimbaud y Paul Verlaine. Estos dos poetas, que para esa época tenían una azarosa relación amorosa, fueron decisivos para el arranque del movimiento. Rimbaud, que contaba con 17 años, fue el más influyente, al buscar lo que llamó su alquimia del verbo en la cual trataba de convertirse en vidente por medio del desarreglo de todos los sentidos. Con este pretexto pasó a sumirse, junto a Verlaine, en toda una ola de excesos. Vagabundeaba día y noche por las calles de París para luego presentarse en las reuniones literarias con la ropa sucia o en estado etílico, hechos que rápidamente le dieron mala fama y el sobrenombre de enfant terrible. Sus obras más representativas y únicas fueron Una temporada en el infierno e Iluminaciones.
En cuanto a Verlaine, su libro de crítica literaria Los poetas malditos se covirtió en el más influyente escrito dentro del Simbolismo hasta esa época, mostrando la verdadera esencia del movimiento. En él se exponían ensayos sobre Tristan Corbière, Arthur Rimbaud, Stéphane Mallarmé, Marceline Desbordes-Valmore, Villiers de L'Isle-Adam, y "Pobre Lelian" (anagrama del propio Verlaine); poetas a los cuales Verlaine bautizó como malditos.
Verlaine expuso que dentro de su individual y única forma, el genio de cada uno de ellos había sido también su maldición, alejándolos del resto de personas y permitiéndoles de esta forma acoger el hermetismo y la idiosincrasia como formas de escritura. También fueron retratados como desiguales respecto a la sociedad, teniendo vidas trágicas y entregados con frecuencia a tendencias autodestructivas; todo esto como consecuencia de sus dones literarios. El concepto de Verlaine del poeta maldito fue en parte tomado del poema de Baudelaire llamado Bendición, que inicia su libro Las flores del mal.
Después de esto, Paul Verlaine se convertió rápidamente en el líder del decadentismo y Stéphane Mallarmé (1842–1898) pasó a ser la figura más representativa del simbolismo, en especial después de publicar su libro Una tirada de dados jamás abolirá el azar, creando un lenguaje hermético cercano al antiguo culteranismo español y a la sintaxis del inglés y reuniendo semana a semana a decenas de escritores en su casa.
Movimiento
Definición y estilo


El pecado por Franz Stuck
La poesía simbolista busca vestir a la idea de una forma sensible, posee intenciones metafísicas, además intenta utilizar el lenguaje literario como instrumento cognoscitivo, por lo cual se encuentra impregnada de misterio y misticismo. En cuanto al estilo, basaban sus esfuerzos en encontrar una musicalidad perfecta en sus rimas, dejando a un segundo plano la belleza del verso. Intentaban encontrar lo que Charles Baudelaire denominó la teoría de las «correspondencias», las secretas afinidades entre el mundo sensible y el mundo espiritual. Para ello utilizaban determinados mecanismos estéticos, como la sinestesia.
El manifiesto simbolista
Los simbolistas creían que el arte debía apuntar a capturar las verdades más absolutas, las cuales sólo podían ser obtenidas por métodos indirectos y ambiguos. De esta forma, escribieron con un estilo altamente metafórico y sugestivo. El manifiesto simbolista, publicado por Jean Moréas, definía al Simbolismo como enemigo de la enseñanza, la declamación, la falsa sensibilidad, la descripción objetiva y señalaba que su objetivo no está en sí mismo, sino en expresar el Ideal:
"Ainsi, dans cet art, les tableaux de la nature, les actions des humains, tous les phénomènes concrets ne sauraient se manifester eux-mêmes ; ce sont là des apparences sensibles destinées à représenter leurs affinités ésotériques avec des Idées primordiales."
(En este arte, las escenas de la naturaleza, las acciones de los seres humanos y todo el resto de fenómenos existentes no serán nombrados para expresarse a sí mismos; serán más bien plataformas sensibles destinadas a mostrar sus afinidades esotéricas con los Ideales primordiales. )
Simbolismo literario hispano
El simbolismo literario hispano, con algunos importantes antecedentes peninsulares como Gustavo Adolfo Bécquer y Salvador Rueda, se subsumió en un movimiento más general conocido como Modernismo, que empezó en Hispanoamérica. Se encuentra Simbolismo ya en los cubanos Julián del Casal y José Martí, en el colombiano José Asunción Silva, en el mexicano Manuel Gutiérrez Nájera y otros autores posrománticos americanos como el argentino Leopoldo Lugones,el uruguayo Julio Herrera y Reissig, José Antonio Ramos Sucre, Ricardo Jaimes Freyre, Amado Nervo, Salvador Díaz Mirón, Guillermo Valencia, o el peruano, José María Eguren; Rubén Darío, gran introductor del Modernismo en España, lo asimiló y difundió. En España lo cultivaron Antonio y Manuel Machado, Juan Ramón Jiménez, Francisco Villaespesa y Ramón Pérez de Ayala entre los más importantes.
El simbolismo en otras artes
Paralelamente a la preocupación del impresionismo por la pintura al aire libre contra el academicismo oficial y a los intentos de construcción científica de la pintura por el llamado puntillismo, se desarrolla una nueva concepción sobre la función y objeto de la pintura. Los simbolistas —cuyos precedentes se encuentran en William Blake, los nazarenos y los prerrafaelitas— propugnan una pintura de contenido poético.
El movimiento simbolista reacciona contra los valores del materialismo y del pragmatismo de la sociedad industrial, reivindicando la búsqueda interior y la verdad universal y para ello se sirven de los sueños que gracias a Freud ya no conciben únicamente como imágenes irreales, sino como un medio de expresión de la realidad.
El Simbolismo no pudo desarrollarse mediante un estilo unitario; por eso, se hace muy difícil definirlo de forma general. Es más bien un conglomerado de encuentros pictóricos individuales.
Necesitó desde un principio de un idioma pictórico abstractivo. En consecuencia, los pintores hicieron uso de un vocabulario de formas lineal y ornamental y de una composición del cuadro antinaturalista. Son especialmente estos elementos abstractivos y acentuados en la linealidad, así como las relaciones composicionales inmanentes al cuadro, los que hacen del Simbolismo el precursor del tan cercano Modernismo. En Gustave Moreau existe una visión particular sobre la belleza, el amor y la muerte. Pierre Puvis de Chavannes parece perpetuar la claridad y el rigor compositivo del clasicismo combinado con colores planos y claros. Sus obras parecen vacías de movimiento y de luz. Odilon Redon encamina sus esfuerzos hacia la representación de ideas, de tal manera que su obra se aproxima a lo que más tarde será la estética surrealista.
El Simbolismo es una tendencia que supera nacionalidades, límites cronológicos y estilos personales. Podemos encontrar figuras tan dispares como Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, Gustav Klimt, Edvard Munch, etc. Para complicar más la cuestión, el Simbolismo derivará en una aplicación bella y cotidiana de honda raigambre en el arte europeo de fines del siglo XIX y principios del XX: el Art Nouveau. El Simbolismo pretende restaurar significado al arte, que había quedado desprovisto de éste con la revolución impresionista. Mientras que otros neoimpresionistas se inclinan por ramas científicas o políticas, el Simbolismo se decanta hacia una espiritualidad frecuentemente cercana a posiciones religiosas y místicas. La fantasía, la intimidad, la subjetividad exaltada sustituyen la pretenciosa objetividad de impresionistas y neo-impresionistas. Continúan con la intención romántica de expresar a través del color, y no quedarse solamente en la interpretación. Ahí encontramos el nexo de unión con el resto de neo-impresionistas, puesto que las teorías del color local y los efectos derivados de las yuxtaposiciones de primarios, complementarios, etc., les resultarán muy útiles a la hora de componer sus imágenes, muy emotivas, como en la casi violenta visión de la pasión amorosa que Klimt ofrece en su Dánae.
Los simbolistas encontraron un apoyo paralelo en los escritores: Charles Baudelaire, Jean Moréas, en contra del naturalismo descarnado de Zola. En cuanto a la escultura, Rodin fue el más cercano a sus planteamientos, y pese a todo, íntimamente ligado a los presupuestos del gran escultor impresionista Edgar Degas. Muy cercana a los planteamientos del Simbolismo, en cuyo seno se inscribe, se sitúa la Escuela de Pont-Aven, una de las primeras en definirse como tal. Pont-Aven es una pequeña localidad rural de la Bretaña francesa, a donde se dirigió en 1886 un grupo de pintores neo-impresionistas. El primero de todos fue Émile Bernard, que trataba de recuperar la integridad de lo rústico, de lo arcaico, en una región totalmente ajena a los avances de la vida moderna. Bernard cultivó un estilo muy personal de colores planos, perfectamente delimitados en contornos silueteados.
La escultura simbolista
El Simbolismo posee una estética académica, y se presta más a las realizaciones escultóricas de vanguardia. Junto con Rodin destacan Aristide Maillol (1861–1944), que es el gran maestro de la escultura simbolista. La noche, Isla de Francia, Flores en la pradera, Venus, Flora, El río. También destacan Adolf von Hildebrand, Estatua ecuestre del príncipe regente, Medardo Rosso, Niño enfermo, Cabeza de niño, Emile-Antoine Bourdelle, Hércules arquero.
Pintura simbolista
En el ámbito de la pintura, el simbolismo encuentra exponentes como Gustave Moreau (frances que nace en 1826 y muere en 1898). Sus pinturas más destacadas son "Jupiter y Semele", "Europa y el toro" y "los unicornios". También está el artista Odilon Redon, otro frances que nace en 1840 y fallece en 1915. Como obras importantes, hay que destacar "El carro de Apolo", "Druida" y "viejo alado con larga barba". Hay que destacar también a "Los Nabis", un grupo de tres artistas que son Félix Valloton ( suizo, 1865-1925) (obra: "la pelota"), Pierre Bonnard (frances, 1867-1947) (obra: "Mujeres en el jardín") y Edouard Vuillard (frances 1868-1940) (obras: "jardines publicos" y "los dos escolares") y finalmente con Néstor Martín-Fernández de la Torre desaparece el simbolismo tras su muerte, ya que él lo representaba siempre en todos sus pinturas.
Simbolismo pictórico
Pictóricamente las características más relevantes son las siguientes:
• Color: a veces se utilizaban colores fuertes para resaltar el sentido onírico de lo sobrenatural. Del mismo modo el uso de colores pasteles, por parte de algunos artistas, junto con la difuminación del color, perseguía el mismo objetivo.
• Temática: Pervive un interés por lo subjetivo, lo irracional, al igual que en el romanticismo. No se quedan en la mera apariencia física del objeto sino que a través de él se llega a lo sobrenatural, lo cual va unido a un especial interés por la religión. Los pintores y poetas ya no pretenden plasmar el mundo exterior sino el de sus sueños y fantasías por medio de la alusión del símbolo. La pintura se propone como medio de expresión del estado de ánimo, de las emociones y de las ideas del individuo, a través del símbolo o de la idea.
Una de las novedades más importantes, a nivel temático, es el de la mujer fatal. Surge la unión entre el Eros y el Thanatos y en ello subyace una nueva relación entre sexos.
A la pintura se la define con conceptos como ideista (de ideas), simbolista, sintética, subjetiva y decorativa.
• Técnicas: Lo que une a los artistas es el deseo de crear una pintura no supeditada a la realidad, en oposición al realismo, y en donde cada símbolo tiene una concreción propia en la aportación subjetiva del espectador y del pintor. No hay una lectura única, sino que cada obra puede remitir cosas distintas a cada individuo. Su originalidad, pues, no estriba en la técnica, sino en el contenido.
Los simbolistas españoles estuvieron fuertemente influidos por el arte de los precursores, entre los que destacan Gustave Moreau, Pierre Puvis de Chavannes, Arnold Böcklin, Edward Burne-Jones y Robert Bresdin.
Muchos se decantaron solamente con el auténtico exponente del Simbolismo. Odilon Redon, que cultivó un estilo de colores puros y una temática fantasiosa, buscaba una síntesis entre el sueño y la vida. Sin embargo, ya se habían manifestado estas ideas en el Gauguin de la Escuela de Pont-Aven y en sus seguidores.
Posteriormente, los Nabis, segunda generación simbolista, aspiraron a traducir estas ideas en forma de vida y en activas reformas. Al contrario que el impresionismo, escuela concreta y localizada básicamente en Francia, el Simbolismo fue un gran movimiento que también se extendió a España. Se difundió a partir de 1890, y adoptó diferentes interpretaciones. En Cataluña cabe señalar la obra de Joan Brull, Adrià Gual y del Santiago Rusiñol de mediados de los años de 1890. En el seno del Simbolismo tomó también cuerpo una tendencia que acentuaba ciertos trazos de sus figuraciones, lo que desequilibraba la representación objetivista de las cosas en un sentido fuertemente expresivo.
En Bélgica cabe señalar la obra de Jean Delville, Fernand Khnopff y Degouve de Nuncques, en la línea del culto a lo misterioso. Esta tendencia, que tiene un precursor claro en el belga Félicien Rops, está representada por Jan Toorop, una de las figuras clave, junto a Klimt, del Simbolismo pictórico.
En Italia, por el contrario, el Simbolismo tuvo una fuerte base de minucioso realismo en la obra de Gaetano Previati, Giovanni Segantini y Pellizza da Volpedo.
También en Alemania el arte simbolista se caracterizó por una técnica muy realista, pero con una temática idealista; destaca aquí Ferdinand Hodler (Suizo).
En los países escandinavos se caracteriza por una visión austera y una acusada expresión de la soledad, con artistas como V. Hammershoi, Harald Sohlberg, Thorárinn B. Thorláksson y Magnus Enckell. La excepción sería el fines Akseli Gallen-Kallela, inclinado hacia la mitología.
Cabe señalar la marcada influencia del Simbolismo en movimientos posteriores, como el Art nouveau o el Surrealismo.
Los representantes
• Gustave Moreau (1826–1898): gran dibujante y de gran virtuosismo técnico. Es un narrador de sueños y extrañas visiones. Su fuente de inspiración principal es la mitología.
• Gustav Klimt (1862–1918): sin duda uno de los más importantes representantes del Simbolismo, de cuyas obras se podrían destacar El beso, El friso de Beethoven, Palas Atenea, Judith I, Las tres edades de la mujer, Nuda Veritas y Dánae. La mayoría de sus cuadros están cargados de un sentido lírico-decorativo y retratan a mujeres fatales, jóvenes, pelirrojas y sensuales.
• Odilon Redon (1840–1916) es el más puro de los simbolistas. Representa lo mágico, lo visionario y lo fabuloso. El sueño, La Esfinge, El nacimiento de Venus, Las flores del mal, Mujer y flores.
• Pierre Puvis Chavannes (1824–1898) es el más idealista del grupo. Utiliza tintas planas, subordinadas a un buen dibujo. El pobre pescador, Bosque sagrado, Musas inspiradoras.
• Carlos Schwabe es un pintor de gran imaginación para plasmar imágenes oníricas. Es precursor del modernismo. Spleen e ideal, La boda del poeta y la musa.
• Leon Spilliaert: La travesía.
• Edward Robert Hughes: Un idilio de sueño.
• Herbert James Draper: Lamento de Ícaro.
• Franz von Stuck: El pecado.
• Néstor Martín-Fernández de la Torre : Considerado el último simbolista, con él murió el simbolismo.
La escuela de Pont-Aven
Artículo principal: Escuela de Pont-Aven
Desde 1873 la villa de Pont-Aven es frecuentada por los alumnos de la Escuela de Bellas Artes de París. En 1886 llega Gauguín y en 1888 se instala un grupo de pintores dispuestos a seguir sus enseñanzas al margen de la Academia. Participan en la exposición del Café Volpini en 1889. Ese mismo año, Gauguín marcha para Tahití y el grupo se desvanece.
Sus obras se caracterizan por el uso libre del color —pueden pintar la hierba roja si así lo sienten—, que se aplica en grandes manchas y con tintas planas. Utilizan el cloisonismo. El resultado es una obra altamente decorativa. En esta forma de pintar ha influido mucho el conocimiento del arte primitivo y las estampas japonesas. Existe una voluntad de sintetizar las formas. Son una síntesis entre el estilo impresionista y el simbolista por lo que pueden ser considerados simbolistas, por su espíritu.
Entre los pintores más destacados de Pont-Aven están Emile Bernard: Bretones bailando en la pradera, Charles Laval: Autorretrato, Jacob Isaac Meyer Haan: Bretonas tejiendo cáñamo, Paul Sérusier: Naturaleza muerta con escalera, Claude-Emile Schuffenecker: Los acantilados de Concarneau, Cuno Amiet, Louis Anquetin y Roderic O’Connor.
Los nabis
Artículo principal: Nabis (artistas)
Los nabis son seguidores de las ideas estéticas de la escuela de Pont-Aven, pero no pertenecen a la Academia, o son desertores. Nabis significa profetas, en hebreo. Intentaron que el Impresionismo se acercase al Simbolismo, por lo que se les puede considerar simbolistas. Su concepción estética es fundamentalmente decorativa, por lo que lo que se plasma en el cuadro es un juego de sensaciones, más que una construcción intelectual.
Utilizan colores planos, con un gran sentido estético. Tienen una libertad absoluta a la hora de utilizar el color y las composiciones. Usaron todo tipo de materiales en sus cuadros, pintura, cola, cartón, etc., para diferenciar texturas, pero sin llegar al collage. Proyectaron vidrieras y usaron litografías y grabados para expresarse.
Decoraron teatros, portadas de libros, revistas y cualquier cosa que les solicitasen, trabajando por encargo. Esto implicó, por un lado que sus obras fuesen ampliamente conocidas y por otro que no fuesen únicas, sino que se imprimían y repetían, dando a la obra de arte una nueva dimensión. La obra de arte deja de ser única, a pesar de ello no crearon escuela.
Entre los nabis destacan pintores como Pierre Bonnard: Retrato de Nathanson y la señora Bonnard, Edouard Vuillard: Autorretrato, Maurice Denis: Paisaje con árboles verdes, Félix Vallotton: La lectora, Ker Xavier Roussel: Montones junto al mar, Henri-Gabriel Ibels, y Paul Ranson. También pueden considerarse nabís los tres grandes simbolistas, Gustave Moreau, Odilon Redon y Chavannes.
Referencias
1. ↑ Balakian, Anna, The Symbolist Movement: a critical appraisal. Random House, 1967, ch. 2
2. ↑ Paul Verlaine, Les Poètes maudits
3. ↑ Charles Baudelaire, Bénédiction
4. ↑ Jean Moreas, Le Manifeste du Symbolisme, Le Figaro, 1886
Enlaces externos
• Arte del siglo XIX: Simbolismo
• El Simbolismo en pocas palabras
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lunes, 16 de agosto de 2010

Mujeres que dejaron su huella



Estas las mujeres más importantes, que con su trabajo o sus actos marcando a fuego en la memoria de toda la sociedad durante el siglo XX. Han sido protagonistas de la cultura, el arte, la moda o la política y han contribuido al desarrollo de la cultura y la sociedad del siglo.



Emmeline Pankust (1858-1928): Fue una de las fundadoras del movimiento sufragista británico. Su nombre, está asociado con la lucha por el derecho a voto para las mujeres en el período inmediatamente anterior a la Primera Guerra Mundial.
Marie Curie, científica (1867-1934) Fue galardonada dos veces con el Premio Nobel: una compartiéndolo con su marido y otro en solitario Aunque no pudo ir a la Universidad, debido a que no se permitía que las mujeres estudiar.
En París conoció al profesor Pierre Curie y juntos estudiaron la radioactividad y descubrieron los elementos del radio y del plomo. Murió a causa de las radiaciones a las que estuvo expuesta toda su vida.
Rosa de Luxemburgo, política feminista (1871-1919) Es la representante femenina del movimiento obrero internacional. Muy joven se interesó por la política y por el socialismo y debido a su activismo político tuvo que exiliarse a Zurich con 18 años.
Pasó en la cárcel la Primera Guerra Mundial y tras la guerra, fue una de las gestoras del Partido Comunista Alemán. Cuando la situación política de Alemania cambio y se produjo el advenimiento de la República con un gobierno de ideología derechista, ella siguió incansable, luchando por la dictadura del proletariado. Murió asesinada.
Isadora Ducan, bailarina (1878-1927) Fue la pionera de la danza moderna y una mujer subversiva para la época. Intentó crear su propia manera de bailar, creando un estilo propio y despreció el ballet clásico y sus normas. Fue la primera bailarina que aparcó las zapatillas de ballet para bailar descalza y el "tutú" por una túnica griega.
Su vida personal estuvo marcada por la tragedia: su marido y sus hijos murieron y ella misma tuvo un final trágico: mientras conducía murió estrangulada con su propio chal.
Virginia Woolf, escritora (1882-1941) Una de las mujeres más representativas del siglo. Luchó desde la literatura y el pensamiento por la libertad y la independencia de la mujer, participó activamente en el sufragismo y dio clases a las obreras.
Fue una intelectual en todo el sentido de la palabra, comprometida con los ideales de izquierdas y preocupada por el mundo del arte y la cultura. Su vida personal fue un auténtico desastre, y tras la II Guerra Mundial cayó en una grave depresión que terminó con su suicidio. Escribió obras como "Orlando" o "Las Olas".
Coco Chanel (1883-1971): Diseñadora y creadora de perfumes francesa, fue una verdadera revolucionaria dentro del mundo de la moda. Su nombre se debe a un diminutivo de mascota que le pusieron sus tías cuando quedó huérfana con 6 años. Tras la II Guerra Mundial se la acusó de colaboracionismo con el régimen nazi.
Coco renovó la moda femenina; creaciones suyas como e l traje sastre, las camelias de tela o las cadenas como complemento, no han perdido ni un ápice de actualidad.
Teresa de Calcuta, misionera (1910-1997) Nació en Albania e ingresó en un convento con sólo 18 años. Después decidió irse a la India, donde primero se dedicó a la enseñanza. Pero no era ésa su verdadera vocación, sino la de cirar a los pobres, los leprosos y los enfermos.
Fundó la orden de los Misioneros de la Caridad y abrió numerosas escuelas, hospitales y horfanatos. Recibió el premio Nobel de la Paz en 1979.
Indira Gandhi (1917-1984): Estadista y primera ministra de India desde el 19 de enero de 1966 hasta el 24 de marzo de 1977, y desde el 14 de enero de 1980 hasta su asesinato el 31 de octubre de 1984.
http://www.erroreshistoricos.com/curiosidades-historicas/899-las-mujeres-mas-influyentes-del-siglo-xx-parte-1.html

domingo, 15 de agosto de 2010

Arte vacio






Para el Tao, el vacío está en el comienzo, es del vacío de donde viene todo lo demás. Shitao al hablar de la pintura-escritura, dice que lo más importante, son los márgenes (espacios en blanco) que tienen una importancia capital: la profundidad del vacío.
François Cheng, al referirse al vacío en la pintura china: “Esta, solo puede existir (funcionar), gracias al vacío, que está siempre implícito. Sin el vacío, la pincelada, no implica luz y volumen, ritmo y color, no podría manifestar todas sus virtualidades.





Para el Tao, el vacío está en el comienzo, es del vacío de donde viene todo lo demás.
Shitao al hablar de la pintura-escritura, dice que lo más importante, son los márgenes (espacios en blanco) que tienen una importancia capital: la profundidad del vacío.
François Cheng, al referirse al vacío en la pintura china: “Esta, solo puede existir (funcionar), gracias al vacío, que está siempre implícito. Sin el vacío, la pincelada, no implica luz y volumen, ritmo y color, no podría manifestar todas sus virtualidades.
Así, en la realización de un cuadro, el vacío interviene en todos los niveles, desde las líneas básicas, hasta la composición. Es el signo, que le asegura al sistema pictórico su eficacia y unidad.”
Lacan, en el seminario Le Sinthome dice “El objeto de arte como producto, envuelve el vacío de goce, acotándolo.”
J. A. Miller, en el seminario “Lo que hace insignia”, expresa:”en el arte, el vacío de goce, es rodeado en la creación misma de un objeto”
El creador dibuja, contornea, vela el vacío para atrapar en una posible representación lo irrepresentable que constituye el objeto de arte.
El artista, al disponer de un saber hacer con el goce, “…eleva el objeto a la dignidad de la cosa”, sostiene Lacan.
Así, introduce la creación del objeto, en el Real, introduciendo en la repetición el encuentro, la Tyché, que se relaciona con la búsqueda de la causa.
El arte, va más allá de la satisfacción de la pulsiòn, es la creación de un objeto producido por el creador, a partir del vacío que genera la falta en el ser hablante.
François Cheng dirá: “el vacío que parte de un centro y circula de un nivel a otro, sigue un movimiento en espiral, como para desatar un nudo”.
François Regnault “el vacío es un punto de ser” El ser, se parece al no ser.
El ser, en tanto que ser, no es ni uno, ni múltiple.
Hay un indecible entre puro múltiple, inerte, y la pura transparencia de la operación, que consiste en contarlo como uno.
Es decir, hacer de el un conjunto.
El vínculo, es la sutura de esta operación con esa nada a la que llama vacío.
“Llamo vacío de una situación (de una cuenta) a esa sutura de su ser...el vacío, es el nombre del ser”.
Entonces, si el vacío es un punto de ser y no una región, una zona, es menos una causa, una estructura, una forma, sujeto, etc.
El vacío es un subconjunto de todos los conjuntos, está universalmente incluido.
Aristóteles dirá que “el vacío es un puro punto, y no el nombre de una materia.”.
Para Lacan, “el vacío es un punto de ontología en la materia “el punto de Das-Ding”
Incluso, en el nudo borromeo, la idea de creación, quiere decir que el vacío no es más que un punto.
“La obra de arte, en metáfora del vacío pero sin conexiones significantes y sin lazos metonímicos, es letra” expresa G. Brodsky.
Toda obra de arte, es un incalculable.


SHITAO, “Tratado de Estética”. Cáp. 1 (1641-1717)
CHENG, F. “Vacío y Plenitud” Cuadernos andaluces del psicoanálisis. Ed. Grupo de Estudios Andaluz EFP del campo freudiana. Málaga, España.1992.
LACAN, J.: Seminario “Le Sinthome”, inédito
MILLER, J. A.: Seminario “Lo que hace insignia”, Paidós, Buenos Aires, 1998

LACAN, J. Seminario “La ética del psicoanálisis”, Paidós, Buenos Aires, 1988


CHENG F.: Ob.Cit.


REGNAULT, F.: “Ex Nihilo” Freudiana No.32, Barcelona, España.

REGNAULT, F.: Ob.Cit.

http://www.elsigma.com/site/detalle.asp?IdContenido=6112

miércoles, 11 de agosto de 2010

El maestro y margarita por Mijaíl Bulgákov


Mijaíl Bulgákov



Nombre
Mijaíl Afanásievich Bulgákov
Nacimiento
15 de mayo de 1891
, Kiev, Imperio ruso
Defunción
10 de marzo de 1940 (48 años)
, Moscú
Ocupación
escritor, dramaturgo
Obras notables
El maestro y Margarita
Mijaíl Afanásievich Bulgákov (Михаил Афанасьевич Булгаков; 15 de mayo (3 de mayo Calendario juliano) de 1891 – 10 de marzo de 1940) fue un escritor y dramaturgo soviético de la primera mitad del siglo XX. Su obra más conocida es la novela El maestro y Margarita.

Contenido
• 1 Biografía
• 2 Primeras obras
• 3 Morfina
• 4 El maestro y Margarita
o 4.1 Relatos breves
o 4.2 Obras de teatro
o 4.3 Novelas
• 5 Bibliografía
• 6 Adaptaciones cinematográficas
• 7 Enlaces externos
Biografía
Mijaíl Bulgákov nació en Kiev, Ucrania, primogénito de un profesor de teología. Los hermanos Bulgákov se alistaron en el Ejército Blanco, y tras la guerra civil, acabaron en París, excepto Mijaíl. Mijaíl Bulgákov, que se alistó como doctor, acabó en el Cáucaso, donde empezó a trabajar como periodista. A pesar de su situación, relativamente privilegiada durante el régimen de Iósif Stalin, le impidieron emigrar o visitar a sus hermanos en Occidente.
En 1913 Bulgákov se casó con Tatiana Lappa. En 1916, se graduó en la Facultad de Medicina de la Universidad de Kiev. En 1921, se trasladó junto con Tatiana a Moscú. Tres años después, se divorció de su primera esposa y se volvió a casar con Liubov Belozérskaya. En 1932, Bulgákov se esposó, por tercera vez, con Yelena Shilovskaya. Durante la última década de su vida, Bulgákov siguió trabajando en El maestro y Margarita, escribió obras de teatro, críticas y relatos e hizo varias traducciones y dramatizaciones de novelas.
Bulgákov nunca apoyó al régimen, y se mofó del mismo en varias de sus obras. La mayor parte de ellas permaneció en los cajones de su escritorio durante varias décadas. En 1938 escribió una carta a Stalin solicitando permiso para emigrar. Como respuesta recibió una llamada personal del propio Stalin, pidiéndole explicaciones acerca de su petición. El escritor cuenta después cómo fue uno de los momentos más dramáticos de su vida pues, conmocionado, no se atrevió a reiterar su petición en aquél momento, por lo que perdió la oportunidad de salir del país. Dadas sus públicas discrepancias con el régimen, su notoriedad la llevó a ser aparentemente premiado con un puesto en el teatro de Moscú, llegando a estrenar allí algunas de sus obras, pero a la vez tuvo que soportar un constante acoso por parte del NKVD, que llegó a registrar su domicilio y a detenerle en más de una ocasión, siendo boicoteada la publicación de sus obras. Bulgákov murió a causa de un problema renal hereditario en 1940 y fue enterrado en el cementerio moscovita de Novodévichy.


Tumba de Mijaíl Bulgákov Cementerio Novodévichi.
Primeras obras
En vida, Bulgákov fue conocido sobre todo por las obras con las que contribuyó al Teatro Artístico de Moscú de Konstantín Stanislavski. Incluso después de que sus obras fueran prohibidas, Bulgákov escribió una comedia grotesca haciendo aparecer a Iván el Terrible en el Moscú de los años treinta. Este hecho pudo salvar su vida en el año fatídico de 1937, en el que casi todos los escritores que no apoyaban el liderazgo de Stalin fueron purgados.
Bulgákov comenzó a escribir prosa a principios de la década de 1920. A mediados de la década sintió admiración por la obra de H.G. Wells y escribió varias historias con elementos de ciencia ficción.
Morfina
"Ciclo de cuentos", que puede leerse como ficción novelesca, vertebrado en torno a las primeras aventuras médicas de un joven graduado en Medicina, trasunto del propio Bulgákov, la mayoría de los relatos dan testimonio del médico rural que fue el escritor, Estos relatos recuerdan los de William Carlos Williams, con su anecdotario de partos, amputaciones, traqueotomías, curaciones de sífilis, fracasos clínicos. Hay la diferencia entre un ruso y un norteamericano, aunque de épocas muy contiguas, y hay la superior voluntad narrativa de Bulgákov, que acredita una notoria pero sutil capacidad introspectiva y de distanciamiento respecto a la propia persona, con un toque inevitable de cierta comicidad. Todo ello en medio de un paisaje dominado obsesivamente por la nieve y relatado con agilidad y calidez. Mención aparte merece el relato más extenso del libro y que le da título, Morfina. Se trata del diario de un compañero del protagonista, el médico Poliakov, que deja a su muerte el estremecedor relato de esas páginas confesionales, que son la crónica de una destrucción, referida en términos turbadores, (Al parecer, Bulgákov fue morfinómano durante un tiempo). Quien escribía al comienzo de su terrible experiencia: "No puedo dejar de alabar a quien por primera vez extrajo la morfina de las cabecitas de las amapolas. Es un verdadero benefactor de la humanidad", este mismo sujeto acaba por confesar que "Me he destruido solamente a mí mismo". En su confesión afluyen momentos estremecedores: "La muerte de sed es una muerte paradisíaca, beatifica en comparación con la sed de morfina" Consciente del personaje que dibuja, el diarista anota: "En realidad no es un diario sino una historia clínica". O: "Si yo no estuviera marcado por mi formación de médico, afirmaría que normalmente el ser humano sólo puede trabajar después de una inyección de morfina".
El maestro y Margarita
La novela satírica El maestro y Margarita (Мастер и Маргарита), publicada por su esposa treinta años después de su muerte, en 1967, es la que ha otorgado la inmortalidad literaria a Bulgákov. Durante muchos años, el libro sólo se puedo conseguir en la Unión Soviética como samizdat, antes de su aparición por capítulos en el periódico Moskvá. En opinión de muchos, El maestro y Margarita es la mejor novela del período soviético. La novela contribuyó a crear varias frases hechas en lengua rusa, como por ejemplo, "los manuscritos no arden". Un manuscrito del maestro, destruido, constituye un importante elemento de la trama y, de hecho, Bulgákov tuvo que volver a escribir la novela de memoria, tras haber quemado el manuscrito él mismo.
Relatos breves
Obras de teatro
• Iván Vasílievich, 1936 (Иван Васильевич) — Iván el Terrible, gracias a la máquina del tiempo, llega a un congestionado apartamento en el Moscú de los años treinta
• Pushkin, 1940 (Пушкин или Последние дни) — Los últimos días del gran poeta ruso
• Batum (Батум) — Los primeros años de Stalin en Batumi
• El departamento de Zoia, 1925 (Зойкина квартира)
• Vida del señor Molière, 1936 (Мольер или Кабала святош)
• Días de los Turbín, 1926 (Дни Турбиных)
• Carrera, 1926-1928 (Бег)
Novelas
• El maestro y Margarita, 1928-1940 (Мастер и Маргарита)
• Morfina, 1926 (Морфий )
• Corazón de perro, 1925 (Собачье Сердце)
• Los huevos fatales, 1924 (Роковые яйца)
• Maleficios, 1925 (Дьяволиада)
• La Guardia Blanca, 1922-1924 (Белая гвардия)
• La isla púrpura, 1927 (Багровый остров)
• La novela teatral, 1936-1937 (Театральный роман или Записки покойника)
Bibliografía
• Bulgákov, Mijaíl: Las aventuras de Chichikov. Los huevos fatídicos. Vigo, Maldoror ediciones, 2007. Traducción: Jorge Segovia y Violetta Beck. - 113 p.
• Bulgákov, Mijaíl: Correspondencia (1926—1940). Vigo, Maldoror ediciones, 2006. Traducción: Jorge Segovia y Violetta Beck. - 118 p.
• Bulgákov, Mijaíl: Relatos de Moscú. Vigo, Maldoror ediciones, 2006. Traducción: Jorge Segovia y Violetta Beck. - 160 p.
• Bulgákov, Mijaíl, Maestro y Margarita, Barcelona, Alianza, 2003.
• Bulgákov, Mijaíl, Morfina, Madrid, Anagrama Compactos, Madrid, 2001.
• Mijail BULGAKOV, Los huevos fatales/ Maleficios, Valdemar. Madrid, 1990.
• Mijail BULGAKOV, Corazón de perro, Alfaguara. Madrid, 1992.
• M. BULGÁKOV y Y. ZAMIATIN, Cartas a Stalin, Grijalbo-Mondadori, col. El Espejo de Tinta. Madrid, 1991.
• BULGÁKOV, Mijail: El Maestro y Margarita. Madrid, Alianza Editorial, 1981. Traducción: Amaya Lacasa.
• BULGÁKOV, Mijail: Vida del señor de Molière. Barcelona, Montesinos, 1983. Traducción: Ricardo San Vicente.
• BULGÁKOV, Mijail: LOS DIAS DE LOS TURBIN. ASOC. DIRECTORES DE ESCENA 2002. ISBN: 9788495576170.
• BULGÁKOV, Mijail: DON QUIJOTE. CREADO EN TRASPASO DEL HP 1992. ISBN: 9788487591242.
• BULGÁKOV, Mijail: LA GUARDIA BLANCA. QUARZO 2006. ISBN: 9789707321496.
• BULGÁKOV, Mijail: CORAZON DE PERRO: LA ISLA PURPURA. GALAXIA GUTENBERG 1999. ISBN: 9788481092486.
• BULGÁKOV, Mijail: NOTAS EN LOS PUÑOS; IVAN VASILIEVICH. ALFABIA 2009. ISBN: 9788493734800.
Adaptaciones cinematográficas
• Todas las películas basadas en sus obras
Enlaces externos
• Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Mijaíl Bulgákov.Commons
• Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Mijaíl Bulgákov. Wikiquote
• Bulgakov.ru — (en ruso)
• Bulgakov Project (en ruso)
• Master i Margarita Un tributo a la obra maestra de Mijaíl Bulgákov. (en neerlandés, inglés, ruso)
• "Bulgákov, Faithfull, Jagger y tú". Por Juanfran Molina
• Selección de obras de Mijaíl Bulgákov en espanol
• Comparación de El maestro y Margarita con Lucharon por la patria, de Sholojov
• (en castellano) Notas en los puños. Iván Vasílievich de Mijaíl Bulgákov, Ediciones Alfabia, Barcelona
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Mija%C3%ADl_Bulg%C3%A1kov"
Categorías: Escritores en ruso | Escritores de la Unión Soviética | Escritores de Rusia | Nacidos en 1891 | Fallecidos en 1940 | Escritores del siglo XX | Kieveños

El matrimonio como medio de ennoblecerse, by Jane Austen


Sensatez y sentimientos


Sentido y Sensibilidad

Autor
Jane Austen
Género
Novela
Subgénero
Costumbres, Romántica
Idioma
Inglés
Título original
Sense and Sensibility
País
Reino Unido
Fecha de publicación
1811
Formato
Papel, Rústico y Cartoné
ISBN
ISBN 956-13-1874-1 [a]
Serie

Sentido y Sensibilidad
Orgullo y prejuicio

Sense and Sensibility, título original en inglés, también conocida como Sentido y sensibilidad, Sensatez y sentimientos, Juicio y sentimiento o Juicio y sensibilidad, es una novela de la escritora británica Jane Austen publicada en 1811. Fue la primera de las novelas de Austen en ser publicadas, bajo el seudónimo de "A Lady" (una dama). Ha sido adaptada para el cine y la televisión numerosas veces, destacando la versión de Ang Lee en 1995.
Contenido
• 1 Sinopsis
o 1.1 Introducción
o 1.2 Resumen de la trama
• 2 Personajes en Sentido y sensibilidad
o 2.1 La familia Dashwood
o 2.2 Los Middleton
o 2.3 La familia Ferrars
o 2.4 Otros personajes
• 3 Valoración crítica
• 4 Adaptaciones al cine, la televisión y el teatro
o 4.1 Curiosidades
• 5 Notas
• 6 Enlaces externos
Sinopsis
Introducción
Las protagonistas son las hermanas Elinor y Marianne Dashwood, que viven con su madre, la señora Dashwood, y su hermana menor, Margaret. Después de la muerte de su padre el patrimonio familiar pasa a su medio hermano, John Dashwood, único descendiente masculino e hijo de un primer matrimonio; la familia queda con casi nada y se muda a una casita en el campo que les ofrece un pariente. La novela sigue a las hermanas Dashwood a su nuevo hogar, donde experimentan tanto el romance como una desilusión amorosa. Allí conocen a tres hombres: Edward Ferrars, Willoughby y al Coronel Brandon.
Elinor y Marianne tienen temperamentos opuestos. Tradicionalmente, se ha considerado que Elinor, la mayor, con 19 años, representa el "sentido" (razón) del título y Marianne, que tiene 17, representa la "sensibilidad" (emoción). Sin embargo, este punto de vista es muy limitado. Un examen detallado de la novela permite ver en cada hermana diferentes aspectos de cada uno de estos rasgos.
El contraste entre los caracteres de las hermanas se resuelve finalmente cuando cada una de ellas encuentra el amor y una felicidad duradera.
Resumen de la trama
La señora Dashwood y sus hijas Elinor, Marianne, y Margaret, quedan empobrecidas después de la muerte de su marido. Su finca, Norland en Sussex, debe pasar a John Dashwood, hijo de su primer matrimonio. Aunque John prometió a su padre cuidar de su madrastra y hermanas, su egoísta esposa, Fanny, fácilmente le disuade de darles parte de su herencia. Las Dashwood son tratadas como huéspedes no deseados en su propio hogar, y pronto empiezan a buscar otro lugar en el que vivir.
Mientras tanto, Elinor se siente atraída por el hermano de Fanny, Edward Ferrars, que está de visita. Edward es un joven callado, sin pretensiones, con un agradable carácter. No tiene ningún deseo de cumplir los deseos de su madre y hermana que quieren verlo como un famoso político o una "figura elegante en el mundo". Aunque no es guapo ni encantador, Elinor pronto admira la inteligencia de Edward y su buen sentido. Sin embargo, la fortuna de Edward depende del deseo de su madre. Elinor sabe que la señora Ferrars quiere que su hijo se case con una dama de alto rango, y no se permite a si misma concebir esperanzas de matrimonio.
La señora Dashwood y sus hijas pronto marchan de Norland a Barton Cottage, en Devonshire. Su casero es Sir John Middleton, un primo lejano que generosamente les ofrece una renta baja. Vive en Barton Park con su mujer, fría y elegante, y sus hijos. También se quedan en Barton Park la madre de Lady Middleton, la señora Jennings, y el Coronel Brandon, un viejo amigo de Sir John. La señora Jennings, una jovial mujer mayor a la que le encanta bromear y chismorrear, decide pronto que el Coronel Brandon debe enamorarse de Marianne. Ella bromea con ambos sobre el tema, para confusión de Marianne, quien considera que el Coronel Brandon, de 35 años, es un viejo solterón enfermizo, incapaz de enamorarse o inspirar amor a nadie.


Un día, Marianne y Margaret pasean por la campiña cercana a Barton Cottage y se ven sorprendidas por la lluvia. En su desesperado intento por llegar a casa, Marianne se resbala en la hierba húmeda y se tuerce un tobillo. Margaret no puede detener su vertiginoso descenso y bajo la intensa lluvia, llega primera al hogar. El señor Willoughby, joven gallardo y guapo, pasa por allí. Rescata a Marianne, y se gana su admiración y la de la familia al llevarla de vuelta a casa. Después de este incidente, Willoughby comienza a visitar a Marianne cada día.
Los dos se hacen íntimos, y Elinor y la señora Dashwood comienzan a sospechar que la pareja se ha prometido en secreto. Sin embargo, la naturaleza sentimental de la señora Dashwood le impide seguir el consejo de Elinor y preguntarle simplemente a Marianne sobre su relación con Willoughby. Marianne queda desolada cuando Willoughby inesperadamente anuncia que debe marcharse a Londres por asuntos de negocios, para no regresar al menos por un año.
Edward Ferrars viene a visitar a las Dashwood a Barton Cottage, pero parece infeliz y se mantiene distante respecto a Elinor. Ésta teme que él ya no tenga sentimientos hacia ella. Sin embargo, a diferencia de Marianne, ella no se permite regodearse en su tristeza.
Poco después, Anne y Lucy Steele, primas de Sir John Middleton, vienen a quedarse en Barton Park. Sir John dice a Lucy que Elinor está unida a Edward, lo que impulsa a Lucy a informar a Elinor en una confidencia que ella (Lucy) está prometida a Edward en secreto desde hace cinco años. Aunque Elinor inicialmente culpa a Edward por comprometer sus afectos cuando él no era libre para hacerlo, pronto se da cuenta de que se prometió con Lucy cuando era joven e ingenuo. Elinor comprende que Edward no ama ni admira a Lucy, pero que no la herirá ni deshonrará rompiendo su compromiso. Elinor oculta su desilusión a su familia y amigos, y logra convencer a Lucy de que ella no siente nada por Edward.
Elinor y Marianne pasan el invierno en la casa de la señora Jennings en Londres. Marianne escribe a Willoughby, pero sus cartas quedan sin respuesta. Encuentran a Willoughby en una reunión, y él las trata fríamente de una manera formal. Más tarde envía a Marianne una carta informándola de que se ha comprometido con la señorita Grey, una mujer muy rica de clase inferior. Marianne reconoce ante Elinor que ella y Willoughby nunca se prometieron, pero que ella lo amaba y que él la hizo pensar que era verdaderamente correspondida.
El coronel Brandon revela a Elinor que Willoughby había seducido a la hija adoptiva del coronel, la señorita Eliza Williams, y la abandonó cuando quedó embarazada. El coronel estuvo en una ocasión enamorado de la madre de la señorita Williams, una mujer que se parecía a Marianne y cuya vida quedó destruida por un infeliz matrimonio arreglado con el hermano del coronel.
Más tarde, la señora Jennings cuenta a Elinor que la señora Ferrars había descubierto el compromiso entre Edward y Lucy. Edward se niega a acabar con el compromiso y su madre lo deshereda. Elinor y Marianne lo lamentan por Edward, y piensan que él es muy honrado al permanecer prometido a una mujer con la que probablemente no sea feliz. Anne Steele dice a Elinor que Lucy aún pretende casarse con Edward, quien pretende tomar las órdenes sagradas para poder mantenerse. El coronel Brandon, sabiendo que la vida puede quedar arruinada si se niega el verdadero amor, ofrece su parroquia de Delaford a Edward, aunque lo conoce muy poco. Elinor conoce al aburrido hermano de Edward, llamado Robert y queda sorprendida al descubrir que él no tiene reparos en obtener la herencia de su hermano.
Marianne enferma gravemente después de un paseo por la lluvia durante la cual ella se ve superada por el sufrimiento debido a Willoughby, y el coronel Brandon va a buscar a la señora Dashwood. Willoughby llega y dice a Elinor que él tenía enormes deudas cuando su benefactora descubrió sus acciones hacia la señorita Williams y lo desheredó. Entonces decidió casarse con una mujer rica. Dice que aún ama a Marianne. Busca su perdón, pero sus egoístas acciones carecen de justificación. Mientras tanto, el coronel Brandon descubre a la señora Dashwood su amor por Marianne.
Marianne se recupera y las Dashwood regresan a Barton Cottage. Elinor le cuenta a Marianne la visita de Willoughby. Sin embargo, Marianne afirma que aunque ella lo amó, no podía haber sido feliz con el padre libertino de un niño ilegítimo, incluso si él hubiera permanecido a su lado. Marianne afirma también que se da cuenta de que su enfermedad sólo se debía a que se regodeaba en su dolor, por su excesiva sensibilidad, y que, de haber muerto, habría sido el equivalente moral de un suicidio. Refiriéndose en particular a la bravura y buen sentido de Elinor, decide reformarse.
La familia descubre que Lucy se ha casado con el señor Ferrars. Cuando la señora Dashwood se da cuenta de lo disgustada que está Elinor, finalmente comprende que los sentimientos de Elinor hacia Edward son fuertes, y lamenta no haber prestado más atención a su infelicidad. Sin embargo, al día siguiente llega Edward y revela que Lucy no se ha casado con él sino con su hermano. Dice que quedó atrapado en este compromiso con Lucy "una mujer a la que había dejado de amar hacía tiempo", pero que ella rompió el compromiso para casarse con el ahora rico Robert. Le pide a Elinor que se case con él, y ella accede. Edward se reconcilia con su madre, que le da 10.000 libras, suficiente para que ellos vivan confortablemente. Se casan y se mudan a la parroquia de Delaford. Sin embargo, la reconciliación de Edward con su madre es parcial e insuficiente. Su madre le repudió por querer casarse con Lucy, pero cuando ésta se casó con su segundo hijo, la señora Ferrars se hizo amiga suya, y continúa favoreciéndolo, sin que Edward recupere plenamente su posición anterior.
La patrona del señor Willoughby al final le deja su dinero, afirmando que su matrimonio con una mujer de buen carácter lo redime. Willoughby se da cuenta entonces de que casarse con Marianne hubiera producido el mismo resultado. Debe vivir sabiendo que en caso de haberse comportado honorablemente, podría haber tenido tanto el amor como el dinero.
En los dos años siguientes, la señora Dashwood, Marianne y Margaret pasan la mayor parte de su tiempo en Delaford. Marianne madura y decide casarse con el coronel, aunque hacia él siente más respeto que pasión. No obstante, después del matrimonio se da cuenta de que lo ama de verdad. Ella y el coronel se establecen cerca de Elinor y Edward, de manera que las hermanas y sus maridos pueden visitarse a menudo.
Personajes en Sentido y sensibilidad
La familia Dashwood
• Henry Dashwood — un caballero rico que muere al principio de la historia. Los términos de su patrimonio le impiden dejar nada a su segunda esposa y las hijas que han tenido juntos. Le pide a John, su hijo mayor, nacido de un primer matrimonio, que cuide (en el sentido de darles seguridad financiera) a su segunda esposa y sus tres hijas.
• La señora Dashwood — la segunda esposa de Henry Dashwood, quien queda en difícil situación debido a la muerte de su esposo.
• Elinor Dashwood — la sensible y reservada hermana mayor de los Dashwood. Se siente atraída por Edward Ferrars, el cuñado de su medio-hermano mayor, John.
• Marianne Dashwood — la segunda hija, con inclinaciones románticas y muy expresiva. Es objeto de atenciones por parte del Coronel Brandon y el señor Willoughby.
• Margaret Dashwood — la hija menor de los señores Dashwood. Interesada en Geografía Mundial.
• John Dashwood — el hijo de Henry Dashwood, nacido del primer matrimonio de éste.
• Fanny Dashwood — la esposa de John Dashwood, y hermana de Edward y Robert Ferrars.
Los Middleton
• Sir John Middleton — un pariente lejano de la señora Dashwood quien, después de la muerte de Henry Dashwood, la invita a ella y sus tres hijas, a vivir en una casita de su propiedad. Middleton, su esposa y sus hijos reciben la visita de su suegra, la señora Jennings. Él y la señora Jennings son una pareja vital y chismosa, que se interesan por los asuntos románticos de los jóvenes que los rodean, y se esfuerzan por animar enlaces apropiados.
• Lady Middleton — La refinada y frívola esposa de Sir John Middleton, preocupada principalmente por mimar a sus cuatro hijos malcriados.
• Charlotte Palmer — la hija de la señora Jennings y hermana menor de Lady Middleton, la señora Palmer es una cabeza hueca que se ríe de cosas inapropiadas, como la continua grosería de su esposo, hacia ella y los demás.
• El señor Palmer — el marido de Charlotte Palmer quien se presenta como candidato para un asiento en el Parlamento a pesar de su holgazanería y grosería.
• Lucy Steele — un pariente joven y distante de la señora Jennings, quien ha estado prometida durante algún tiempo secretamente con Edward Ferrars. Asiduamente cultiva la amistad con Elinor Dashwood y con la señora de John Dashwood. Es manipuladora e intrigante.
• Anne/Nancy Steele — hermana mayor de Lucy Steele.
La familia Ferrars
• Edward Ferrars — El mayor de los dos hermanos de Fanny Dashwood. Se siente atraído por Elinor Dashwood. Años antes de conocerla, Ferrars le propuso matrimonio a Lucy Steele, la sobrina de su tutor. El compromiso ha sido mantenido en secreto debido a que esperan que la familia se oponga a este matrimonio.
• Robert Ferrars — el hermano menor de Edward Ferrars y Fanny Dashwood.
• Mrs. Ferrars — Madre de Fanny Dashwood, Edward y Robert Ferrars. Una mujer de mal carácter, vana, que personifica todos las debilidades que demuestran Fanny y Robert. Está decidida a que sus hijos se casen bien, por lo que acaba repudiando a Edward por su compromiso con la oportunista Lucy Steele, pero luego irónicamente acaba apoyando a Robert a pesar de que este se casa con Lucy.
Otros personajes
• Coronel Brandon — un amigo íntimo de Sir John Middleton. En su juventud, Brandon se enamoró de la pupila de su padre, pero su familia le impidió casarse con ella porque estaba destinada a su hermano mayor. Fue enviado al extranjero para alejarlo de ella, y mientras él estaba fuera, ella sufrió varias desgracias en parte como consecuencia de su matrimonio, y finalmente murió en la miseria, y con una hija natural, de quien se hace cargo el coronel Brandon.
• John Willoughby — un sobrino de una vecina de los Middleton ( Señora Smith ), una figura elegante que encanta a Marianne.
• La señorita Grey — una rica heredera con la que el señor Willoughby se casa después de ser desheredado para mantener su cómodo estilo de vida.
• Lord Morton — el padre de la señorita Morton
• La señorita Morton — una mujer rica con quien la señora Ferrars quiere casar a su hijo mayor, Edward.
• El señor Pratt — un tío de Lucy Steele.

Valoración crítica
Austen escribió el primer borrador de Elinor and Marianne (Elinor y Marianne) (más tarde retitulado Sentido y sensibilidad) hacia 1795, cuando tenía unos 19 años. En su adolescencia había escrito un buen número de relatos cortos; Elinor y Marianne fue su primera novela larga. Puede ser considerada una novela de costumbres, pudiendo describirse mejor como un ensayo sobre la psicología humana.
Aparecen en esta obra, de forma precisa, la vulgaridad y la ambición de la época napoleónica, en que la Ilustración destruye toda estructura de la ingenua fe medieval y la ciencia inspirara una nueva forma de filosofía que enfatizaba la búsqueda de los placeres terrenales; asimismo, refleja los momentos iniciales del Romanticismo del siglo XIX, movimiento que se propone revisar los progresos del siglo de las Luces, los efectos de la urbanización, mecanización y racionalismo.
No obstante, la principal característica de la novela es el análisis de las reacciones y reflexiones del alma humana. La trama gira en torno al contraste entre el buen sentido de Elinor y las emociones de Marianne. Las dos hermanas están muy unidas a pesar de su diferente temperamento: la primera es reflexiva y dispuesta a aplicar las normas de la civilización en toda ocasión, la segunda es impulsiva y emocional. Estos dos personajes pudieron basarse vagamente en Jane y Cassandra Austen, con Austen representando a Cassandra como la hermana reprimida y juiciosa y ella misma como la emocional. Austen claramente pretende reivindicar el buen sentido y contención de Elinor, y a un nivel simple, la novela puede leerse como una parodia del pleno romanticismo y sensibilidad que estaba de moda en los años 1790.
Aun así, el tratamiento que Austen hace de las dos hermanas es complejo y tiene muchas facetas. La biógrafa de Austen, Claire Tomalin, argumenta que Sentido y sensibilidad tiene una "debilidad en su tratamiento," que se desarrolla porque Austen, a lo largo de la escritura de la novela, gradualmente fue sintiéndose menos segura sobre si es el buen juicio o la sensibilidad lo que debían triunfar.[1] Proporciona a Marianne todas las cualidades atractivas: inteligencia, talento musical, franqueza, y la capacidad de amar profundamente. También le reconoce a Willoughby, a pesar de todos sus defectos, el mérito de continuar amando y, hasta cierto punto, apreciando a Marianne. Por estas razones, algunos lectores encuentran que el matrimonio de Marianne con el coronel acabe siendo un final poco satisfactorio.[2] El final, sin embargo, une hábilmente los temas del sentido y la sensibilidad aunque haga que la hermana juiciosa se case con el hombre que ama después de largos y románticos obstáculos que se interponen en su camino, y la hermana sensible encuentra la felicidad con un hombre al que inicialmente no ama, pero que era una muy juiciosa elección como marido.
Elionor es el verdadero hilo conductor de la novela. Las posibilidades que la época ofrece a las mujeres (en busca de un marido rico y una vida ociosa llena de fiestas y de visitas) chocan con la sinceridad y la fidelidad al corazón de las dos hermanas, que escogen "los peores partidos", movidas por el sentimiento. Jane Austen expone con maestría las sutilezas del juego que se establece entre nobles ambiciosos, insensibles a todos, la clase media ansiosa de ascender en la vida y el matrimonio como medio de ennoblecerse. Nada nos autoriza a sostener, como se ha visto, que es un romance "sobre intrigas domésticas" o sobre "una hermana racional y otra sentimental" (como se ha dicho usando como justificación el título). Por el contrario, es una pregunta siempre relevante: lo que parece útil a corto plazo, ¿a largo plazo valdrá la pena? La ambición, ¿puede garantizar verdaderamente una comodidad y una riqueza mayores? Los "bobos" que se dejan guiar por sus sentimientos, ¿tienen al final mejores resultados, como parece decir la autora? Es necesaria la virtud.
Por lo demás, la obra presenta la cuidada estructura clásica, en la que cada incidente tiene sentido en relación con el conjunto. Se usa la sutil ironía de Austen en su mejor momento, con muchos pasajes cómicos sobresalientes sobre los Middleton, los Palmer, la señora Jennings, y Lucy Steele.
Adaptaciones al cine, la televisión y el teatro
Sentido y sensibilidad ha tenido varias adaptaciones[1]:
• 1971: Sense and Sensibility, serie de la BBC con Joanna David como Elinor Dashwood y Ciaran Madden como Marianne Dashwood
• 1981: Sense and Sensibility, serie de la BBC con Irene Richard como Elinor Dashwood y Tracey Childs como Marianne Dashwood
• 1995: Sentido y sensibilidad, película protagonizada por Emma Thompson en el papel de Elinor Dashwood, Kate Winslet como Marianne Dashwood, con Hugh Grant en el papel de Edward Ferrars y Alan Rickman como coronel Brandon; junto a ellos, un plantel de destacados actores ingleses: James Fleet, Tom Wilkinson, Robert Hardy, Greg Wise, Imelda Staunton o Hugh Laurie. Dirigida por Ang Lee, fue una película de gran éxito. La actriz Emma Thompson logró un óscar por el guión, que se tomaba algunas libertades con la historia de Austen para adecuarse a los intereses de una audiencia moderna.
• 2000: Kandukondain Kandukondain, una película india contemporánea con ambientación en el presente, basada en la misma trama, con la actriz Tabu como Sowmya (Elinor Dashwood), Aishwarya Rai como Meenakshi (Marianne Dashwood), con Ajit como Manohar (Edward Ferrars), Abbas como Srikanth (Willoughby) y Mammootty como Captain Bala (Coronel Brandon).
• 2009: Sense and Sensibility, serie de la BBC con Hattie Morahan como Elinor Dashwood, Charity Wakefield como Marianne Dashwood, Dan Stevens como Edward Ferrars y David Morrissey como el Coronel Brandon.
Curiosidades
En la película de 1995 dirigida por Ang Lee:
• Coincidieron seis actores que tuvieron papel en las películas de Harry Potter:
Emma Thompson como Elinor Dashwood en Sentido y sensibilidad – Sybil Trelawney en Harry Potter
Alan Rickman, Coronel Brandon; Severus Snape
Gemma Jones, la señora Dashwood, Madam Pomfrey
Robert Hardy, Sir John Middleton, Cornelius Fudge
Elizabeth Spriggs, la señora Jennings, The Fat Lady
Imelda Staunton, Charlotte Palmer, Dolores Umbridge
• También han coincidido en la película Love Actually Alan Rickman, Emma Thompson y Hugh Grant.
• El papel del grosero e impertinente señor Palmer, siempre ofensivo con su mujer y con quien le dirige la palabra, fue interpretado por el actor que encarna al popular Dr. House televisivo, Hugh Laurie.
Notas
a. ↑ Este es solo un ISBN de los muchos que hay de la obra (puesto como ejemplo), han sido publicadas muchísimas ediciones diferentes a lo largo de casi 200 años.
1. ↑ Claire Tomalin, Jane Austen: A Life (Nueva York: Vintage, 1997), p.155.
2. ↑ Tomalin, Jane Austen: A Life, pp. 156-157.
• Ediciones recientes en España, según el ISBN:
o Sentido y sensibilidad, Ediciones B, S.A., 1997
o Juicio y sentimiento, Ediciones B, S.A., 1997
o Juicio y sentimiento, Círculo de Lectores, S.A., 1997
o Sentido y sensibilidad, RBA Coleccionables, S.A., 1997 y 2004
o Sentido y sensibilidad, Plaza & Janés Editores, S.A., 2000
o Sentido y sensibilidad, Editorial Andrés Bello, 2000
o Sentido y sensibilidad, Nuevas Ediciones de Bolsillo, 2000 y 2003
o Sentido y sensibilidad, Punto de Lectura, S.L., 2001
o Sentido y sensibilidad, Edimat Libros, 2002 y 2005
o Juicio y sentimiento, Alba Editorial, S.L., 2006
Enlaces externos
• Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Sense and Sensibility. Wikiquote
• Wikisource contiene obras originales de o sobre Sense and Sensibility.Wikisource
• Sentido y sensibilidad en Proyecto Gutenberg (en inglés)
• Cronología de Sentido y sensibilidad (en inglés)
• Sense and Sensibility, online en Biblioteca Ye Olde (en inglés)
• Sense and Sensibility, texto completo online (en inglés)
• Sense and Sensibility Audiolibro gratuito en LibriVox (en inglés)
• Sense and Sensibility Análisis literario de la novela (en inglés)
• Grade Saver - Notas y análisis sobre Sentido y sensibilidad (en inglés)

lunes, 9 de agosto de 2010

La delgada linea entre realidad y ficcion


El espíritu de la colmena

El espíritu de la colmena
Título
El espíritu de la colmena
Ficha técnica
Dirección
Víctor Erice
Dirección artística
Jaime Chávarri
Producción
Elías Querejeta
Diseño de producción
Primitivo Álvaro
Pedro Esteban (asistente)
Guión
Víctor Erice
Angel Fernández Santos
Música
Luis de Pablo
Fotografía
Luis Cuadrado
Montaje
Pablo G. del Amo
Vestuario
Peris
Reparto
Fernando Fernán Gómez (Fernando)
Teresa Gimpera (Teresa)
Ana Torrent (Ana)
Isabel Tellería (Isabel)
Laly Soldevilla (doña Lucía)
Miguel Picazo (médico)
José Villasante (Frankenstein)
Juan Margallo (fugitivo)
Datos y cifras
País(es)
España
Año
1973
Género
Drama
Duración
97 minutos
Clasificación
Allmovie Enlace
Fotogramas enlace
Idioma(s)
español
Compañías
Productora
Elías Querejeta P.C.
Ficha en IMDb
Ficha en FilmAffinity
El espíritu de la colmena es una película española dirigida por Víctor Erice.
La película está ambientada en tierras castellanas nada más terminada la Guerra Civil. En ese pueblo se proyecta la película: El doctor Frankenstein.
Comentarios
Ha sido reestrenada en el 2004. Los personajes que interpretan los 4 protagonistas se llaman como ellos en la vida real. Pero, al contrario de lo que puede parecer, no es casualidad, sino fruto de algo tan sencillo, y tan complejo y fascinante, como la incapacidad de los niños de entender la diferencia entre realidad y ficción. Ana, la niña protagonista, según ha contado Erice en más de una ocasión, no entendía por qué la gente se llamaba de una manera, y de pronto cambiaba el nombre. Este sencillo hecho motivó que el director decidiera cambiarles los nombres a todos los protagonistas por sus propios nombres de pila.
"El título, en realidad, no me pertenece. Está extraído de un libro, en mi opinión, el más hermoso que se ha escrito nunca sobre la vida de las abejas, y del que es autor el gran poeta y dramaturgo Maurice Maeterlinck. En esa obra, Maeterlinck utiliza la expresión 'El espíritu de la colmena' para decribir ese espíritu todopoderoso, enigmático y paradójico al que las abejas parecen obedecer, y que la razón de los hombres jamás ha llegado a comprender".
Víctor Erice, director del film.
Palmarés cinematográfico
• 1973 - Festival de Chicago - Hugo de Plata
• 1973 - Festival Internacional de Cine de San Sebastián - Mejor Película.
Enlaces externos
• Estudio de la película en miradas.net
• El espíritu de la colmena en Rotten Tomatoes (en inglés)